云霄之上

前几天在朋友圈看到有一部浙江电影获得了三项大奖，还有熟悉的名字，看预告片的时候反倒有些困惑，为什么能获这三个奖。

还搜了一些评论，各种都有，非常两极，本着没看过就没有发言权的原则，就去支持票房了。

虽然我的朋友圈有很多导演的学生和朋友，但是我觉得实话实说是对电影最大的尊重。

作为小成本电影，完成度蛮高的，还可以，但是剧作缺陷太大，表演不及格，作为拿了中国最主流电影节最大的三个奖项的话，我感觉不是制度的胜利，就是我们国家电影行业真的见底了。

这不是讽刺，而是真心觉得可悲。

1.光影我觉得挺喜欢的，蛮风格化，但是真的太广告了，特别是开场的长镜头，除了尸体，完全不像战场，火堆生怕不知道他们怎么点出来的，前后错落着放，可能导演觉得好看吧。

我感觉百分之九十的人会觉得真的太暗了，我是在电影院看的，网上有说在浙传放映的时候，导演说是浙传设备原因，我的感觉不是设备原因，因为我也看的很累。

这种影感确实是一种尝试，但也不新，邢健导演的《冬去冬又来》，姜文导演的《鬼子来了》，都有过类似的形式，更加水墨画质感的也有张艺谋导演的《影》，都不至于让我感受这般压抑……2.剧本糟糕，设定简单不是坏事，但是人物十分脸谱化，如果看那什么从小人物出发，人性化思考的评价，这纯属尬吹，应该是基本不看战争电影，任何一部及格线以上的战争题材电影，基本都有这个影片展现的所谓人性化。

