至爱梵高·星空之谜

看死君：在今年6月的昂西国际动画电影节上，一部动画电影引起了全世界的瞩目。

随后来到了上海国际电影节，更是一票难求，并斩获上海国际电影节金爵奖最佳动画片奖。

那就是《至爱梵高》。

这部影片之所以能在全球范围内引起如此大的轰动，不仅仅在于，它是对伟大的艺术家梵高一生的又一次回顾，尤其是对他那富有争议性的死亡的又一次探索；更主要的还是在它那极富创造力的艺术展现形式上。

它可是全球首部全手绘油画动画电影。

2015年正值梵高诞辰125周年，为了纪念这位昔日的天才画家，影片导演Dorota Kobiela力邀曾获奥斯卡奖的Breakthru Films团队一起创作，历时七年打磨，最终创作出了这部影片，为梵高献上了一次别样的“致敬”。

“当星空开始燃烧，我差点以为梵高还活着”！

作者| 零雨其濛公号| 看电影看到死影片《至爱梵高》是史上第一部全手绘油画的动画长片。

此项目最初的想法源于波兰画家兼导演多洛塔·科别拉，之后她联合奥斯卡获奖制片人休·韦尔什曼于梵高诞辰125周年发起众筹，最终由曾经获得奥斯卡奖的波兰制作团队Breakthru Films打造。

《至爱梵高》的创作本片情节主要依据“梵高之死”的真相调查展开叙述，透过第三人称视角还原梵高的艺术人生。

本片每一帧都是真实的油画，而每一幅油画都是由画家根据梵高的120多幅原画复刻并再创作。

为了降低绘画难度，本片采用转描技术，先由真人演员扮演梵高画作中出现的人物，并在绿幕上拍摄从而制成动画，再由画家们根据这些动画进行绘制。

百余名油画家在波兰北部名城格但斯克的工作室中通力合作，创作出56800幅油画，再将这些画作以定格动画的形式制成电影。

整个过程相当复杂且耗时。

而且还是使用了 “油画动画PAWS”技术拍摄，这是第一部运用此技术的长篇动画电影。

梵高生平梵高出生于荷兰一个新教牧师家庭，从小就不善于和人交流，并患有自闭症。

经过青年时代一系列失败的生活经历，梵高于1880年走上绘画创作道路。

他早期尝试现实主义绘画，把画笔对准最底层的人和物。

米勒对其早期画风以及整个绘画生涯的题材选取有着深刻影响。

之后印象主义运动席卷法国，梵高开始创作印象派风格的绘画，并与印象派画家莫奈、雷诺阿、毕沙罗等人交往。

同当时很多画家一样，梵高在创作实践中逐渐不满于印象派刻板而片面地追求光和色，开始尝试色彩及形体的表现性，渐渐形成绘画理念与风格。

1888年年末，梵高邀请好友高更到阿尔勒的黄房子共同创作。

刚从布列塔尼写生归来的高更带来的亮丽色彩深刻影响了梵高，梵高的用色也变得更加明亮大胆。

梵高本对高更充满崇拜，但两人性格差异巨大，高更理性冷静，梵高感性脆弱。

相处时间越长，两人在艺术理念和生活态度等方面的冲突越来越多，导致激烈争吵。

次年梵高主动要求入住圣雷米疗养院，出院后不久移居巴黎以北的奥维尔，一边继续创作一边接受加歇尔医生的治疗。

1890年7月27日，梵高在奥维尔附近中枪，在晚餐过后他回到暂住的拉乌客栈，29日凌晨死在拉乌客栈的床上。

梵高生前籍籍无名，一生只卖出过一幅作品。

死后七年，在其弟弟提奥的妻子乔安娜的努力下，梵高的名望才越来越大。

除了其作品自身的感染力，断耳、自杀的传奇经历和死因的扑朔迷离无疑也是其成名的重要因素。

作为早已超越绘画范畴的文化符号，梵高承载了太多臆想和逢迎，而其艺术殉道者的形象也被万人供奉。

后印象派以梵高、高更为代表的后印象派常被认为隶属于印象派，这是一个很普遍的误解。

后印象派虽然曾受到印象派的启示，但在理念上却更强调作品要抒发艺术家的主观情感而不是虚幻的自然光影，这与印象派背道而驰。

严格来说，后印象派并不是一个绘画派别，而是一种艺术思潮。

他们不像印象派那样有统一的风格和理念，各位画家在不同层面进行着自己的创作实践。

他们受到日本浮世绘影响，发展出一种二维平面绘画，摒弃了自古希腊以来的透视学传统。

在色彩上他们更多选用饱和度高的纯色，喜欢使用大色块，使得画面更加明朗，这和西方传统绘画的用色理念相背离。

题材和内容方面他们由描绘真实世界或者宗教神话变为表达内心的想法和情感，他们不追求与真实事物“像”，而追求主观感受的外化。

从此，西方绘画便从文艺复兴的传统中解放出来，现代绘画的大门也随之打开了。

因此，一般认为西方现代绘画开始于后印象派。

其中成就最高者，当属后印象派三杰——塞尚、高更和梵高。

塞尚是现代绘画立体主义倾向的先驱，直接启发了后来毕加索的创作。

高更则探索了象征主义、原始主义的表达方式，深刻地影响了后来的野兽派。

而梵高则是表现主义实践者，他用扭曲、夸张的线条表达内心激烈的情感冲突。

《至爱梵高》初观此片，会有稍许的不适应感，因为90分钟65000格，约合每秒12格，这比每秒24帧少了一半，画面稍有些停顿感。

但渐渐融入之后，会发现梵高如雕刻般深厚的笔触，如同激流一样旋转颤动，一笔一划都穿凿自肺腑，而停顿感更加强了这种力度。

电影以梵高著名的《星空》为开篇，通过黄衣男子阿尔芒·鲁林在咖啡馆里与他人的对话，再现了梵高割耳当天的情景。

阿尔芒是梵高好友——邮差约瑟夫·鲁林的儿子。

由于梵高生前与其弟提奥频繁通信，与邮差约瑟夫交往甚多。

经过与其父的长谈，阿尔芒决定将一封梵高生前未寄出的信转交给提奥。

在巴黎，阿尔芒得知提奥在梵高去世半年后也悲痛离世，于是决定携带这封寄不出的信去寻访梵高人生最后时刻接触过的人。

故事主情节就在与这些人的交谈和回忆中展开。

阿尔芒首先在巴黎拜访了颜料店老板唐吉老爹，而后来到了梵高的最后居住地奥维尔镇。

阿尔芒寻访了镇上梵高结交过的人，于是一个个梵高生前画作中的人物悉数登场。

阿尔芒本想弄清梵高死亡的真相，但随着寻访和交谈的深入，每个人对梵高之死都有自己的立场和观点，故事也渐渐披上了一层罗生门式的悬疑外衣。

梵高居住的拉乌客栈的老板女儿认为，梵高与加歇尔医生一家貌合神离，热爱生活的梵高是被加歇尔医生一家算计的。

加歇尔医生的妻子认为梵高是恶魔化身，曾作出对上帝不敬之事，对其极度厌恶。

而加歇尔医生的女儿玛格丽特，她对梵高的态度则是前后不一。

圣雷米精神病院的医生认为梵高是被人射杀的，因为子弹打入的角度不可能是自杀，以而且现场被清理得一干二净。

受此观点影响，阿尔芒结合自己的寻访调查，认为梵高是被混混朋友雷内酒后杀死的，但因不想拖累朋友且心中已有死念所以自己承担了责任。

最后，梵高生前交往最密切的加歇尔医生登场，他非常肯定地认为梵高自杀的。

作为最了解梵高生存境况和心理状态的人，加歇尔抛出一句“你们都想知道他是如何死的，但你们知道他是如何生的吗？

”道尽梵高不为世人所容的孤独寂寥。

此刻，画面逐渐升起到了《罗纳河星夜》，与开始的《星空》形成对应，starry starrynight 的音乐也缓缓响起。

梵高如何死的已经不重要了，重要的是通过众人的描述还原出了一个心思单纯，敏感脆弱，熱愛生命，对绘画充满激情却不被世人理解的更加真实的梵高。

我们也由此知道，曾经有一个丰富而孤独的灵魂，他是如何在苦痛挣扎中死去的。

无论是一时兴起的自杀还是突遇不测的他杀，死都是偶然的，但梵高的悲剧却是必然的。

作者| 零雨其濛；公号| 看电影看到死编辑| 皮皮丘；转载请注明

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死在电影院 是影迷们最大的梦想死在片场 是导演们最美的绝唱

