雨果

这部电影在新加坡上映的比其他国家晚了三个月，所以昨天才去影院欣赏了它的3D版。

必须承认我被其精致的画面和色彩吸引了，无论开场如齿轮般的城市环岛，还是一上来那个在火车站内穿行的长镜头，都透着一种像孩子眼中玩具一样的美。

略微不适应的是穿行镜头前进速度快了点，恍惚中有种坐过山车的感觉。

情节的确是略显沉闷的，我觉得主要是因为不同于大家所习惯的“大片”套路，前面伏笔无数加上点笑料，后面大场面跌宕起伏出人意表。

这里更像一个安静而繁华的梦境，前面的铺垫在于帮你感受这个属于电影的世界，后面再把电影史的故事娓娓道来。

当女孩儿说“I love secret”的时候，梅里埃的夫人说“It is not the sadness child should take”，Hugo说“You should understand”的时候，我觉得这里的演技都足够足够好了。

另外想单独提一下的，其一是通往梅里埃(那个玩具店的老头)家里路上的那8个阴森森的雕像，前后出现大概三次，第一次看到时候色彩渲染的宛若目地的幽灵。

总以为后面会交代一句，比如是以前的电影道具什么的，然而却没有出现。

倒是小雨果自己的梦里好好的惊悚了一把，火车冲出站台的场景在预告片里看过后一直以为会出现在最终的追逐中，却没想到是在梦中梦里，而第二个梦，当小男孩看到自己变成齿轮和法条的胸膛，配合上当时的音乐，我俨然觉得自己穿越到了咒怨的世界，真不敢相信这还是“儿童片”的范畴。

其二是预告片里的蒙太奇运用真是各种误导，虽然似乎这种手法在各种预告片里屡见不鲜，还是让我有一种“错过了什么情节和画面”的感觉。

比如只看预告片，火车站管理员肯定是要撞进蛋糕里的，而小男孩是在慌乱逃窜中撞上的梅里埃的养女，而实际上都不是。

此为群嘲帖慎入。

纵观《雨果》的各路好评，和映前宣传稿并无二异。

如果不是枪稿，只能认为是“梅粉”们看看介绍，联系到自己已知的那位导演，景仰和陶醉一番便写出来了。

好评中完全没有讨论到影片的剧情结构、角色塑造、细节营造和拍摄技术，在我的眼中，这些都烂得一塌糊涂。

之前写了一篇技术差评http://movie.douban.com/review/5231101/被各位枪手喷得体无完肤，但是没有一个人是从电影本身来反驳的，全都是“您连梅里耶导演都不知道就敢来打一星？