所谓的小人物，并不是设定放在那就行了，而是需要落地，通过人设细节，台词，行动线等等展现出来。

编剧写的台词不是人话，没有人物，所有想要升华的内容都直给，不如《我的团长我的团》来的刻画的好。

影片用的是浙江方言，我小时候也在浙江山区长大，虽然语言不一样，但是其实很多方言习惯是互通的。

还有戏的设计极其尴尬，完全不会调度，在祠堂，突然有人来，全部在摆造型，毫无军人该有的反应，小孩更是不知道在干什么。

设定是一群饿疯了的人，等到有人送吃的来，居然没有一个人抢着吃，所谓的饿了多少天真的是一句台词而已。

所谓人物内心世界刻画，就是发呆，看信，看照片，除了擦枪就是抽烟……不知道有没有动作指导，如果有，真的得扣钱。

不过这么小的成本，有可能也是导演自己设计的了。

3.我最看不懂的是，为什么这部戏能产生六个影帝，曾经马思纯周冬雨影后双黄蛋让人诟病。

没想到一个主流电影节，开出了六个影帝，说真的，除了男一号入戏，其他的真的都不及横店的一些特约老师演的好。

用方言本意是好的，但是这重配的台词真的毫无情感，完全不入戏。

设定中一群东躲西藏的伤兵残兵，饿了几天只剩半条命了，躲在敌人附近的祠堂，说话中气十足。

断臂治疗的戏，除了看到伤员自己的哼唧，完全感受不到他的痛苦和战栗。

我很想知道这六个影帝诞生的时候底下那些前辈们是怎么想的，而这个也是我看了预告片的时候最大的疑问。

我是在电影院看完片尾的字幕才走的。

也是看完了字幕我才知道，这个片子必然会获奖，如果是新人奖，实至名归，但是拿了最重要的这三个大奖，我感到更多的是迷茫。

本来我也可以发个电影票以表支持就行了，但是我现在更加感觉不知道路在何方。

我们付诸一切去努力的结果，可能就是成为人家游戏里的一个陪练，如果是这样，是不是还要坚持下去。

新中国成立前的电影教育和制作全部集中于上海，包括南京，电影业者绝大部分来自华东。

新中国成立后全部转移至北京，随着北京电影学院创建，电影业者主要来自北方，这种局面维持至今。

中国美院领衔投资并主创本片，利于电影人才更广泛的培养吸纳，利于中国电影理论研究与实践实现多元发展。

电影的摄影和画面处理相对来说是较容易学习或借鉴的，所以很多影人把它们放在最前列。

用摄影和画面去引领人物塑造和故事冲突。

本片就是如此。

对于电影的诗意，还是不要提或者少提吧。

电影的诗意之美是广泛存在于所有电影中的。

反而任何一部形式主义电影都在电影的类型之中，只是电影的类型概念已经超过半个世纪没有更新过，亟待有一个再定义划分。

本片是战争惊悚片，甚至有政治惊悚的意义。

由艺术院校主导拍摄也是更具电影体制变革的象征意义，尝试探索对电影都是有益的，在中国尤其如此。

比普通暗调影像再暗一点，还是可以接受。

并非空留形式，而是象征1935年工农红军陷入至暗时刻。

红军的旗帜如此展示，是一种突破。

影片为表现红军战士在山野森林求生并战斗，几乎全部外景拍摄，难度较大。

人性与自然关系多为西方影人涉足。

在此，红军战士的人性也是人类的共性。

多处水下拍摄，时长超五分钟。

对绝处逢生的惊悚氛围塑造和叙事推进都起到巨大作用。

片中难得一处惊悚以外的革命浪漫主义场景。

彩色还原度相对也处于全片最高。

女性形象的塑造同工于1984年《一个和八个》。

舞台戏剧效果强烈。

周边全黑，战士隐于半明半暗中，还是表达红军的艰难处境，同时隐喻彼时红军内部的思想斗争。

中间的战士有着经典的纪念碑式构图。

最早出现在爱森斯坦的影片中，如《十月》。

启发于1984《一个和八个》的俯视构图，表现人被困于环境。

其实，本片的主旨以及人物线故事线和第五代导演开山作品《一个和八个》高度一致。

还是两侧黑暗中间人物稍明亮的镜头，红军战士有着摇滚青年的不羁神态，手中的火柴燃烧良久。

是否表达年轻的红军战士对光明的期许呢？

枪声清脆，树林狰狞，配乐是无旋律惊悚音效，标准的惊悚电影场景，杀机四伏。

最后，血雨腥风中的红军战士，极具象征意义。

1935年初遵义会议已经召开，确立了毛泽东在红军和中共中央的领导地位。

红军即将走出至暗力挽狂澜。

全片色彩介于黑白与彩色之间，也是象征红军乃至中国新民主主义革命处于又一个关键转折时期。

云霄之上，并非立于云端，实则立绝地而生。

是中国哲思。

《云霄之上》给国产战争片带来的新意，一如《智齿》对香港警匪片做出的创新。

两部电影都从美学角度赋予类型电影以新的艺术气象。

《智齿》将警匪争斗搬到贫民窟，脱离了香港电影最倚赖的都市景观。

类似的，《云霄之上》里国共对决发生在以丘陵为主的浙地茂密丛林，一反过往战争电影的平原地貌。

我们可以借用“贫穷艺术”的概念来阐述它们。

艺术之所以是“贫困”，最大的原因当然是资金受限。

将“贫困”当做优点阐释，无疑标示着一种反商业、反资本的观念。

电影同样如此，在有限的财力困局下，如何突破现实条件的制约给出完整的作品，同时在艺术性和思想性上仍然有所探讨，“贫穷”是一条有效途径。

《云霄之上》与《智齿》的“贫穷”美学，表现在两者不约而同地使用黑白影像。

黑白摄影最大程度上削减了彩色摄影可能带来的成本压力，同时作为一种美学表现手段，黑白影像以素朴的质感构建起另一重与日常生活迥异的现实，将观众拖入常规概念之外的历史-战场/都市-贫民窟，体验到生死间的边缘状态。

与宏大的历史叙事手段不同，《云霄之上》从个体角度出发呈现微观历史。

它所要讲述的事件极为简单——炸毁敌军武器库，在完成这一任务的过程中却发生了诸多波折，从而牵动不同人物的命运。

通过在个人利益与集体利益之间设置冲突，拓展了人物内心空间，将争斗放置在个体与自我、个体与他者之间。

将摄影机搬入丛林，让人物讲浙江各地方言……《云霄之上》的真实性落实在视听语言上，就像《智齿》里的打斗真正发生在污水烂泥里。

这可以看成是夸张的结果，但从观众体验的角度看，超出现实的过度里又都是真实。

《智齿》的暴力美学或《云霄之上》的诗意现实主义，正是从现实的规矩里逸出才能诞生。

不过，过度设定中国“诗性电影”（以《小城之春》为代表）或“诗意现实主义”，标示一种具有中国传统美学的影像风格，很可能过犹不及。

倘使选用彻底黑白的影像风格，《云霄之上》的现实感是否会更加强烈呢？

或者让我们面对另一个难题：残酷的战争能否用诗意的影像表达，这就涉及到影像伦理的话题了。

1. 如果要用对身体的规训来解释，那么好的，且不论芦苇荡的突进是否用来向不明的对话来完全消解了角色的主体的“在空间内”，这不代表着一种紧迫或者焦急的空间化后的情绪，而是视觉和声音来向捕捉的双重混乱。