从小生长在城乡结合部的我对于梵高的了解大概就只停留在从小学课本印到中学课本的那幅模糊不清的《向日葵》。

顶多到高中的时候，课本上终于多了一幅《梵高自画像》。

恍惚记得高中美术课上，一边狂写数学作业，一边听美术老师讲梵高的弟弟提奥资助文森特梵高的故事。

以上就是一个伪文青和虚假绘画爱好者对梵高的全部了解。

无知程度可见一斑。

因此我毫不避讳的说今天去看这部电影的初衷无非是为了获取一些大众科普以及对于第一次用油画表现的电影的一些好奇。

尽管如此，预告片中关于梵高是自杀还是他杀的假定，让我还是带着略微严谨的科学态度将此片作为一部纯粹电影来欣赏。

当我在影院第五排听到第六排的小姑娘问身旁的大叔男友屏幕上的约瑟芬鲁林和阿尔芒鲁林究竟谁是梵高，大叔用炫耀神气的语气指着阿尔芒说：“那个穿黄衣服的人”我这个伪文青还是从自己虚假的灵魂深处狠狠的鄙视了他们（diss他们纯粹是因为他们talk too loud）。

对于画作或者人物传记一无所知的我，出于对影片的欣赏和热爱，仅仅想讲一些关于这部电影的所想所感-关于自杀和他杀。

关于自杀： 埃米尔迪尔凯姆有一本叫做《自杀论》的书，从社会学群体行为和个体行为的角度对自杀行为作出了假设分析，等有时间我会再写关于那本书对读后感。

如果用理性人假设去分析，自杀行为只可能出现在个体处于精神病态的情况下。

但是社会上仍然有一小撮人，在非精神疾病的状态下，也自愿选择终结自己的生命：在欧美法体系以及大陆法体系之中，逐年提出的关于人类是否有选择安乐死人权的案例，就是这一情况的佐证。

关于安乐死，两周前网上有一段渐冻症老人选择安乐死的视频，引起热议。

老人患上渐冻症——一种无法治愈且非常痛苦的疾病，于是老人选择保持自己生命的尊严选择安乐死。

视频中，他非常平静的接过医生提供的药片，在整个过程中，医生不断的询问并告知他有随时终止安乐死的权利。

他服下药片一一跟他的老友告别，跟他的妻子告别。

然后他握着妻子的手，呼吸渐渐微弱，眼皮渐渐合起。

尽管最后在死亡的那一刻，他痛苦的抽搐了几秒，安静的去世了。

视频中能看到他死去的身体。

躯体仍然存在，精神却已经消失，便是死亡。

经常有人戏谑的说，一个选择自杀的人，会不会在走向死亡的不可逆过程中突然后悔？

他是否后悔不得而知，可死亡结果已经不能更改。

我自己也曾经多次思考这个问题，直至前年。

那时，我刚刚入职一家外企公司，这家公司在18楼，办公大楼共33层。

在一个风和日丽的早上，10:32，一个人影从我们公司干净明亮的落地窗前晃过。

一个人在那天选择跳楼自杀。

我只是一个办公室新人，事情发生时，守着电脑丝毫不敢懈怠的处理着每天定时堆积的400多封来来去去的邮件，并且出于尊重，也没有去看他的死状。

我知道有人自杀，听见了警笛声，更听到办公室里的热切讨论。

她们有的言称恐怖，有的大声嘲笑，有的评头论足。

一个不认识的陌生人的死亡，对于一群忙碌的上班族来说，仅仅只是一天的谈资而已，此后再没有人谈论那件事了。

后来我处于这样那样的原因，离开了那家公司。

直至今日，我仍然记得这样的一件事，不为人情冷漠之类的道德话题。

对于自杀这件事，不管选择什么样的方式，终归沉寂。

就像电影之初，约瑟芬鲁林对阿尔芒恳切地谈起梵高的死亡之时，阿尔芒快速而冷漠将梵高的死亡归咎于“他的软弱”以及“他的精神疾病”。

一个人死亡，他便失去为自己发声辩白的机会，无论他是否在意这些---诋毁或者赞美，他只能成为一座空碑，被人献上鲜花---哪怕他生前可能对鲜花过敏；被人冠以盛名---哪怕他生前自闭或人群恐惧。

死亡本身，便是结束。

被人铭记，则完全是因为另一回事。

恩格斯说，追求真理和创造价值之间辩证存在。

经常看到豆瓣上或者知乎上各路来自科研院所从事科学研究的大神，阅读他们的文章，只觉高山仰止，难以望其项背，默默感叹自己无知以及萌生学习效仿的热情。

孜孜不倦从事科学研究的人和狂热的艺术家一样，在经济人的假设下，他们所创造的经济价值（在未能应用实际或者交换的前提下）远远不及一个普通的劳动者。

他们若是找不到资助企业，或者资助者，几乎没有办法活着，更不必谈及创作。

前段时间有一个访谈节目，主持人采访一个国内非知名小众乐队，乐队的每一个成员都表示，自己并非专职做音乐，都有另一份“正经”工作。

不是他们不全心热爱音乐，而是创作本身并没有创造资本价值，反而会消耗。

在这种情况下，如果没有别的工作工钱资助，创作几乎没有可能。

你看，当我们指责文森特啃老啃弟的同时，指责他逃避工作的同时，假想---假如梵高一边经商一边作画，他是否还能敏感的察觉湖边光影在凌晨或者傍晚的变化？

是否还有时间观察乌鸦啄食自己的午餐？

当然历史是不能假设的。

毕竟并不是每个画家都像毕加索一样幸运。

有些看似的偶然，常常出于必然。

回归到自杀主题，自杀行为在一种假设下，来自社会认同感的缺失。

我本人并不认同霍布斯的“所有人反对所有人”社会假设，但是人们的确会依据自己的价值认知评判他人行为道德。

不要否认，苏格拉底不就是在一个城邦的集体道德下饮毒酒死亡的吗？

这样的例子从古至今不胜枚举。

反观历史，我们惊奇的发现，一个时代的圣人经常在另一个时代属于异类、疯子或者至少是人群之中的一朵奇葩花---这个假定不必要也不充分。

但我们确定，在不同评价体系之下的个体，属性就不再相同。

我们都清楚这一道理，可为了避免道德诡辩，社会也不得不会选择符合群体利益的价值取向作为道德标准或者约定俗成的习惯标准。

因此即使把梵高放在现在，在那些画作没有被人冠以价值的前提下，和电影里一样，你、我我们身边的每一个人都会将他评价为逃避工作，混吃混喝，大手大脚花钱的疯子。

因此，当我们给这一世的“梵高”冠以如此多的标签，当他唯一的天赋被世人贬低的一文不值，当他的道德甚至价值观都遭到质疑，你认为，他除了死亡还有别的选择？

梵高之死这样一个偶然，应是必然的。

电影进行到阿尔芒诘问加歇，控诉不能让不法者逍遥法外的时候，我一度真的担心电影的终结变成抓住了谋杀者的“正义而又欢喜”的空洞电影（虽然，我也认为不法者应该被抓住承担法律责任，但是这只是一部电影不是吗？