”那我倒想反问，如果乔治梅里耶这个人物不存在于现实中，你们还能这么自high么？

你们几乎已经承认，这片的好评完全仰赖于角色的原型；你们也就不能否认，这片作为电影是一部失败的电影。

看电影，无知不是罪，我们都是抱着求知的态度走进电影院的。

在波士顿最大的影院的最中间坐下时，我只知道《雨果》是一部评价不错的电影，我的知识可以作为一张白纸，被任意书写。

本来，这部电影可以让我了解到梅导的伟大，事实上，它也通过展示梅导的影片片断，在某种程度上做到了。

但这是影片唯一成功的部分，我宁愿全片都是梅导作品的剪辑。

《雨果》作为一部原创电影是失败的。

对主人公（我以为是雨果）的塑造、剧情的结构、次要角色的设置、视觉效果的运用都是失败的，甚至可以说是不负责的。

如果不是朋友在身边，我一定会在电影的头5分钟就离开影院了，如果是那样，我根本坚持不到本片的“知识点”出现。

各位喊着向大导演致敬给好评的，我觉得颇有点皇帝的新衣的感觉。

衣服是回忆中的梅导的各部影片，但是《雨果》作为皇帝，是裸的。

看电影，无知不是罪，相比之下，炫耀知识才显得可笑。

举个反例。

就说IMDB第一名吧。

一部《肖申克的救赎》带领观众了解了监狱中的非人性生活。

这电影并非只有囚犯才能看得懂，而是通过杜方的挣扎，让观众逐步深刻理解到他面对的困境，和他付出的勇气。

这时候，世界上到底是否存在肖申克监狱，监狱内部的实况，已经完全不重要了。

这时候如果有个囚犯出来指指点点，说，真正的监狱才不是这样的，bla bla bla...你们太无知了，一群傻逼！

我看他才是傻逼。

文艺复兴之后教会对于科学技术的态度逐步转为积极支持(建立大学等)、基督精神中向外诉求的特质在科学研究中充分的发挥啦出来、科学规律被解释成为上帝创世时所设定的一组规则(道)、而科学可以逐步的认识这些规律、人本主义的因素得以加强并以科学主义的形式表达啦出来、来自耶路撒冷和来自雅典的2种传统在科学技术领域融合起来(正如他们曾经在神学领域中的融合那样)导演老啦之后看问题都是非常慈悲非常抽象非常普世非常温馨的～：在电影中我们看不到马克思巴尔扎克等老师所反映的资本主义社会体制和经济制度所带来的问题、看不到速度金属所表现的技术对于人性的压力和逼迫、看不到哥德尔老师所反映的机器主义的局限性、看不到侏罗纪公园和Moon所涉及的技术伦理问题、这些东东在小娃自身强大的科学研究热情和其所栖身的人文环境面前、几乎没有什么影响力(机器人最后被修好啦、车站保安最后也被感动啦)、相反：知识、图书、勤奋、探索、复杂结构这些好的东东几乎没有什么负面的因素、小女娃热情的帮助啦小男娃、图书馆为他们提供啦科研工作所需要的资料、人类社会在不断复杂化不断自动化的同时却又始终能够维持住其基本结构的合理性、机器就算再多再复杂人也完全可以hold住场面、人类社会是在不断进步充满希望的：老杨老师和joan baez老师最后都要唱Amazing Grace的在电影中、代表19世纪科学水平的蒸汽机、齿轮、火车等东东被拍的非常和谐非常有美感：社会被看作是一个大的机器、人的任务是不断的努力去fix这部机器的问题、不断抑制整个系统的熵增、新教伦理和科学主义完美的融合在啦一起、导演所给出的唯一警示是2个梦：第1个梦好象是机器主义失控后对于人类的伤害(之后的2战等)、第2个梦好象是机器主义对于人的异化(小娃身体内的齿轮)和机器对于人的压迫(小娃被齿轮包围)导演以前拍过很多摇滚题材的纪录片、男小娃看上去很酷很中性很柔美很漂亮(有点象jimmy page和keith moon小时候)～、小娃越穿破衣烂衫就越酷、毛衣和呢子外衣都非常有质感、说话英国腔也很好听、裤子象AC/DC、眼睛象kurt cobain。。。

、比看上去象1个笨娃的哈里波特好多啦、女小娃象别人伸长筷子夹红烧大鱼结果被她用大眼睛狠狠瞪啦的叶问老师老婆～、总之这个电影确实很好看、3D和2D版本我们都看啦1边、大家赶紧看吧、哈:):)

苏宛酒神被斩成碎片是对生命的承诺：他会由毁灭中再生与回归。

——尼采•《权力意志》印度小说《微物之神》发现，历史订立的律法规定了“谁该被爱，如何被爱，以及得到多少爱”。

敢于打破律法的人，比如这部小说中跨越种姓壁垒相爱的男女主角，比如电影《游戏规则》（1939年）中那位不知深浅卷入上流社会是非的飞行员，必然遭遇历史索债，付出沉重的代价。