当杂乱感与慌张体验通过荧幕应激反应式地直接通感（和神经的影像无关），那么跳戏，可能会是观众的直接反映。

2.那么好的，如果从所谓的氛围影像（气态电影）的推道出去，是溶解人的此在。

创作者似乎也有这么一种意图在里边，通过将人像镶嵌在极为繁杂的布景上，乱石摊、密林中树木的遮挡、破院正房中杂乱的布景，透明程度极低的近距离雾气, 以及并不怎么友善的黑色底色（black undertone），以及一些空间和影像之中建立出“分叉”（周老师原话），从有限度的运动和静态的体验中来切割了人像的被雕刻性（sculpted-ness）,极端地铺陈物象及其变化，又何谈人身体的规训呢？

不要说是氛围内化（internalize）人之中，应该具有最起码的信标物（可以使分配了合理框定施时间的任何一种“物”）——和某处声景变化的提示一样，是变化的开始，是展示主义-运动（exhibitionism-track/zoom）的开始。

3. 如果说山洞中最后是一种意犹未尽的，有泛泛的崇高，一种非真（unreal），黑度是否是最直接的修辞法？

一种隐瞒了所有社会主义凝视的，鉴定面容和必死决心，以及对于某种圣像狂热的，有限度的，容疑的崇高。

那么人像何为？

怎么解释被黑度覆盖的“身体规训”，要回到原色论中去吗？

4. 一点想法。

从片子被制作成天残脚的境况看来，重画面，听觉次之的规则似乎成了“国美”一系和部分“南方新浪潮”的通用规程（这点当然包含我的偏见）。

那么这是否意味“新浪潮中”一种总体风格的“东南轴心”正在形成中？

客观来说算不上什么真正的佳作，但是放在近年一众国产战争片里面却也算拔萃了。

大抵就是吃完了各种恶心做作的油腻“嘉肴”之后，喝一碗平庸的粗茶清清胃都是好的。

毕竟是美院的作品，导演又是北电摄影出身，摄影和美术上总还是不差。

看得出些《伊万的童年》、《侠女》等片的痕迹。

部分镜头截下来作画亦不为过。

奈何部分画面实在太暗，难免影响观感，斯坦尼康亦未免有点摆设。

舍弃了宏大叙事，而是聚焦于散兵游勇式的小人物上，也使全片更具飘逸之感，不如大部分战争片来得繁重而花哨，倒也贴合本片的所谓水墨质感。

可惜剧情上却又未免差强人意，叙事节奏混乱。

开头诗意中危机暗涌，结尾芦荡阻击惊悚，各具节奏。

然而中间的大段却在割裂的二种节奏中摇摆不定，宛若无骨，最后只落得“无聊”二字。

学院派的弊病亦存，炫技丢书袋痕迹未免重了些，《冬之歌》作片尾曲大抵是刘老师的某种情趣罢，实难苟同。

作为练手处女作，或是美院派电影的某种探索来看，本片仍为一个不错的开始，但不是高峰，也希望它以后不是。

主编温静导读：正在全国艺联专线热映的以弘扬浙西南革命精神的战争题材电影《云霄之上》引发观众广泛热议。

这部体现人性以及人与战争关系的诗性电影在大片云集的银幕可谓是“特立独行”的存在，全片浙江方言、水墨淡彩的影像、山水画的视觉质感带来浓郁的代入感、沉浸感、回味感深深触动着我们的内心深处。

来源：CMNC—主编温静文/朝明“原来战争片，也可以拍出文艺片的惊艳” “‘反套路’的主旋律电影” “这一次，没有炮火轰鸣、没有血流成河，却依然真切地触碰到了我”“听觉视觉的双重新鲜感，很不一样的一部战争片”......念念不忘，必有回响。