）。

还好，电影的结尾，阿尔芒这个正义热切的小使者忽略了究竟是谁杀了梵高的这起刑事案件，转而去体谅这样一场死亡的“幸福”。

电影中的文森特梵高深深地愧疚于给深爱的弟弟造成的负担，深深地愧疚于给周边人带来的困扰，选择不再牵涉他人的死亡，永远沉默在他的迷茫和孤独之中了。

他的“自杀”行为，是对民粹道德的妥协，源于一个人对弈一群人的有心无力。

可梵高还是抗争了。

留下他充满了希望-绝望-热情-冷漠的画作，以及他所热爱的无论卑微还是伟大的世界。

1853年3月30日在荷兰南部布拉邦特的津德尔特市集中心的牧师公馆里，一个婴儿呱呱坠地，这便是后来的文森特。

文森特一生平淡，为人内向，不爱接触别人，但无疑在艺术上是一位巨人。

在当下，梵高就是美术的代名词，提及他，我们不得不想起他那些惊世骇俗的作品，以至于后人称其为后印象派大师。

当然，人家是真正的大师！

现如今艺术越来越平民化，尤其是伴随互联网的高速发展，你们可以在家中看到《蒙娜丽莎》《格尔尼卡》这些美术巅峰，但现如今印象派和抽象派越来越不被普通人认可。

最开始看到那些抨击梵高与毕加索的人我还感到非常的气愤，可是时间久了我也就没有感觉了，因为这样的人实在太多，你无法与他们解释印象派和抽象派。

一旦你意识到了当代的环境，你就会明白，不是人变傻了，而是以前的艺术太不平民了，而如今能看到世界的人越来越多，所以无知者也越来越多。

对于普通人来说，评价美术作品的好坏就是“像不像”我们经常听到别人对画者说：能画像吗？

这个不像啊！

之类的话，对于他们来说，评价的画就是越“像”越好，所以很多人也会用这种思维去思考梵与毕的作品，这本身就是一件很可笑的事情，仿佛你给了猩猩一台电脑，让它去研究主板一样，虽然难听，但事实如此。

我从小开始练习绘画，后来也受过专业的培训，学美术最开始画的东西是物体的外形，在这个阶段你是完全不用夹杂任何个人思想的。

你画的物体也就是它的形状，也就是外在，这个阶段我管他叫画皮，你在这个阶段画的东西只能作“画”！

无法叫“作品”！

然后的阶段就是夹杂着个人思想的绘画，他们不在纠结于外在，更要紧的是被画事物的内在，比如人物头像，他们可以画出人物的内心与想法。

而第三个阶段就是画自己的内心，此阶段就是大师阶段，在他们眼里，绘画就是与艺术对话的方式，他们不在纠结于任何的形状，反而追求的是自己的内心！

我听见最多的就是梵高和毕加索根本不是艺术家，他们画的连小孩子都不如，都是商人炒起来的！

好的，按照他们所说的我想毕加索在13岁的时候就已经是大师了，请看一下毕加索13岁素描。

毕加索13岁时素描作品还有一些色彩

这些都是出自一个少年之手，无法想象吧？

而且是你们口中的“庸才”毕加索！

对于质疑声，就像是一个听惯了流行乐的人去听交响乐，然后用他那流行乐的审美去评价交响乐，说如何不好，这本身就是可笑的！

他们甚至质疑美国登月，进化论！

仿佛自己是个无所不知的大天才一样，其实但凡你去研究一下就不会如此轻率的去质疑，要我说，这些愚蠢的质疑来自于他们空空的头脑。

最后我想说，脑子是个好东西，希望每个人都有！

（抽象派和印象派自己百度去，格尔尼卡画的什么自己研究去）

日本电影大师黑泽明曾在80岁高龄拍出了《梦》，这部电影由八个短片构成，像是导演在晚年时所做的八个梦。

这些梦境虽然有着不同的人物和主题，但冥冥之中又有着千丝万缕的关联。

它们几乎都无一例外地展现了梦境的主人公——抑或是导演本人——对于生命的回望和眷恋。

梦 (1990)8.71990 / 日本 美国 / 剧情 奇幻 / 黑泽明 / 寺尾聪 倍赏美津子在这八个梦境之中，其中一个讲述的便是“梵高之梦”。

镜头跟随着一个青年缓缓移动，展示着梵高生平的一幅幅经典画作。

接着，他戴上帽子，背起行囊，就像是受到了梵高的指引，走进了他的作品之中。

而我们观众，也跟随着镜头一起，伴随着悠扬的古典音乐，进入到了那个奇妙的影像世界。

黑泽明早年热衷于绘画，未能成为画家也许是他人生未达成的一大遗憾，但至少他对于电影正如梵高之于绘画，有着满腔的热血和激情。

他曾说过：“我，减去电影，等于零。

”或许借由这样一个短片，他也从自己的角度向这个疯狂的艺术家进行着一种致敬和缅怀，在他看来，梵高正是那个“减去绘画”就“等于零”的伟大天才吧。

也许是梵高的一生太短暂又太神秘，以至于后世留下的那么多关于梵高的影视书籍作品中，所有人都在试图揣测或再现这个天才在生命临终前所发生的那一场意外。

一个悲剧性的人生加上一个宿命式的悲剧结尾，一个不被人赏识的天才画家最终因为内心的抑郁和逃避选择结束自己的生命。

这个故事被欧文·斯通写进了他的畅销小说《渴望生活》中，这么多年过去了，这个令人“满意”的自杀结尾也早已成为了梵高传奇人生的一部分，载入了历史，可后来的许多证据都在质疑这一论述的可信度。

然而我们没有时光机，历史真相究竟如何也已无从确认，我们只能从所有留下的资料中去努力拼凑出一个相对完整的梵高，或许这也是所有人对于他的一生如此好奇与痴迷的一大原因吧。

渴望生活9.1[美] 欧文·斯通 / 2008 / 北京十月文艺出版社

在电影《至爱梵高·星空之谜》中，虽然也采用了这样的结局，不过与之前几乎所有关于梵高生平的作品不同的是，这部电影是编剧第一次在银幕上对梵高究竟是“自杀还是他杀”进行了一番探讨和解读。

从这个角度来说，这部作品也与以往的那些作品在气质上有着很大差异。

而本片最大的特点，就在于它的呈现方式。

它是全球首部全手绘油画动画电影。

这部影片不仅于今年6月在素有“动画界奥斯卡”之称的法国安纳西国际动画电影节上获得了观众票选奖，更是在今年的上海国际电影节中获得了最佳动画大奖。

而它之所以能够在全球范围内引起如此大的轰动，不仅仅在于它是对伟大艺术家梵高的一生的又一次回顾，尤其是对它那富有争议性的死亡的一次探索；更主要的还是在它那极富创造力的艺术展现形式上。

2015年正值梵高诞辰125周年，为了纪念这位昔日的天才画家，影片导演Dorota Kobiela力邀曾获奥斯卡奖的Breakthru Films团队一起创作，历时七年打磨，最终创作出了这部影片，为梵高献上了一次别样的“致敬”。

作为一部梵高的传记片，影片围绕着调查“梵高之死”的真相展开叙述。

为了真实完美地展现影片的艺术风格，制作团队在全世界找了15个国家的125位画家，很大一部分来自波兰。

他们深入调查了梵高生前的800封书信，一共画了65000张油画，然后以12幅/秒的速度叠加完成了这部油画电影作品。

也就是说，我们所看到的电影中的每一帧，都是一幅精妙绝伦的油画作品。

导演称，之所以摒弃了CG技术和2D动画等方式而选择油画动画的呈现方式，是因为梵高的画作本身就有一种“流动感”。

而艺术家们的集体作画，也在最大程度上与梵高作品的风格保持了高度一致。

我们可以看到他那些脍炙人口的作品在电影中如同“活过来”一般，栩栩如生地在观众眼前铺展开来。

通过这种最为原始也是最为直接的展现方式，导演希望对梵高献上一次完美的致敬。

影片以阿尔芒·鲁林的视角展开叙述，他是梵高的好朋友——邮差约瑟夫·鲁林之子。

在梵高去世之后，他受到父亲的委托，需要把一封梵高生前写给弟弟提奥的书信亲手交给他。

其实历史上并没有存在过阿尔芒“送信”一事，而在电影中，阿尔芒却透过生前与梵高有过接触的各种人物之口，向观众逐渐拼凑出一个完整的“梵高之死”。

他从一开始对于这一任务充满抵触，到最后的“也想为了他做些什么”。

这一过程中的转变，与其说是梵高的人格魅力打动了他，倒不如说是导演借由他的视角，对于梵高生前的最后一段时光进行了一次短暂的回顾，并对最终的那件意外进行了重新的解读。