现实中，这道律法是历史的暗流冲积而成的，不以人的意志为转移，换言之，是上帝制定的。

而在虚构的作品中，这位上帝就是作者。

电影的意识形态表达，依据的是爱与死的律法：谁能得到爱，谁得不到，谁可以活下去，谁必须死。

不过，在今年奥斯卡奖竞技场上《艺术家》与《雨果》的巅峰对决中，被这道律法裁决的不是人物，而是电影，是电影的昨天。

一个情书漫天飞的季节“情书”成了2012年奥斯卡季的高频词汇。

入围最佳影片的九部影片，用“致敬情书漫天飞”来概括也不为过。

厌倦了好莱坞标准生产的年轻编剧在《午夜巴黎》“穿越”到他倾慕的二十年代，与海明威和菲茨杰拉德推杯换盏一番，才明白人应当活在当下。

斯皮尔伯格的新作《战马》讲的是一战中一匹英国战马的欧陆之旅，完全摒弃了电脑特技，号称从摄影、人物设定到叙事，全线回归好莱坞黄金时代的古典风格。

传记片《我与梦露的一周》将玛丽莲•梦露远赴英国拍摄《游龙戏凤》（1957年）的一段经历，以片场打杂小人物回忆录，这种近乎野史秘闻的方式拍了出来，同时对20世纪50年代英国电影业的生态略有着墨。

将摄影机对准片场，对准影史故人的，还有在颁奖前一路领跑的《艺术家》和《雨果》。

大家都注意到，这两部影片的“身份”相映成趣：前者是法国影人用古拙的默片向好莱坞示好，后者是好莱坞影人用最先进的3d电影技术为20世纪初的法国电影先驱立传。

《雨中曲》（1952年）与《一个明星的诞生》（1954年）相加，就是《艺术家》的故事。

同样是表现影史上有声片崛起、默片衰落的风云突变，《艺术家》与处处展现声音魅力的歌舞片《雨中曲》背道而驰，用字卡、配乐和音效将抗拒有声片的大明星乔治•瓦伦丁留在了无声的世界里，直到片尾他在一部歌舞片中复出，才让观众听到了本片的第一句，也是最后一句台词：“我很乐意”。

默片的形式恰好与主人公的精神世界相契合，他自己有意愿进入有声时代，这部以默片视角自居的影片也开始“说话”了。

《雨果》的主线故事设定在1931年，但影片怀恋的也是默片，其中大部分还是一战前的早期电影。

有一天，我在地铁上听到两个人为《雨果》争论，一方说听说这是一部儿童奇幻历险片，另一方说，应该是表现法国电影导演梅里埃的传记片。

其实这两人都没说错。

寄身于巴黎火车站钟楼里的孤儿雨果，想方设法修好了父亲留下的自动机器人，而机器人画出的图画实际上是一部老片的绘图手稿，以此为线索，他与新结识的小姑娘伊莎贝拉一起揭开了伊莎贝拉教父乔治的身世——他就是被世人遗忘而大隐隐于市的电影大师乔治•梅里埃。

两个小伙伴的探险没有任何超越现实的地方，他们的奇幻旅程就是一次影史温故。

似是故人来《艺术家》开场银幕上放的戏中戏，人物造型应该是在模仿路易斯•菲拉德的《方托马斯》系列；瓦伦丁在家重温的旧作，典出道格拉斯•范朋克1920年版的《佐罗的标记》；片尾歌舞片的双人踢踏舞，能看到歌舞片《礼帽》（1934年）男女主角的影子。

在戏中戏重现默片经典之外，《艺术家》的主线叙事涉及的老片有十几部之多，这串长长的名单依稀可见《瘦子》（1934年）、《失去的周末》（1945年）、《魔鬼玩偶》（1936年）和同为默片的《贼》（1952年）等等。

包括上一节提到的两部在内，绝大多数都出自有声片时代，如此看来借鉴《最卑贱的人》（1924年）的叠画镜头倒是个例外了。

这堆典故中最抢眼的，出自《公民凯恩》（1941年）和《迷魂记》（1958年）。

奥逊•威尔斯青史留名的餐桌戏只用了几个镜头，就将凯恩夫妻在几年间从甜蜜到陌路的过程跳跃性地点了出来。

《艺术家》表现瓦伦丁的婚姻，几乎照搬了这一段镜头语言。

而《迷魂记》提供了影片高潮部分自杀戏的配乐。

这些横跨好莱坞几个时代、“捡到篮子里都是菜”的典故，让这封“写给默片的情书”变得有些字迹模糊。

而这封情书明面上最大的疑点还不是乱用典，而是选角。

虽说用人不避亲，但女主角一张瘦削的拉丁面孔，不仅不符合时人的审美习惯，在那个种族主义的藩篱仍然难以跨越的年代，即使成角儿，也只能局限于展现异国情调的刻板形象（stereotype）。