正在全国艺联专线热映的以弘扬浙西南革命精神的战争题材电影《云霄之上》引发观众广泛热议。

这部体现人性以及人与战争关系的诗性电影在大片云集的银幕可谓是“特立独行”的存在，全片浙江方言、水墨淡彩的影像、山水画的视觉质感带来浓郁的代入感、沉浸感、回味感深深触动着我们的内心深处。

浙西南是较早由党领导武装起义的地区之一，历经23年持续不断的革命斗争，在中国革命史上有着重要的地位，特别是浙西南人民用鲜血和生命铸就出的“忠诚使命、求是挺进、植根人民”的伟大浙西南革命精神，不仅诠释着党的初心使命，也是留给我们的宝贵精神财富。

由浙江影视集团、中国美术学院共同出品，中共丽水市委宣传部联合摄制，刘智海执导的《云霄之上》以1935年浙西南挺进师战略转移的真实历史事件为蓝本，以真实、细腻的笔触让镜头聚焦战场上的“无名之辈”，以“守正出奇”的叙事风格、诗意表达、美学呈现让伟大的浙西南革命精神传承于当下。

这部影片在第十一届北京国际电影节一举斩获“天坛奖”最佳影片、最佳男主角、最佳摄影三项重量级大奖，并入围上海国际电影节、加拿大多伦多国际电影节、日本京都国际电影节、丝绸之路国际电影节、长春电影节、澳大利亚金考拉国际华语电影节、日本冲绳国际电影节等国内外知名电影节展。

不同于其他同类作品，《云霄之上》将目光锁定在浙西南游击战中，在这个少有影视作品涉猎的领域，导演和演员们用很巧妙的方式将冲击力放大到了最大化。

这部影片也被专家学者誉为“国产诗性战争电影的初声，将赞颂孤勇和信念的故事，投置到浙南湿气缭绕的密林、高山、溪涧里，用水墨淡彩的影像去发酵，就使它凭生了多义性，是一部中国影坛没有出现过的战争片。

”

当前，新主流影视创作步入又一高峰期。

怎样表现重大历史事件，如何写好波澜壮阔的中国革命史，如何更真实地展现革命英雄主义，赢得广大观众特别是青年观众对革命历史题材作品的喜爱，的确是时代赋予中国电影人的使命。

带着对“无名英雄”的敬畏与情怀，《云霄之上》进行了勇敢且突破性的探索。

小战役不小 “真实还原”生动展现伟大的“浙西南革命精神”中国近代浴血奋战的革命历程是文艺创作的源头活水，史诗般的革命，呼唤史诗般的作品。

而对历史史实的真实把握直接决定了作品的完成度。

云霄之上，绽放光芒。

在璀璨的革命版图中，浙西南作出了独特而重要的贡献，因为革命者的顽强坚持，浙西南红旗始终不倒，并在极艰苦的条件下，浙西南游击队不负使命，不负嘱托，为策应中央红军长征作出了重大贡献。

守好红色根脉，赓续信仰之光，讲好浙西南革命精神的党的故事，《云霄之上》 主创团队通过深入挖掘考究浙江独具代表性的发生在浙江大地的重大革命事件为依托，取材自浙西南革命历史史实，通过一支被打散挺进师小分队在群众帮助下完成任务为大部队争取时间的故事，诠释着挺进师战士涌现的“忠诚使命、求是挺进、植根人民” 的“浙西南革命精神”。

影片中，我们看到，面对恶劣的自然环境和政治环境，肩负使命的挺进师战士们没有半点气馁，始终保持昂扬向上的精神状态，始终秉持勇猛前进的挺进姿态，顽强战斗在崇山峻岭之间，他们失去外部联系依旧独立斗争，硬是在敌人眼皮底下，打出一片属于自己的天地。

在笔者看来，《云霄之上》不是扁平的历史叙事，而是用一个个生动鲜活的人物支撑起的叙事，润物无声之中饱含铿锵之力，没有炸场特效、没有战争大场面镜头、没有剧烈的冲突，我们看到了山水间的涌动，几位青壮汉子，在孤悬一线的状态下，以小博大坚守阵地、坚持初心，以平凡的举动抒写信仰的力量，我们也感知到了真实所带来的震撼。

正如浙江影视集团制片人张凡凡在采访时所言：“那群在赴死还是求生中抉择的战士，平均年龄几乎不超过20岁，20岁做出不凡的人生选择，按照现代人的一些想法是不可思议的，所以影片所呈现的并不是说教，也没有刻意拔高，而是基于真实的历史人物做到的真实还原，因为真实的力量是非常大的。