影片淡去了梵高的弟弟——提奥的视角，我们并未从他的口中得知他的哥哥是一个什么样的人。

而梵高本人也只是出现在回忆的场景中。

影片采用插叙的方式进行讲述，现实世界中的彩色画面和人们回忆中的黑白画面交替出现，产生了强烈的对比。

色调的差异一方面烘托了影片的整体氛围，同时又不断给之后的剧情埋下伏笔。

即便是观众早已知道了结局，但仍能感受到影像的独特质感，并被代入其中。

在电影中，静止的颜料和色块在镜头的注视下突然拥有了自己的生命，观众们甚至可以感受到梵高的作画过程。

随着他画笔的翻涌跳动，笔尖下的颜料也仿佛被注入了灵魂。

瑰丽明亮的色彩喷薄而出，无序但又充满力量。

就像是他的内心，他的广阔和混乱，他的不安与疯狂，都化作了镜头下的一帧帧画作，从模糊到清晰，既突兀又自然，在观众面前徐徐流淌。

在这部电影中，绘画艺术和电影艺术两种不同的艺术形式却形成了完美的融合，展现了惊人的呈现效果。

而除了那些手绘的油画作品以外，影片同时也请来了多位演员，先由演员在绿幕前表演，进而制成动画，再由画家们绘制成油画作品，过程相当繁琐。

演员们的精彩表演，同画家们细腻的笔触一起，为这部影片中的人物赋予了鲜活的生命。

而片名《Loving Vincent》，则是来源于梵高每次与他弟弟通信的信件结尾落款。

他的弟弟提奥，同时也是他的伙伴与知己，更是他绘画道路上坚定的支持者和资助者。

梵高的一生孤独而窘迫，经常因食不果腹而到了走投无路的地步。

即便如此，他仍踌躇满志，希望有一天通过自己的努力回报弟弟对于自己的悉心资助。

影片以两封书信结尾，一封是梵高写给提奥的书信，记录了他作为一个艺术家旅程的起点；另一封则是提奥的遗孀乔向阿尔芒寄来的感谢信，信中同样记录了梵高的一段对于死亡的独白。

或许从这两封简单的书信中，我们可以窥见梵高的一部分真实内心，他的乐观与迷茫，他的孤独和憧憬，他的渺小与伟大。

也许所有的文字都难以描绘他所经历的苦难，但至少他笔下的颜料能够不断跳跃舞动，不断渲染开来，化成那夜空中闪烁的明星。

歌曲《Vincent》中有一句歌词是：“this world was never meant for one as beautiful as you.”是啊，这个世界根本配不上一个如你般美丽的人。

众生的喧嚣在你的痛苦面前不值一提，而你的沉默，一如那燃烧的向日葵，明艳夺目；又如那璀璨的繁星夜空，梦幻迷人。

向日葵

星空 原文发表|后窗 公众号（ihouchuang） 正文有少量修改，原标题有改动。

梵高，大众的“人血馒头”。

不知道为什么这部片子评价这么高，很多善意的朋友早在一年前就给我发来介绍。

我一开始就是质疑甚至反感的。

这是要做什么？

一股投机味扑面而来。

直到铺天盖地的宣传，什么上百位画家艺术家（大家好，电影里的画面不能算艺术家画的），花了多少年，某某获奖，啥啥制作团队……请大家明鉴，凡是在看完电影前的标签大多是耍流氓的行为。

为了吸金，也就体谅体谅不用中招。

但我不得不用专业的眼光看，这样的画面是残次的，故事是很难及格的。

电影的形式语言严重阻碍了内容的表达，兄弟，什么叫词穷，什么叫词不达意，你都做到了！

关于影片的结构和文本，不是我的专业，我就不多做赘述，我相信你的直觉也会觉得片子的逻辑和叙述是欠妥的。

毫不留情的说，这部片子只有苦劳。

（我亲眼看过朋友做油画动画，那真是苦啊！

）梵高的好在于他有那个独一无二的生命在，任何想要复制他风格和笔触，样式，甚至造型理论的，都将过犹不及，适得其反。

梵高的画是静态的，油画是静态的，那些笔触只有在静的时候才是“会动的”，一旦开动，旋转变化起来，这对我个人的审美来说是一场灾难。

花里胡哨，杂乱不堪，天花乱坠，完全失去了敬意，忽略了梵高画中的平整与安静的制衡，梵高看了估计会很尴尬的，甚至不同意这么乱来的，毫无抽象美感。

只有一些标签风格得堆积。

从专业语言分析，一看就知道这个导演是个油画门外汉。

整部片子的主要语言节选了梵高后期，也就是巴黎受浮世绘影响之后，把对立体的追求弱化，追求平面化的形式语言，简而言之就是2D化。

你甚至找不到光源和阴影，只剩下轮廓和颜色，只是颜色上不是平涂，使用了一些当时的光色色彩理论，特点是非固有色化，且运用补色使色彩和谐。

而电影中凡是借鉴原镜头的画面，都采用了梵高的原本语言，但只要是电影原创的镜头，尤其是拍摄转化成拙劣油画风格的那些黑白镜头，非常尴尬地把油画电影这个噱头弄得低级不堪。

很多故事情节被画面限制住，平面还是纵深？

这是一个很难调和的矛盾，导演竟然对此无感吗？

作为钟爱梵高的粉丝，我是不同意这么“消费”梵高的。

这不是“梵高”，梵高已经死了，躺在奥威尔的坟墓里。

这只是梵高的投影，在人心中偶像的功能放大和曲解罢了。

这是一场对梵高的消费，对还活着热闹着的“文森特梵高”这个大IP的消费。

梵高是怎么死的？

自杀？

他杀？

电影里说反正他死了，怎么死的不重要了。

言外之意，我不怀善意的说，重要的是你们怎么消费他，怎么有条理地误解他，怎么借着梵高为自己的命运留下第二滴眼泪。

这是对梵高的不尊重，说严重了是一种顾客就是上帝的心态，梵高只是给你进行精神按摩的服务员罢了。

按摩你的不得志，按摩你对死亡的暧昧态度，按摩贫穷与财富之间带来的张力。

梵高无疑是这个世界上最有名最贵的画家，除了毕加索，没有一个人像他那样有好几个自己的博物馆，除了达芬奇，没有像梵高这样驰名天下的。

所有出版商以拿到相关梵高的内容而欣喜，it must be the best seller!所有顶级博物馆都以收藏他的作品为荣，凡是有关他的周边产品都会成为best-selling。

我不知道如何去统计“梵高”这个穷光蛋，在他死后百年里创造的“生产总值”，我猜应该比苹果亚马逊还要惊人，而且经久不衰吧。

梵高幻化作一座偶像，像阿波罗主管太阳，雅典娜主管智慧与战争，维纳斯主管爱与欲望……仍然活在人们心中的“梵高”主管的“失意的人生”和“委屈的苦难”，“早亡的怜惜”。

而今生的不得意和命运的悲剧感，不正是大多数人的所共鸣的吗？

这种共鸣塑造了梵高的形象。

而梵高怎么看？

答案在风中飘动。

可能有人会觉得这样的论断是不中庸的，我也同意，我的本意也不是诋毁这部片子，只是想提供自己的并不全面的视角，给一个参考的角度。

总之，我宁愿去九十次梵高博物馆，在梵高的画面前看九十次，也不愿意再花九十分钟看这部肤浅致敬梵高的作品。

梵高怎么死的，从各种文章和资料中，就目前来看，他杀的可能性挺大的，即便是他杀，凶手和罪证也都消失在历史中了。

后人去追踪这一段故事时，首先遇到的是一团后世解读的迷雾，而这团迷雾，所有有关梵高的讲述，只会离真相越来越远。

人心是一个加工厂，喜爱添油加醋，不喜爱原汁原味。

很多时候，在人们希望的答案和真相中，人们会毫不犹豫的选择希望中的那样，毕竟在没有死亡和失败痛苦威胁下，人们只需要他们想要的，不然，苏格拉底，耶稣都不会冤死。

而现在的新闻推送，信息推送，商品推介，都遵循这条暗昧的人性铁律。

很多时候，我们真不知道缺什么，或者到最后都不知道自己死在什么事上。

真相是害羞的，她永远躲在将及不及之处。

问题是，梵高的命运，会是你的命运吗？

我想起鲁迅笔下的“人血馒头”，专治怀才不遇，命运多舛。

梵高，大概就是这样一个地梵高，大众的“人血馒头”。

不知道为什么这部片子评价这么高，很多善意的朋友早在一年前就给我发来介绍。

我一开始就是质疑甚至反感的。

这是要做什么？

一股投机味扑面而来。

直到铺天盖地的宣传，什么上百位画家艺术家（大家好，电影里的画面不能算艺术家画的），花了多少年，某某获奖，啥啥制作团队……请大家明鉴，凡是在看完电影前的标签大多是耍流氓的行为。