对默片稍有涉猎的观众，难免看到她就出戏。

在这一点上，《与梦露的一周》犯了更严重的错误，妮可•基德曼与伍尔芙只是神韵相仿，其演绎也能受到肯定，但伍尔芙是作家，迷人的是思想，梦露是银幕女神（icon），外形是安身立命之本，米歇尔•威廉姆斯一向善演苦大仇深的良家妇女，从容貌到气质都与梦露相去甚远，演技再精湛也回天乏力。

《雨果》同样富于戏中戏，主线叙事的老片典故也比比皆是。

不同的是，它回到过去搭乘的“时光机”不是过去的电影载体，而是最新的3D摄影技术，让观众仿佛置身于百年前梅里埃的摄影棚，亲眼目睹《婆罗门与蝴蝶》（1901年）、《月球旅行记》（1902年）和《仙女国》（1903年）的摄制。

《阿凡达》的导演詹姆斯•卡梅隆看后说：“这是我看过对3D运用最好的电影，包括我自己的作品在内。

”据说这不是一句恭维。

贯穿始终的两部老片，是卢米埃尔兄弟的代表作《火车进站》（1896年）和哈罗德•劳埃德主演的《最后安全》（1923年）。

前者不仅出现在两个孩子阅读的影史书上，后者也不仅是他们一起看过的一部电影。

海报上雨果如劳埃德一般挂在大钟表针上的场景，不是简单的“掉书袋”。

火车站的钟楼就是雨果的家。

凝视火车、钟楼与最后一个镜头中注视我们的机器人，才发现同样是电影工业的自我审视，《雨果》与《艺术家》几乎行驶在完全相反的轨道上。

奥斯卡叔叔不是今天才怀乡恋旧瓦伦丁压上全部身家推出的默片巨制，成了他的最后一搏，此时，瓦伦丁提携过的年轻女孩佩皮•米勒已经从片场龙套一跃成为有声片的新宠，两人的新片档期冲撞，瓦伦丁溃不成军，从此过上了《日落大道》（1950年）那样阴郁的隐居生活。

这个“前浪死在沙滩上”的故事，脱胎于《一个明星的诞生》，后者前后拍了三次，每次都是奥斯卡奖的座上宾，奥斯卡叔叔不是今天才怀乡恋旧的，不过在当下3D技术革命和世界经济危局的背景下，尤其容易顾影自怜罢了。

影人外表光鲜、收入丰厚，但本质上不是一个旱涝保收的行当，今天是一线，也难保日后不会坐冷板凳，电影是艺术，更是工业，每次技术大换血带来的行业洗牌更是血雨腥风。

这也是为什么好莱坞拍出来的商业片是保守的，但从业者以左派居多。

《艺术家》的大团圆结局，用《雨果》的一句台词才能解释：“只有在电影里才有快乐的结局”。

《艺术家》这封“情书”最可疑的，还不是选角，而是作者用爱与死的律法否定了默片——影片口口声声的致敬对象和最大卖点。

有声片的诞生敲响了默片的丧钟，这是历史。

但《艺术家》不仅将默片一举扫入废胶片堆里，甚至没有像《雨中曲》那样泼辣地点出默片的缺点、鲜明地为有声片鼓与呼，而是将这段公案视为一种不需要再讨论的“常识”。

默片作为电影的过去，在这里甚至没有资格坐上“谁该被爱，如何被爱”的审判席。

在《艺术家》的意识形态脉络里，卢米埃尔兄弟的火车在1896年的银幕上开过去了，就一去不返，成了历史的旧物，今人重新观看，只能像对《艺术家》里的明星小狗一样，拍拍它的头，称赞一声“挺可爱”。