”正视历史、坚持真实，既细心地重构往事，又做出了生动而富有史诗意味的创作实践。

值得一提的是，《云霄之上》对于历史的还原度较高，浙江故事在发生地取景，全篇南方方言，这种真实感带来的艺术张力让影片更具感染力。

在张凡凡看来，使用方言还是基于历史还原的考虑：“从主创到演员，从拍摄地再到故事发生地，再到语言，可以尽情地体现地地道道的独一无二的浙江特色。

”

平凡人不凡 以小见大，微观视角诠释信仰之路，彰显人文关怀革命历史题材影视剧首先是文艺作品，艺术价值和审美追求是题中应有之义。

一部《云霄之上》，48小时殊死对决，让人屏住呼吸，热血沸腾。

《云霄之上》遵循一般历史正剧创作的“大事不虚、小事不拘”原则，以现实主义精神与浪漫主义手法，既尊重革命历史、再现革命历史，也提升着艺术水准，将革命精神的精髓进行艺术转化，把生动鲜活的形象、感人至深的故事展现在公众视野。

张凡凡表示，《云霄之上》在希望和平的大主题之下，以普通战士的真性情为小切口，以微观的视角展现信念之路。

于是，我们在影片中看到，年轻的红军战士洪启辰接到军令，必须在48小时内炸毁敌人的弹药库。

这是一条赴死的军令，他开始在危机四伏的群山里集结战友，带领伤残的同泽和敌人殊死搏斗。

同时洪启辰还经历着战友们对于为何赴死的拷问和大家相继死去的困境。

一分一秒过去的时间里，有人因为信仰而选择坚持，也有人忠于使命而毅然牺牲。

精神内涵与精神向度的把握决定着创作的立意，而成熟的叙事艺术特别是叙事结构、戏剧冲突、人物关系、细节悬念等的精心把握则是实现立意的基础。

《云霄之上》在叙事艺术经验上颇见匠心。

不同于宏大的历史叙事，《云霄之上》从个体角度出发呈现历史，它所要讲述的事件极为简单——炸毁敌军武器库，在完成这一任务的过程中却发生了诸多波折，从而牵动不同人物的命运。

而48小时炸毁敌方弹药库的命令，不仅考验着战士们的作战能力，更考验着他们的人性抉择。

生与死的矛盾心理，信仰转变到铸成全过程，影片在战争之外给人带来深沉的思考。

此外，该片通过寻找、集结、闯关、完成使命等建构，细腻刻画人物的情感，体现挺进师内在的精神力量，显示出较高的思想旨趣，较好地把握了英雄的平凡与崇高、个人情感与革命情怀的相互关系。

“残酷的战争年代，信仰是一个军人内心的终极关怀，自我意志则是他们抵达信仰的路径。

”《云霄之上》导演刘智海表示，全片在诗意画境中筑就人性的生与死、残酷与坚忍，反思战争对于个体的影响以及对群体的意义。

可以说，以洪启辰为代表的挺进师战士，他们对国家前途、民族命运的忠贞选择，他们志存高远、胸怀天下，他们用青年人独有的方式探寻新希望，他们更是中国共产党苦难辉煌的群像写照。

《云霄之上》让我们既感受到强烈的思想震撼，也获得了雄浑悲壮的审美体验。

此外，该片更加注重细腻、委婉、深情、动人的情感渲染、人性剖析和对人物独特性格的揭示。

剧中那些随处可见的生动的细节捕捉，不但让观众能见史见人，更让人物有情有性，让历史叙事有厚度又有温度。

诗意性为质感 以文献式老胶片的视听营造开创新流派《云霄之上》的一大特色是，让故事情节与电影场景形成细腻的互动，创造出影片主题内涵在山水景致中的诗意表达。

特别是全片以文献式老胶片的视觉营造年代质感，突出山、水、人的诗性质感，全片在诗意画境中筑就人性的生与死、残酷与坚忍。

基于《云霄之上》塑造了在异常困难情况下保持信念完成任务的红军战士群像的故事情节，在电影制作方面，主创团队以低纯度色彩、自然光及现实主义的电影摄影方式，探索战争题材影片的长镜头运用以及镜头焦点介入影像叙事的视觉语言，而摄影机运动与演员表演的互动、明暗影调的控制，以及各种调度等，都让电影尽量接近真实的环境、真实的人物。