为了吸金，也就体谅体谅不用中招。

但我不得不用专业的眼光看，这样的画面是残次的，故事是很难及格的。

电影的形式语言严重阻碍了内容的表达，兄弟，什么叫词穷，什么叫词不达意，你都做到了！

关于影片的结构和文本，不是我的专业，我就不多做赘述，我相信你的直觉也会觉得片子的逻辑和叙述是欠妥的。

毫不留情的说，这部片子只有苦劳。

（我亲眼看过朋友做油画动画，那真是苦啊！

）梵高的好在于他有那个独一无二的生命在，任何想要复制他风格和笔触，样式，甚至造型理论的，都将过犹不及，适得其反。

梵高的画是静态的，油画是静态的，那些笔触只有在静的时候才是“会动的”，一旦开动，旋转变化起来，这对我个人的审美来说是一场灾难。

花里胡哨，杂乱不堪，天花乱坠，完全失去了敬意，忽略了梵高画中的平整与安静的制衡，梵高看了估计会很尴尬的，甚至不同意这么乱来的，毫无抽象美感。

只有一些标签风格得堆积。

从专业语言分析，一看就知道这个导演是个油画门外汉。

整部片子的主要语言节选了梵高后期，也就是巴黎受浮世绘影响之后，把对立体的追求弱化，追求平面化的形式语言，简而言之就是2D化。

你甚至找不到光源和阴影，只剩下轮廓和颜色，只是颜色上不是平涂，使用了一些当时的光色色彩理论，特点是非固有色化，且运用补色使色彩和谐。

而电影中凡是借鉴原镜头的画面，都采用了梵高的原本语言，但只要是电影原创的镜头，尤其是拍摄转化成拙劣油画风格的那些黑白镜头，非常尴尬地把油画电影这个噱头弄得低级不堪。

很多故事情节被画面限制住，平面还是纵深？

这是一个很难调和的矛盾，导演竟然对此无感吗？

作为钟爱梵高的粉丝，我是不同意这么“消费”梵高的。

这不是“梵高”，梵高已经死了，躺在奥威尔的坟墓里。

这只是梵高的投影，在人心中偶像的功能放大和曲解罢了。

这是一场对梵高的消费，对还活着热闹着的“文森特梵高”这个大IP的消费。

梵高是怎么死的？

自杀？

他杀？

电影里说反正他死了，怎么死的不重要了。

言外之意，我不怀善意的说，重要的是你们怎么消费他，怎么有条理地误解他，怎么借着梵高为自己的命运留下第二滴眼泪。

这是对梵高的不尊重，说严重了是一种顾客就是上帝的心态，梵高只是给你进行精神按摩的服务员罢了。

按摩你的不得志，按摩你对死亡的暧昧态度，按摩贫穷与财富之间带来的张力。

梵高无疑是这个世界上最有名最贵的画家，除了毕加索，没有一个人像他那样有好几个自己的博物馆，除了达芬奇，没有像梵高这样驰名天下的。

所有出版商以拿到相关梵高的内容而欣喜，it must be the best seller!所有顶级博物馆都以收藏他的作品为荣，凡是有关他的周边产品都会成为best-selling。

我不知道如何去统计“梵高”这个穷光蛋，在他死后百年里创造的“生产总值”，我猜应该比苹果亚马逊还要惊人，而且经久不衰吧。

梵高幻化作一座偶像，像阿波罗主管太阳，雅典娜主管智慧与战争，维纳斯主管爱与欲望……仍然活在人们心中的“梵高”主管的“失意的人生”和“委屈的苦难”，“早亡的怜惜”。

而今生的不得意和命运的悲剧感，不正是大多数人的所共鸣的吗？

这种共鸣塑造了梵高的形象。

而梵高怎么看？

答案在风中飘动。

可能有人会觉得这样的论断是不中庸的，我也同意，我的本意也不是诋毁这部片子，只是想提供自己的并不全面的视角，给一个参考的角度。

总之，我宁愿去九十次梵高博物馆，在梵高的画面前看九十次，也不愿意再花九十分钟看这部肤浅致敬梵高的作品。

梵高怎么死的，从各种文章和资料中，就目前来看，他杀的可能性挺大的，即便是他杀，凶手和罪证也都消失在历史中了。

后人去追踪这一段故事时，首先遇到的是一团后世解读的迷雾，而这团迷雾，所有有关梵高的讲述，只会离真相越来越远。

人心是一个加工厂，喜爱添油加醋，不喜爱原汁原味。

很多时候，在人们希望的答案和真相中，人们会毫不犹豫的选择希望中的那样，毕竟在没有死亡和失败痛苦威胁下，人们只需要他们想要的，不然，苏格拉底，耶稣都不会冤死。

而现在的新闻推送，信息推送，商品推介，都遵循这条暗昧的人性铁律。

很多时候，我们真不知道缺什么，或者到最后都不知道自己死在什么事上。

真相是害羞的，她永远躲在将及不及之处。

问题是，梵高的命运，会是你的命运吗？

我想起鲁迅笔下的“人血馒头”，专治怀才不遇，命运多舛。

梵高，大概就是这样一个地球级的“人血馒头”吧，不幸的是，你我都可能是一只梵高尸体上狂欢的蜱虫。

独自看完Loving Vincent走出电影院耳机里单曲循环着往家走的路上看着夜空，那一刻都理解了。

本来是冲着唯美至极的视觉艺术去看的，我不是梵高迷，但我欣赏他。

梵高让我想到了欧石楠，它的花语是「孤独」，如果你看过「咆哮山庄」眺望过苏格兰开满欧石楠的荒野，也许才能亲身体会到欧石楠的寂寥，了解到真正的孤独。

梵高像极了欧石楠。

影片中最戳中我的一句话是文森特说she is no trouble, she is no trouble，彻头彻尾击垮我的内心，还有老船夫说，一只鸟来偷吃他的午餐，他都能开心半天。

文森特你该是有多孤单啊。

这一瞬间泪流满面。

所有人都在关注他的死，但有多少了解他的活。

看着电影里梵高的背影，真的很想走进去，轻轻拍拍他的肩膀，然后抱抱他。

也许医生他们都说谎了，也许他们都没有说谎自杀，他杀？

都已经不重要了。

片尾结束看见玛格丽特终身未嫁的字幕，眼泪哗就掉下来了。

"I want to touch people with my arts. I want them to say, 'he feels deeply, he feels tenderly."

"In the life of the painter,death may perheps not be the difficult thing.For myself,I declare I don't know anything about it.But, the sight of the stars always makes me dream.Why?I say to myself.Should these spots of light in the firmament be inaccessible to us?Maybe we can take death to go to a star.And to die peacefully of old age would be to go there on foot."——your loving vincent“在画家的生命中，死亡，或许不是最难面对的事。

于我而言，我对此一无所知。

然而，夜晚的星光常常令我做梦。

为什么？

我扪心自问。

难道夜空中的繁星，真的是遥不可及吗？

或许我们死后就会归于星辰。

而平静地离去，不过是踏上一条走向星空的路。

”——文森特·梵高生前籍籍无名，死后人尽知晓；生前潦倒贫困，死后身背盛名；生前成疯癫，世人多耻笑；死后人长叹，岁月何其凉；而生前死后都孤独，一人作画嗅花香，一人仰头向星空。

——致敬，文森特·梵高

梵高，只是一种滤镜吗？

现在应该没人不知道滤镜是什么吧，就算没用过ps，没用过美图秀秀，也该用过手机自带的修图功能，其中就有能把照片处理成廉价绘画的选项，确实要逊色于这部电影，但前段时间流行过一个号称能让画家失业的苹果app，说实话，显然能比这帮活人干得更好。