而《雨果》想告诉我们的是，“萧达车站的那列火车仍旧不断地抵达，一个世纪之后……观众的恐惧体验依然存在，这就说明在电影中有什么是虽然过去了但依旧存在”。

那列火车冲进了雨果的梦中，同时借助3D技术带来的视觉革命，再次冲向一个多世纪后的观众。

梅里埃最初是个舞台魔术师，他的电影喜欢怪力乱神，这也是对电影本质的一个隐喻：电影总能给人类带来新的惊奇体验，电影这种艺术载体之于观众，本身就是一场奇幻之旅。

而那个自动机器人开始动笔写字带给两个小孩的惊奇，有如萧达车站的那列火车带给第一批电影观众的体验。

电影会蜕变，但不会死亡，它的本真借科学与进步之力永恒轮回。

————补：上周北京国际电影节在西单二刷了，票在一小时内卖光，五月底上映可以三刷。

reference：1.看马丁·斯科塞斯《雨果》之前必须了解的十部经典电影http://www.douban.com/note/186261832/2.奥斯卡2012：这次只关心电影自己http://www.douban.com/note/198693502/3.Wikipedia词条：Latinos in film、Hugo（film）4.[整理]《艺术家》中的致敬老片全解读http://www.douban.com/note/202299569/5.過去∕未過去：兩部電影的一個故事http://www.douban.com/note/203008673/

論機器何以不會那般簡單地通向異化之路——當它作為魔術裝置、電影媒體乃至（雖然沒有明確提及）人工智能化的信息+情感的貯存體時，機器就被反轉為充溢精神內涵及創造力的圣靈之物。

這也就是萊布尼茨所謂的神所預設最好的世界，猶若完美的機器——當有神論與無神論、創造力與機械論融合為一，不止沒有“異化”，還是夢話的首次顯性及自我延綿。

另，Hugo小萍友可視為受到梅裡愛的魔術性的舞臺+電影技術、包括無意識+神話的創造理論的一代法國電影的中堅人物的雛形。

在沒有電影這一媒介前，他們可能是街頭的流浪漢、工廠裡的工人、甚至常年有偷竊癖的傢伙，一群徹頭徹尾的無政府主義者（所以你知道戈達爾為何一度被赤化了），而這些人實質上，卻在電影中找到了靈魂的家園、及釋放過剩的青春活力的所在，因之，反倒為恢復及延續電影業作出了巨大的貢獻。

并通過後來豐盛的電影史證明，電影工業及機器，是如何成為屬靈之器的。

初听《雨果》的时候，我以为是在说那位大作家的传记电影。

看到封面的时候，我以为是类似于《黄金罗盘》这样的儿童爆米花剧。

但是看到导演的名字，震惊了。

马丁斯科塞斯。

老马也开始拍儿童片了？

但感觉也没那么简单。

当时北美上映了，豆瓣的评分是9.2。

这是什么概念？

肖申克救赎9.5的级别。

教父9.2。

相当于秒杀大量经典电影，论所更权威的IMDB。

评分8.2至少也能进前100了。

但是很快这部电影已经跌落到7.8的分数了。

看完电影才知道，整部电影有着魔幻的外壳，动画片式的3D特效，类似于《大都会》里的机器人。

一切都预示着这部电影要出现个终极大BOSS或者向着温情路线一直走下去。

可是老马偏偏不那么干，这样完美的糖衣炮弹下面包裹的是对于老电影的致敬之情。

造梦的电影大师曾经经历过最辉煌的时代，他拍摄了500多部的电影。

精心的拍摄每一帧的胶片，诠释了完美的梦境世界。

可是一战后人们不再做梦了，大家对他的电影嗤之以鼻，说他跟不上时代了，他封闭了自己的世界，伤心哭泣。

也许就和别人认为的那样，他死在了一战。

他对电影的热诚已经死在了一战。

再也无人问津了。

许多的艺术家们。

像伦勃朗，莫奈。

在他们的画风兴盛的时代，得到无以复加的荣耀。

而当时代抛弃他们的画作，去追求更“新式”“现代”的东西的时候，他们却依然保持着自己作画的热诚，活得穷困寂寥。

时代不应该忘记老艺术家们，更应该珍视他们的宝贵财富。

老马认识到了这一点，于是精心安排一个看似魔幻的故事，一个父母双亡的孤儿慢慢叩开了老电影大师的心门，当大师正在舞台上看到有这么多人没有忘记他的电影的时候他热泪盈眶。