再比如拍摄时使用过度曝光山洞外景设定，来创造光明的氛围。

山洞的内景使用低照度，用明暗大反差形成并强化那种压抑的环境。

这些镜头将山洞里战士们的这种红色精神的忠诚使命感展现得非常到位，为演员逐步展现角色心灵深处的内容建立了强烈气氛。

《云霄之上》运用吴语方言的设计，使地域色彩强烈，塑造人物形象鲜明。

故事主人公的视点，从客观到主观，声音设计也随着剧情虚与实的交织，编织出新的声音色彩。

本片中用氛围音效音乐来代替传统配乐，在情感连接上用同一个旋律为主基调和变奏，用小号来演奏，渲染出悲壮的情绪，升华着故事的主题。

与此同时，全片的台词和特殊音效都很少，更多的是来自山林间的真实声音，虫鸣鸟叫、湍急水流、风吹叶响，各种真实自然的背景音适时响起，静谧而紧张，把影片整体的复杂情绪感传达得淋漓尽致。

当下，新主流电影怎样更好地适应观众的高标准要求，无论是视听观感，还是光影建构都是一个非常现实的考验。

《云霄之上》不仅开创了艺术电影新流派，战争影片新风格，更让我们通过浙西南挺进师的革命故事，触摸历史记忆，赓续红色基因，汲取奋进力量。

而对新主流文艺作品的创新诠释与表达，正是浙江影视集团近年来不断探索和实践的方向。

云霄之上，是什么？

是生死抉择、是信仰力量、更是当下的美好生活。

承载着这样重大而深刻的主题，《云霄之上》却做到了大视野与小落点兼顾，大格局与小片段兼容，通过朴实而细腻的群像勾勒，绘就了浙西南挺进师和那个时代的革命英雄用生命书写的绝美华章。

而洪启辰为代表的年轻战士在当时正处在二十岁风华正茂的年纪，他们感人至深的英雄事迹，动人心魄的信仰颂歌，本身就是对当下青年人感受信仰伟力的最好课本。

影片现在正在全国艺联专线上映，走进影院一起感受信仰的力量吧！

看完《我是古巴》之后，我一直很期待能看到一部属于中国的革命诗电影，《云霄之上》从放出预告片开始就一直被我赋予这种期待。

但现在从电影院出来，心里对这部电影的观感，却很难直白地说好或者是不好。

观影之前，我心里对这部电影的疑虑主要集中在两点：其一在于电影为了自身独特的视觉效果，采用了全程偏黑白的素色调，我很担心影片各种元素的辨识度。

实际上这一点也不是完全地无稽之谈，电影里我军和敌军的衣服颜色，就比较相近难以分辨。

只是电影有很强的镜头把控能力，可以从另一个方面弥补这点，如我上面提到的这个衣服问题，观众还是可以通过距离镜头的远近比较清晰地分辨敌我。

其二主要是担心学院派文青自嗨。

现在中国不是没有好导演好故事，就是太爱整些过于符号过于形式的内容，就要把观众往看不懂里整。

《云霄之上》不能说没有这种片段，但好在整体的主线明了简单，而且有文字和各种对白提示，基本还是看得明白每个人在干啥的，这点也没什么。

所以到最后，我担心的两点实际上都不算什么问题，真正的问题其实是在别处。

（以下内容涉及剧透）在电影的结尾，主角洪开枪击中了一名敌军士兵，可这一枪并没有让对方毙命，对方一边挣扎一边哀求「不要杀我我是自己人」，他举起枪瞄准对方，却迟迟开不了枪。