让我们来看一下制片方的宣传：“导演从全世界找来了15个国家的125位画家，接受为期3周的课程训练后，在接下来的3年多时间里，创作出1000多幅油画作品，然后又花1年时间，把静态画面转变为动态，来适应电影——这才有了这部每秒钟12幅油画，共有超过65000幅作品组成的世界首部油画电影。

”WTF？？？

普通观众很容易被这种说法唬住，但实际上，这部电影的制作方法是先用真人演员在摄影棚拍摄真人电影，然后以此为底本在每一帧画面上堆砌油画笔触，技术含量恐怕比大芬村的行画都不如，实在不适合被称为油画电影，因为虽然使用了油彩，却不能称之为“画”。

不要问我怎么知道的，我猜的，而且和事实相符，有基本美术素养的人一看即知。

我不想评论这种做法取巧，因为相反，这很笨拙和愚蠢，我不知道这125位画家具体是谁，但我想他们中的多数应该处于行业水准的末流，或者被这所谓的三周训练搞成了末流画家，多数时候画面都极不协调，充斥着未被覆盖未被简化的冗余信息，看上去就像打了折扣的真人电影，风格不统一，缺少耐看的细节。

偶尔会有那么半分钟，电影呈现出还行的画感，比如主角初遇加歇的女管家（如果忽略掉那一动不动的纸板背景），还有追火车的远景，等等。

也许是其中某几位，没有在往真人电影的每一帧上叠加油画笔触的愚蠢劳作中迷失，保持了几分画家的尊严。

在照片底本或者投影基础上画画，很容易让人变得不会画，僵硬，失去表现力，无所适从。

用这种方法制作2d动画电影，蠢毙了。

某些特别荒谬的处理，比如堆满了不规则笔触的人脸上，嘴里含着两排整齐的牙齿。

甚至很多地方，尤其黑白部分，仅仅就是模糊一点的真人电影，你管这个叫油画电影？

因为真人拍摄打底的缘故，人物的动态完全是真实的，但是，画风不同的2d动画电影，实际上角色的运动方式都是截然不同的，比如米老鼠、一休、疯狂美丽都和飞天小女警，所以梵高风格搭配真人般流畅的动态，实际是未经设计的，给人强烈的不协调感。

这真的是一部基于梵高画作的电影吗？

然而除了让原本深沉的原作动起来，像小丑一样可笑之外，基于画作的巧思少到可怜，剧情就不必说了，沉闷，无聊，低能到令人诧异，比我早就放低的预想更难看，更愚蠢，更无意义。

只有能大屏幕观赏某些原作的构成还算可取。

恕我直言，这15个国家，125个画家，3周课程训练，4年多制作时间，65000幅“作品”，基本是白瞎了。

这是一部中途让我产生多次离场冲动的电影，所以吐槽也不会太认真。

2015年是梵·高忌辰125周年。

波兰画家、导演Dorota Kobiela想要借此致敬这位天才画家。

他和奥斯卡获奖制片人hugh welchman一起在kickstarter上发起了一次众筹，获得了巨大的成功。

顺便插一句，kickstarter可以说是美国众筹网站的鼻祖了，很多项目都是在这个平台上筹资成功的。

《Loving Vincent》这部致敬梵高的动画电影是史上第一部全手绘油画长片，由曾经获得奥斯卡奖的波兰制作团队Breakthru Films打造。

工作室在全球招募油画家，入选者经过三周对梵高艺术风格的培训后，即加入团队开始创作。

这百余名油画家在波兰北部名城格但斯克的工作室中通力合作，创作出56800幅油画，再将这些画作制成电影。

整个创作过程基于PAWS系统，包括借助定格动画制作软件来辅助手绘。

完成绘制过程的画家们来自15个国家，其中很大一部分人来自波兰。

波兰的艺术教育系统非常成熟，据说学习艺术的人从很年幼就开始接受某一细分门类的艺术教育。

还有一部分画家来自乌克兰，其他的就来自各大洲的不同国家。

这些画家里面最年轻的是21岁，最年长的有63岁，他们中很多人基本都有艺术学位或从事艺术品修复工作，也有少数属于非科班出身。

本片还请来了多位演员，先由真人演员在绿幕上拍摄从而制成动画，再由画家们根据这些动画进行绘制。

过程相当复杂。

场记板 至于本片的情节，则是根据梵高留下的800多封信件来还原这位传奇画家的一生。

这800封信，大多是梵高给弟弟提奥寄出的。

提奥是他的弟弟，也是他的伙伴与知己，更是他在绘画上的坚定的资助者。

在两兄弟的书信往来中，被提及最多的话题就是“钱”。

现存于阿姆斯特丹梵高博物馆的书信手稿 提奥是一名小画商，并不是十分富裕。

梵高每次都带着愧疚和纠结给弟弟写信。

梵高给弟弟的信，经人总结，基本上是这种套路：先讲自己怎样花钱和节省，然后还不断地做出保证，决不会轻易糟蹋弟弟一分一毫的血汗钱。

如果迪奥寄给他的钱迟了，他就会喋喋不休诉说自己的窘境。

虽然穷途末路，但梵高依旧踌躇满志，他向弟弟承诺，尽管他暂时还没有成功，尽管眼下他的画还毫不值钱，但将来一定有一天，他的画可以卖到200法郎一幅。

当这一天到来的时候，当梵高画作的价格远远超出200法郎的时候，梵高和提奥已经看不见这一切了。

1890年7月27日，梵高在一片麦田中举枪自尽，两天后不治身亡，死在弟弟的怀里。

《麦田群鸦》（据说是梵高最后的作品，还有一说认为他最后一幅作品是《树根》）

树根 在梵高死前，写了两封信给弟弟，一封寄出，一封带在自己身上。

寄出的那一封和以往的信内容没什么区别。

然而，在他随身携带的、沾满了自己血迹的信上，他一反常态，竟没有再提到有关钱的事。

下面是这封信的一部分。

“我亲爱的兄弟：　谢谢你的信和一起寄来的50法郎。

　有很多事情想对你说，但是又觉得没有用处。

我希望你面对的是那些体面的绅士。

我自己经历过幸福和悲伤，因而你如何看待我对你家庭的影响，我想我并不在意。

不过我颇为赞同你所说：在位于四楼上的公寓里抚养孩子，对你和左是件可怕的事情。

最重要的事情正在往好的方向发展，为什么我还要对不太重要的事情浪费口舌呢？

据我看，在我们有机会对情况加以更恰当的讨论之前，可能还有很长的路要走。

别的画家无论他们怎么想，总是本能的与艺术品经营的实际事物保持距离。

是呀，真理在于，我们只能让我们的作品说话。

然而，我亲爱的兄弟，有一件事我经常对你讲起，我现在要再次对你说，这番话出自一个竭尽全力想要把事情尽可能做好的头脑，出自只有这样的头脑才能体现的真诚—我要在一次对你说：我会永远把你看做一个不同一般的画商，以我的工作为中介，你对一些作品的诞生出了力，而这些作品经得起风暴的考验。

这是我们不得不面对的事，这是我在一个相对的危急关头不得不向你说起的全部或至少主要的东西，在这样一个关头，在经营死去作品的画商和经营活着的艺术家作品的画商之间，事情正是十分紧张。

哦，我自己的作品，我冒着生命的危险画出我自己的作品，我的理智为此已经跨掉了一半——这不要紧，要紧的是，你不在我所说的画商之列，我想，你仍然可以坚持你的立场，带着仁慈的心去行动，但那又怎么样呢？