也许这是给予艺术家最大的赞赏，是经过时间洗礼的难以忘怀。

任何艺术，只要凭借着物质介质，就会消亡。

电影里透露出许多的老电影技术，也说明了电影修复，彩色电影染色等方面。

我们应该看看老马究竟干了什么。

以下文字部分援引自2010年11月出版的《数码娱乐DVD导刊》（第159期）“电影基金会”专题“电影基金会”（http://www.film-foundation.org）由马丁·斯科西斯主办，自创办以来就一直致力于电影的保存与修复。

成立 19年来，已有超过550部濒临“死亡”的电影在他的帮助下起死回生。

不管是好莱坞大公司作品，还是独立电影，亦或是纪录片、默片，乃至先锋电影，只要是有价值的电影作品，不计类型，无论国别，无一不是电影基金会拯救的对象。

电影基金会的宣言“电影是这个时代送给我们的无价之宝，它记录着我们的生活，定义着我们的人生。

既给我们快乐，同时也激励着我们，启发着我们，让我们更了解自身，更了解这个世界。

电影所带来的价值是无法估价、难以衡量和不可替代的，它用交织的光影、色彩和音乐来诉说情感，比文字更生动，比声音更具体，比绘画更震撼。

我们离不开电影，我们不能没有电影！

但和绘画、书法、音乐、建筑等伟大的艺术一样，电影也难逃岁月的洗礼。

只有及时地修复、妥善地保存才能使这一奇迹一代代传承下去，否则电影也将像古代的绘画一样，日渐暗淡；如沧桑的建筑般，逐渐凋零，直到某一天完全灰飞烟灭。

残酷的事实告诉我们，1950年之前美国制作的电影已有半数非毁即损，而1929年前所制作的电影则更是有8成已彻底消失。

至于那些没能登记在册的纪录片、新闻短片、独立电影，损失恐怕就更严重了。

因此，我们是在同时间赛跑，是在一部一部，一个画面一个画面地从无情的时间手中拯救属于全人类的文化遗产。

我们将竭尽全力甄别、管理、资助电影修复及保存工作。

我们致力于电影艺术，过去，现在，直到将来。

”谁都没有比老马做这样的致敬更加合适。

也许老马就是那个小男孩雨果，他很好的帮助人类社会留下了大量宝贵的电影艺术财富。

而借由这部电影传达了为那些埋没在时代大流里的老电影人的缅怀。

前不久刚仙逝的希腊电影大师西奥·安哲罗普洛斯在戛纳60周年的纪念电影《每一人一部电影》里有那么一段。

女主角走进剧场，坐着一个落寞的男人。

她开始深情地说：今天早晨我醒来的时候你还在沉睡我听到你低沉的呼吸透过遮住你脸庞的头发我看到了你的双眼强烈的感情让我难以呼吸越过你的脸庞我看到的更加纯洁更加深刻这让我深思我看到了自己看到时间的河流里流淌着我们将共度的余生多年的时光在哪里还有那些未曾与你相识为了与你相识的日子那一刻我意识到我有那么多爱你感情是那么强烈让我热泪盈眶PS：感觉此影片还是硬伤很多，夺得奥斯卡最佳的可能性很小。