这时，一声巨大的爆炸响声，是带着炸药包去炸弹药库的同伴，随着这声巨响，天空下起了红色的大雨，洪抬起头，直到像鲜血一样的雨把自己完全染成红色。

啪，出现云霄之上四个大字，影片结束。

单看这段红色大雨可能没有什么，无非觉得是一种艺术化的处理。

不过结合前面这段与敌军对峙的情节，影片的立意就值得重新思量仔细推敲。

电影剧情里一个很重要的矛盾，就是队伍里一直在争论的，究竟是要「冒险执行军令」还是「保护小队队友的生命」。

先不谈这样的对立是否完全二元，至少这样的争辩对于人物来说可以说是有趣的，人物的转变也一向是电影的一大看点。

但当它同时伴随着队友的牺牲、与敌军的对峙时，它就不止想说「这是一场残酷战争」，还把「这一切难道是必要的吗」的厌战心态抛给了观众。

显然，《云霄之上》不是一部《我是古巴》似的革命电影，相反，它其实是一部《盲刺客》式「战争的双方都感到输了」的反战电影。

可这部电影的背景明明设置在 1935 年，那个不得不革命的 1935 年，不是为了瓜分利益而是伟大理想的 1935 年。

这场战争非常残酷，流了无数烈士的鲜血，正因为此，它才是那场「残酷却不得不经历，还必须要获胜的战争」。

认识到这点再来看结尾这场红色大雨，难道不会给人一种革命军是「踩着无辜人鲜血前进」的别扭感？

否则何必要让革命军把枪对准喊着「我是自己人」的敌人，再让革命军淋满鲜血？

或许是我个人对立意的期望与电影出现了偏差，或者是我的理解错误，导致结尾出来后我对电影的观感骤降。

但我可以十分肯定的一点是，《云霄之上》至少不会是一部革命电影，更不会是革命诗电影。

请千万不要抱着和我一样的期待去看，你不会看到你想要的。

第13届北京国际电影节开幕式红毯环节，给我们贡献了无数名场面。

比如张子枫c位烫脚，身为晚辈，一不小心误入拍照的黄金c位，看着一旁的章子怡和陈凯歌，她慌忙让位，很有喜感了。

紧接着，即将有电影上线的几位明星 搭配上线，周也和陈飞宇全程黑脸零交流，范丞丞坐车上，手持张婧仪的照片走红毯，也是幽默又新奇了。

每一年的北影节，都会给我们带来无数优秀的作品，在今年的最佳影片揭晓前，让我们看看第11届的最佳影片——内地电影《云霄之上》，一举斩获“天坛奖”的最佳影片、最佳男主角、最佳摄影三项大奖，成最大赢家。

然而，如此小众的电影，豆瓣评分仅6.2，三星评价为主。

专业评委给出的荣誉背后，为什么是市场水土不服的评分和票房？

是小众且晦涩？

还是不符合大众预期？

今天就让我们来讨论一下。

（1）天坛奖在业内，代表着什么样的水平“春天，来北京看世界最好的电影”，这是北京国际电影节向世界电影人发出的诚挚邀约。

每一年的电影节都有非常丰富的片单，分为亚洲连线，焦点影人，大师回顾，修复经典，环球视野，或者华纳兄弟，宝格丽光影等等，国内外的优秀作品云集，还有经典回顾。

从某种意义上说，这对爱好电影的人，绝对是一种福音。

比如说，第十三届北京国际电影节，特别邀请了张艺谋担任主竞赛单元“天坛奖”国际评奖委员会主席。

在“北京展映”单元，还精选了《一个和八个》《老井》《红高粱》《大红灯笼高高挂》《秋菊打官司》等五部经典的影视作品展映，老谋子的作品很多，能在大荧幕上重温，绝对是幸事。