” 弟弟提奥在6个月后随他一生所崇拜的哥哥而去。

他们并排葬在了法国的奥维尔。

这是梵高37年生命中的最后一个驿站。

梵高生前只售出过《在亚尔的红葡萄园》这一幅油画作品。

他在死后11年才真正成名，蜚声世界。

这全靠弟弟提奥的妻子约翰娜·邦格的努力。

邦格完成了丈夫未竟的事业，她整理了梵高的全部画作和书信，并一生为梵高的名誉奔走。

在亚尔的红葡萄园 这部电影的每一帧，都是真实的油画，而每一幅油画，都是由画家根据梵高的120多幅原画来复刻并再创作。

梵高在世时曾说：“当我画一个男人，我就要画出他滔滔的一生。

”他生前默默无闻，却在死后获得了艺术界的无上殊荣。

如今，100多位画家带着全世界对他的爱戴，画出了他的一生。

本片的片头，包括演职人员表，都是以一块虚拟的油画布为载体而展现的，每一个制作人员的名字都被涂抹在画面上。

最终画面转变为梵高的《星空》。

镜头抬高，从黑色的火焰般的柏树上掠过。

《星空》是梵高在割下自己的耳朵后进入阿尔勒的精神病院期间创作。

在他的很多作品中，都有与《星空》中类似的暗色的柏树。

比如《柏树与星空》。

梵高曾经创作过不止一副关于柏树的画作。

其中的柏树永远保持着梦幻一般的曲度，绿色的火焰一般冲向天空。

故事的开始，是两个男人在发生肢体冲突。

这两个人物形象都取材于梵高的画作。

穿黄色外套的男主角形象是梵高生前好友，邮差约瑟夫鲁林的儿子阿尔芒鲁林。

而前来问询的军官、酒馆里的女子，也是根据梵高作品中的形象进行绘制的。

梵高为阿尔芒画像时，阿尔芒只有16岁，还是一名铁匠学徒，后来他去了突尼斯服役。

与男主角阿尔芒冲突的这一位军人的原型，是梵高的系列作品“轻步兵”。

而军官的原型则是梵高的朋友米勒中尉——一位朱阿夫兵营中的军官。

米勒中尉是一位警官的儿子，在梵高绘制他的画像时，他刚刚从印度归来，在法国南部养病。

米勒中尉在二战期间死在了巴黎。

男主角与警官在一间台球厅开展了对话。

而这间台球厅也是根据梵高1888年的作品《夜间室内咖啡座》绘制的。

这幅右下角有着梵高签名的画作描绘的是室内的咖啡馆的场景，处在画面中间位置的门帘半开半掩着，据推测门后面有很多独立的小房间。

五位顾客沿着墙坐在左右两侧，服务员站在灯光下面面对着观众，在他一侧房间中间部位一有张台球桌。

画面中的五位顾客被描述成喝醉酒在昏昏欲睡的流浪汉以及妓女和嫖客，有学者认为这是由于这间咖啡馆是穷困潦倒的人和妓女夜间出没的场所。

据说，这家咖啡馆位于Form广场，是梵高经常光顾的咖啡馆。

画完这幅作品的两个月之后，梵高搬进了黄房子。

接下来，影片中出现了梵高割下自己耳朵的场景。

关于梵高为什么割下自己的耳朵，史学界众说纷纭。

在两年前的2015年7月29日，一则爆炸性新闻轰动艺术界：考古学家在法国阿尔勒地区发现一只耳廓骨，这只耳廓骨极有可能就是梵高割下的左耳。

经过骨骼结构调查与初步分析后得知，这只左耳属于一位30至40岁的白人男性。

而当时的梵高正是在其35岁时割下了自己的左耳。

根据当地资料，该地区在过去150年中仅有4起与割下耳朵有关的案件，且这4只被割下的耳朵均已被找到。

因此，尽管还没有进行DNA配对检测，考古学家们仍然确认这只耳朵应属于这位后印象派画家梵高。

在被发现的耳廓骨附近，考古学家们找到了与梵高自画像中尺寸相符的烟斗，和一只梵高的画笔，烟斗中还塞满了梵高最喜爱的烟草。

1888年12月23日，在梵高经历了与高更持续不断地争吵后，他割下了自己的左耳。

然而当时具体的情况却始终不为大众所知。

也许从这最新的考古发现中，学者们能够挖掘出这段历史真相的蛛丝马迹。

梵高的后人们对于梵高左耳的发现表示欣慰。

在经过最后的检查之后，梵高的左耳将被送回奥维尔镇，与梵高的遗体合葬于一处。

片中割去耳朵的梵高在沙发上痛苦地呻吟。

好朋友约瑟夫鲁林赶来帮助。

梵高的房间应该是取材于“阿尔的卧室”系列。

这也是梵高为黄房子所绘制的唯一内景——不是画室，而是自己的卧室。

梵高这位邮差朋友约瑟夫鲁林多次出现在他的画作当中。

梵高与鲁林一家非常亲密，除了约瑟夫与阿尔芒，梵高还曾经为鲁林夫人与小儿子画像。

在这段剧情中，似乎可以隐约看出梵高与高更的争执。

梵高恳求高更留在“黄房子”里，然而高更不为所动。

该情节曾经在著名小说《月亮与六便士》当中出现，不同的是毛姆把梵高改为一位女性形象。

影片中出现了这座“黄房子”，它脱胎于梵高的原画作。

1888年5月梵高在阿尔勒租了一间旅馆居住，因为它的外壁涂成了黄色，故被称为"黄房子"。

梵高很早就向往"艺术家的乐园"，因此希望这个家能成为南法的"未来画室"，并且希望能够尽快地接高更来一起共同生活(高更于10月20日到达阿尔勒)。

梵高打算把阿尔勒的黄房子变成画家之家，这是他最具乌托邦特色的方案。

他详细地描述了他的"画家之家"。

在给提奥的信中他写道:"我想把它搞成一个真正的'画家之家'，它并不华贵，正相反，其中没有一样华贵之物。

""房子给我带来了安逸感，从现在起，我感到我正在为未来工作。

"他在此地居住直到1889年4月。

约瑟夫与阿尔芒在咖啡馆对坐长谈，最终决定去探寻梵高的死。

这幅《露天咖啡馆》与上面提到的室内咖啡馆绘制于1888年同一时期，梵高曾说，自己热爱画夜晚的场景。

在两人一番长谈之后，他们决定“寻找梵高”。

影片主题就此展开。

从影片的第13分钟起，梵高的画作一副接一副，缓缓浮现。

先是1887年的“阿尼埃尔之桥”。

这座桥位于塞纳河上。

梵高不吝自己对于塞纳河的热情，曾经无数次地描绘塞纳河的场景。

就连图中这座桥也曾经被梵高以不同的角度进行创作。

继而是“克里奇大道”、“风车小镇”、“蒙特马的小坡路”、“蒙特马街道上的铁轨”“在观景台俯瞰蒙特马”、“巴黎屋顶景观”。

其中，梵高和提奥同住的公寓就在克里齐大道附近，铃鼓咖啡屋也位于克里齐大道的62号。

在蒙马特，梵高创作了9幅关于风车的画作，“风车小镇”就是其中之一。

其中窄幅的是电影画面截图，为了直观对比贴上去的，并非原作。

不容易对比的几张我没有截图，大家可以去看电影中的动态图像，在第14分钟。

场景非常优美。

阿尔芒见到了唐吉老爹。

唐吉老爹是一位蒙马特画店老板，性格亲切温和。

塞尚、高更等人也时常出没于唐吉老爹的店中。

他曾经在梵高生前给予他帮助，是他的好友。

梵高曾经为他创作过多幅画像。

可以看到梵高的这幅画像四周出现了很多日本画的形象。

这是梵高对浮世绘作品的临摹。

在另一幅唐吉老爹的画像中，梵高也同样在画的背景上临摹了许多日本作品。

右上是广重的《名胜江户白景》，右下是英泉的《花魁图》，中央是北斋的《红富士》，左上是广重的《飞鸟山暮雪》，左中是丰国的《歌舞伎演员图》。

电影中选取的应该就是这一幅肖像。

阿尔芒在一次长谈后结束了行程。

他乘坐交通工具离开。

此时出现了梵高的“火车车厢”与“马车和远处的火车”。

美轮美奂，令人动容。

阿尔芒来到了寻找梵高的下一站。

在这里，更多梵高笔下的人物出现了。

弹钢琴的女孩，白衣女孩，还有小旅馆的少东家。

这位弹琴的女孩，叫做玛格丽特加歇。