这片绝不仅仅是致敬那么简单。

你真觉得火车站保安的戏份是多余的吗？

看看他是怎么瘸的？

战争啊。

看看梅丽爱是因为什么停止了拍电影？

战争啊。

人们在战争中已经看过了太过的现实，经历过太多的伤痛，谁还会去看梅丽爱的那些美丽幻想呢？

那你以为这是讲战争的？

当然不是了，这是讲电影带给人们的快乐，这是讲老马对于电影的热爱。

现实的残酷与电影的快乐，这就是老马童年的写照。

斯科塞斯在这部电影中将他的现实藏了起来，将那份一直存在于他最心底的纯粹快乐搬上了荧幕，从这个角度说，关于“情感幼稚”的批评越多，他的这部电影就越好。

对于电影最原始的爱以及反过来电影带给人的最原始的快乐，这些东西才是老马想要说的。

正如roger ebert所说，“这不像他任何一部作品，却最接近他的内心。

”也许每一个现实的头脑下面都有一颗纯真到不能再纯真的心。

关于保安那条线我简要说下：保安那条线其实不只是点明“战争”，更是在讲战争带给他的心理（自卑，对于流浪儿的粗暴）和生理（瘸腿）创伤，保安的几段戏立马让这个人物饱满了起来，1.保安第一次想找卖花女说话，然后腿上的支架卡不住了，然后离去。

2.第二次找卖花女说话，谈到了战争，这一段萨莎·拜伦·科恩的表演非常棒，几个表情就把这个人物的内心表现了出来。

3.和小女孩谈到诗人christina，保安的自卑。

4.保安犹豫片刻带走雨果。

5.保安把雨果关到笼子后说的几句话。

这5段是我想到的塑造保安完整形象的几个段落，我觉得缺一不可。

只有保安这个形象丰满了，“战争”这个潜文本才能真正立了起来（当然梅丽爱的那一段也不可缺少），要不然就只是蜻蜓点水无关痛痒了。

这片其实上面这些东西都不是直接打动我的地方，真正直接让我流泪的地方是梅丽爱说“happy ending only happen in the movies”时,看到那一段我一下子就被打动了，这里面透着的纯粹以及那种对于美好的向往仿佛让我看到了老马最心底的东西，一种心灵上的乌托邦PS.当然这片也有一些缺点，不过绝对不能掩盖这部电影的好。

文章也没什么条理，大家将就看吧

：“如果你不清楚梦从哪里来，那么就看看周遭，这里就是梦工厂。

”马丁·斯科塞斯渐入古稀，然人虽老却童心未泯，这次老马玩起了非常规儿童题材。

在切入正题前，简单回顾下老马的影坛奋斗史尤为必要。

你好，乔治·梅里耶！

《雨果》，如果没记错的话，应该是老马第一次涉足温馨的儿童题材。

固然影片是以雨果为主角展开叙事，其故事的核心却不是讲述丧父雨果坚强面对生活并勇敢成长的儿童励志故事。

从人物表演来看，雨果的内心、性格立体感的刻画并不是影片所要表达的重点。

这部影片的特点就在于：通过雨果完成修复机器人的梦想来展开一位电影史上最伟大的人物——乔治·梅里耶。

乔治·梅里耶将表演、布景、情节代入到初生的电影艺术，也建立了第一个专业的电影工作室。

正如影片中乔治·梅里耶所说：“如果你不清楚梦从哪里来，那么就看看周遭，这里就是梦工厂”。

全片共有两条线索，第一，雨果修复机器人的顺序线索；第二，乔治·梅里耶的跌宕起伏人生被逐渐揭开的倒叙路线。

联系两条线索的关键便是机器人。

雨果通过机器人寻找到已经隐姓埋名多年的电影大师乔治·梅里耶，乔治·梅里耶通过机器人以及雨果的真诚逐渐向人们透露了自己从影的坎坷人生。

不知老马有意，还是无意？

片中的机器人是多么的面似奥斯卡金人。

乔治·梅里耶用这个机器人的零件改装成了摄像机，从而将电影带进艺术殿堂。

雨果的工作便是修复机器人、保护着机器人，直至机器人物归原主。

修复机器人的情节含义意指重新发现梅里耶；而机器人物归原主的情节则暗指梅里耶才是电影“梦”的发明者。

影片最后一个段落：乔治·梅里埃影像展在大剧院隆重上映，老马对大师的致敬达到高潮！

大师光芒重新闪耀！

孤独的雨果走向了乐观开朗，冷漠的警察收获了爱情、坎坷的乔治·梅里耶散发大师魅力，影片以皆大欢喜收尾。

或许，对于乐观浪漫的法国人来说，孤独、坎坷、冷漠是那几分忧郁所致，当犹如阳光的真情融化这几分莫须有的忧郁，一切便都浪漫起来！

如果说这是一部传记片，并不是为雨果立传，而是为乔治·梅里耶立传。

至于影片为什么选择这个角度，或许原因如下：如果以乔治·梅里耶为主观视点讲述大师故事，主观色彩未免较重一些，而从他者的视角出发，用烘托方式则更显其伟大。

由获奖儿童插画小说改编。

年近古稀的Martin Scorsese第一次拍3D片，获得了自己的第三座金球奖。

在儿童探险故事的外衣下，实为向电影先驱们致敬。

Georges Méliès，一个传奇的名字。

他当过魔术师，做过玩具匠，造过机器人，而最让世人记住的，是他在十九世纪末二十世纪初的电影起源时期拍了五百余部电影短片。

虽然现在仅存不到一半，但仍不乏经典，当年更是轰动一时。

他是名副其实的特效先驱和科幻大师，代表作《月球旅行记》讲述6个科学家登上月球大战土著的故事，被认为是科幻电影及停格动画的鼻祖。

不过，观众口味的改变及一战的爆发使得他那凡尔纳或西游记风格的电影逐渐失宠。

1913年，他一手创办的Star Film公司破产；十年后，他苦心经营的剧院被拆。

他一怒之下烧毁了自己的很多底片和道具，退隐江湖，在巴黎蒙帕纳斯车站（Montparnasse）里开了家玩具糖果铺。

晚年时，他才又被电影界重新记起，给他开了表彰大会，并由卢米埃兄弟亲自给他颁发了荣誉勋章。

他在生命的最后几年里一直致力于鼓励和帮助年轻的电影人，虽然生活依然贫困，也未能再拍电影。

他临终前对朋友说：“laugh for me, because I dream your dreams.”片中的Méliès基本符合以上史实，而作为片名的小男孩Hugo则是虚构的，有着《巴黎圣母院》和《雾都孤儿》的影子。

以一个神秘的机器人来引出玩具店老头背后的秘密，本是个不错的构思。

但问题是主线过于单薄，支线又嫌太散；人物性格过于简单，感情流于肤浅。

中间制造的一惊一乍感觉完全没有必要，突然蹦出的升华台词只能说雷人（比如“天生我材必有用”之类），巡警的爱情和两小孩的互动简直味同嚼蜡。

总之，苍白的剧情稀释了讨巧的主题，使本片看起来正像那个运转良好但缺少灵魂的机器人。

当然片中也不乏亮点，比如Hugo的双重梦境：第一层梦中的火车既致敬了卢米埃兄弟的《火车进站》，也重现了1895年蒙帕纳斯车站的火车出轨事件；第二层的变身则有些后现代的味道。

本片在第84届奥斯卡上获得了包括最佳电影和最佳导演的11项提名，为当届最多，但最终拿到的5个奖项全为技术奖。

影评界的赞誉未能换来票房的丰收，再加上1亿5千万的高额成本，导致到现在上映三个月了仍入不敷出。

经典童书《造梦的雨果》改编。

是我翻过一遍再没看过，但当时却很感动的作品。

原著书籍是全铅笔的素描画面，文字很少。

就目前改编的电影来看，也完全遵照了原著。

——所以你们其实是没有画分镜的吧！！！

作为一部改编电影来讲，《雨果》非常中规中矩。

画面还行，故事还行，表演也还行。

看到最后也如原著一般，确实感动到我。

其实它的意义更多的是在对电影先驱们的致敬吧。

有人看不懂，有人大捧，都能理解。

作为献礼片，它已经很到位了。

看不懂的，想必是因为站的角度不同，把它当作普通的美国影片来看。

至于有人问：为什么一部美国片是英国口音但是又在巴黎？

我想说：原著是美国人撰写绘画的，讲的一个发生在巴黎的故事。

估计导演觉得英国口音在现代大众意义上讲，更容易让人联想到一战那个年代吧。

原著在此http://book.douban.com/subject/3026354/