她是加歇医生的女儿。

这幅画本来是三张竖长的画作连在一起，其余两幅是玛格丽特后侧影的草图。

有传闻说梵高对玛格丽特有暧昧的情愫，不知是真是假。

电影中，这位白衣女子是加歇家的管家。

其原型是梵高的“白衣女子”。

下面这位旅馆少东家，叫做艾德林拉武，在梵高作画时年仅12岁。

据说，梵高死后，小姑娘将自己的画像卖给一位路过的美国商人，得到了40法郎。

梵高还曾经为玛格丽特加歇创作过“花园中的玛格丽特”。

“瓦兹河畔游艇”、“瓦兹教堂”、“黄昏景观”，随着阿尔芒的足迹，梵高画中的景象纷纷苏醒。

“母牛”、“喝酒者”等画作，也在阿尔芒的这次旅途之中复活。

阿尔芒与姑娘们进行了谈话。

他感觉自己离梵高越来越近。

夜晚，他在梦中见到了梵高。

梵高对他远远地回过头来，表情迷茫而悲戚。

阿尔芒醒了。

他在梵高曾经无比接近的白房子里惊醒。

他去了麦田。

麦田，梵高生命中最惊心动魄的一站。

他在这里对着自己开了一枪。

这是被世界所牢记的一枪。

阿尔芒搬起椅子，坐在麦田中央。

他一遍一遍想象、模仿，梵高是怎么样倒在这片金黄色里。

椅子，又是椅子，这个让人难以忘怀的意向。

梵高曾经兴致勃勃地搬着椅子进入黄房子，最后却无奈地离开了那个地方。

他曾经满怀热情地创作了一幅“高更的椅子”，那把椅子又承担了多少纠结的情感？

梵高去世后多年，高更也公布了一幅自己创作的“梵高的椅子”。

可惜梵高无缘得见。

阿尔芒在许多人的语言里寻找梵高。

他遇见了劳作的老者，遇见了独眼警察，遇见了疯子与喝酒者，遇见了椅子上的医生。

他感觉自己越发接近梵高。

他回到了那片永恒的麦田，椅子已经翻倒在地。

阿尔芒朝着麦田扔出一截树枝，乌鸦猛地惊起，扑剌剌飞了一片。

就像梵高朝着自己开枪的那一瞬间。

阿尔芒最终见到了加歇医生。

加歇医生告诉了他剩下的故事。

这位加歇医生，不仅仅是一位精神病专家，还是一位业余画家。

他是印象主义运动的主要支持者，也是梵高最后的陪伴者。

梵高曾经评论加歇医生：“他病得比我还严重。

”

就这样，阿尔芒结束了这次旅程。

他坐上了回程的马车。

他经过寇迪威尔的茅屋，普罗旺斯的干草堆，梵高生前唯一售出的画中的葡萄园，劳作的播种男人。

他经过了梵高。

最终，阿尔芒与约瑟夫并坐在“罗纳河星夜”下。

梵高迷茫而悲戚的脸再一次浮现。

音乐声响起来。

全片结束。

本片不仅大量使用了梵高绘制的画作，还在其他画面中最大程度地运用梵高作品的风格。

比如在加歇医生住处附近，女孩剪下玫瑰花时，玫瑰的特写镜头，即是取自“玫瑰与甲壳虫”。

再比如，影片开始不久的第一段回忆杀里，梵高在一片田地里作画。

那片田地就是脱胎于梵高的“罂粟田”。

以上包括梵高的57幅完整画作。

关于这些画作的资料以及片中出现的其他画作，将会持续补充。

抛砖引玉，还请不吝赐教。

谢谢大家。

最后，如果有兴趣观看更多风格类似的作品：

首发于「MOViE木卫」 公众号：moviesss去年，大银幕看了皮亚拉的《梵高》。

那是一部记录梵高生命中最后67天的电影，拒绝配乐，也拒绝煽情。

梵高用一个自己认为舒服的侧躺姿势，悄无声息地死去。

年中，在影展看了一部纪录片，《中国梵高》。

讲深圳大芬村的山寨工作室，临摹梵高的画作，做出口贸易。

画室老板上了瘾，为膜拜梵高真迹，踏上了去荷兰的路程。

年底这部《至爱梵高》，在今年上海国际电影节就引发了抢票热潮，同时也入围了奥斯卡最佳动画长片的大名单。

逼格很高，门槛很高，但为了那个梵高，无论如何，都值得一看。

这是一部关于梵高，却不太看得到梵高的作品，同时也是一部对梵高作品进行再加工，再创作的影片。

围绕《至爱梵高》的科普介绍，已经有很多——几乎是对梵高一生、祖宗后代的回顾介绍，多到会让你下决心，跟《中国梵高》的老板那样，去进行一次追访梵高之家的壮游。

《至爱梵高》是个动画片，却不是中国观众熟悉的那种动画。

准确说，它是以油画形式出现的手绘。

在帧率上，不像常见的动画那么平整，圆滑。

有些地方很容易看到频闪，颜色（料）的融和，还有幻灯片切换的迷幻效果，人物与背景，犹如一体。

它的故事，尽管围绕梵高之死而展开，但并不具备强戏剧的疑云重重，险象环生。

它而更像身边人一次又一次次，世人无数次的缅怀与追忆梵高。

“他是我的朋友。

”“他是我喜爱的一个艺术家。

”《至爱梵高》是一个粉丝电影。

拼的却不是流量，而是流动的画作，从无人不识的《星空》，到最后一幅的《麦田群鸦》。

电影的主角并不是梵高，而是梵高生前好友，邮差约瑟夫的儿子阿尔芒（黄衣男子）。

这个人在历史考证中，除了作为模特出现在画作里，并没有与梵高的人生发生其他交集。

电影以他不了解，也不理解梵高开始，到最后认识了这个画家的内心（哪怕只是一部分），象征着完全陌生的世人，终于进入并领悟到了梵高的艺术之美。

善良与理解，大概是人类之所以为人类，人类文明还能照耀历史，不断向前，催促后来者展开探索永恒追求的信物。

回看自己的成长，从不知艺术为何物，不认识梵高是谁，到对世界怀有敬畏，对先于我们离开的艺术家保持尊敬。

那是一个连言语都是分裂的年代。

我们被教育着，把爱给祖国与集体。

后来慢慢发现是谎言和骗局，大网直到今天都没有扯破。

我们挥霍无度着，把爱给青春躁动荷尔蒙，又很快发现不过是同路人的扶与渡。

搞不好的，有人还绊你一脚。

面对梵高，爱是一种无助却温暖的力量。

触碰梵高的孤独，更是人类的存身映照。

那个时代的人，不懂也不欣赏他的画，回到今天，是我们很容易发自内心怀疑着，是否可以被周围人感知，理解和接纳。

而观看一幅画，与观看一部电影，本质上都是孤独的。

皮亚拉的电影里，梵高说最难画的是水，因为水是一直在流动的。

梵高的一生，像水流一样神奇，又像水流一样平静。

那不仅是生前只卖出一幅画的悄无声息，更是一则揭示生前无人识，死后天下知的醒世故事。

艺术不会孤独。

但艺术家，却很可能是永远孤独的那种。

毕竟啊， 这个世界从来就不像你那样美好。

去世的伊朗导演阿巴斯，留下了一部神奇遗作《24格》，他让画家老彼得·勃鲁盖尔的《雪中猎人》，在电影银幕上流动了起来。

阿巴斯解释说，他一直在想，艺术家旨在描述一个场景的真实能到什么程度呢。

画家只抓住真实的一个画面，没有之前的来路，更没有之后的去处。

在创作那幅画时，这个世界到底发生了什么？

他用《24格》，把自己看到《雪中猎人》时所想象的东西，全部放到了电影里面去。

显而易见的，《至爱梵高》也是一部让画作动起来的电影。

流动的形式，包括了尝试去还原画作所产生的时空环境和人物情绪（电影的每一帧都可以看做是梵高的画）。

更挑战的是，把这些画作打包、组合、剪接，投入到梵高的日常生命中。

如此庞大的工作量，但靠一个人的力量，是完成不了。

所以，《至爱梵高》又可以看做是一部饱含了后世人，全人类对梵高深深的爱的电影。

所以，即便你在电影院不小心睡着了，但在你醒来的那个瞬间。

你还是大可相信，有那么一段美丽时光，真切驻留在了梵高的人生里，他们以艺术的形象流传了下来，也在眼前的黑暗时空中闪闪发亮。

（PS.记得在电影院听片尾曲，看完字幕表）