若要论“北京国际电影节”的市场地位，真的需要好好说道一番。

先说“天坛奖”。

北京的“天坛奖”和台湾地区的“金马奖”、香港行政区的“金像奖”、“金鸡奖”相比，虽然含金量不在一个档次，但是和“百花奖”、“华表奖”相比，还是有异曲同工之妙的。

历来参加电影节评选的影片，多是国内、外不甚“出名”，但实际在业内是非常有才华的小众导演，能够借助这个平台，让更多地电影被大家看到。

而北京国际电影节和上海国际电影节相比，还是有许多类似之处，每年的红毯环节，都是男女明星们争奇斗艳，宣传自己作品的好时机。

因为评价标准不受市场评价影响，再加上评委都是业内资深导演或者专家，所以对获奖的作品和导演而言，多少有点鼓励的味道。

毕竟艺术是有壁的，大众审美和专业审美，还是有差别的。

（2）低成本+非专业导演，却拍出一部质量上乘的作品《云霄之上》讲述了一个刚经历战场失利的红军战士洪启辰，接到上级命令，要在四十八小时内炸毁白匪弹药库。

明知这是一场有去无回的必死任务，洪启辰还是召集散落的伤兵，毅然踏上了这条赴死之路，成功炸毁弹药库的故事。

导演刘智海，主演是陈伟鑫，吴嘉辉等人，都是业内不知名人士，甚至几位主演在电影里连名字都没有。

除此之外，根据导演的说法，影片的拍摄成本仅为300万元，低得让人惊讶！

这不禁让人想起2006年，也有一部非常火的小制作电影《疯狂的石头》，新生代导演宁浩，它的投资也是三百万。

与之不同的是，《云霄之上》除去基本的道具、交通吃喝等费用外，所有的演员都是零片酬的，因为他们都是导演的学生、同事和朋友。

他们用自己的实际行动，来支持这部影片的拍摄。

于是乎，这样一部剧情并不出彩，甚至有点老套的电影，却出了奇迹。

许是经费有限的问题，电影并没有在影视基地拍摄，又担心场景重复太多，便在那个盛产龙泉宝剑的龙泉市的大山里，实地取景拍摄的。

龙泉风景秀丽，森林与大山众多。

这个地方与江西、福建接壤，不仅地域偏僻、人迹罕至，而且有成片的原始森林。

用原生态的一草一木，例如天然石洞、大雾弥漫等，来讲述一段八十多年前的故事，很有说服力。

因为是实景、实地拍摄，条件也非常艰苦，所以演员遇见蛇虫、中暑等意外情况是非常常见的事情，但也非常适合还原1935年红军进行游击战的真实场景。

即便如此省吃俭用，到最后剧组还是真的没有钱了，以至于服装道具都是缝缝补补，用了很多次，甚至连木板也是重复利用的。

正是这种无钱的窘态与恶劣的环境，恰好营造出80多年前真实的历史原态，给观众极强的历史代入感。

当然，因为经费问题，也造成剧情的连贯和后期的剧本打磨方面，存在很多瑕疵，不得不说是一个遗憾。

用很少的钱就能拍出这样一部电影，这个导演肯定不简单。

毕竟如今的影视圈，几乎是演而优则导。

半路出家的导演，表现甚至比专业导演还能适应市场，54亿票房的《你好，李焕英》、56亿票房的《战狼2》就是一个非常典型的例子。

刘导演目前的身份是中国美术学院影视与动画艺术学院的副院长，他发表过很多论文，有很强的影视理论、摄影知识等专业基础。

这部电影就是他的处女作，先前他只是拍过几部广告与实验片。

然而，他还是小小的成功了。

（3）黑、白、灰叙事长镜头，重新演绎战争美学

从开篇慢慢后拉的长镜头就知道，这是不同于以往的传统战争片。

相对于整部影片简单的剧情，影片的优点特别明显，黑白摄影+长镜头等美学的造诣，以及环境音效做的都特别好。

影片中，除了自始至终看不到脸的一个个战士，环境和声音，更像是这部影片的主角。

整部影片从一个战争的切口入手，在泼洒的山水墨画卷中，展开战争中的小故事。

可以说，前面的1/3，更像是一部惊悚片，尤其是水下的唯美镜头，再配合惊悚的配乐，通过第一视角，拨开一具具漂浮在河中尸体的时候，着实吓了我一跳。

因为场景为原始大山，这样的环境很容易给人带来一种非常压抑的窒息感，这在影片刚开始就出现了。

同时，影片的色彩基本是采用黑、白、灰三色来定调的，更加突出场景的萧瑟与阴霾，预示着这个故事的结局绝非喜剧。

实际上，若在南方的阴雨天看大山，所有的色彩就是那种介于彩色与黑白之间的颜色，天空是灰色的、山石是灰色的、大树是灰色的、道路也是灰色的……事实也的确如此，洪启辰一行人用他们的牺牲来完成任务。

受客观条件与经费所限，整部电影的拍摄没有运用固定机位，所有片段几乎都是用手持的摄像机长镜头来完成的。

长镜头并不是我们想象中相机的镜头长短，它是一种拍摄手法，就是指，从开机到关机，拍摄一个片段的长短。

这种手法具有很强的纪实性，通常多用来表达导演的特定构想和审美情趣。

这也是导演拍摄这部影片的初衷，一切忠于真实，而且这片原始土地，在当年也是真实发生过战争的。

之前上映的一部电影叫《1917》，运用的就是长镜头的拍摄手法，一镜到底，效果也不错。

通过这种独特的摄影方式，把残酷的战争处理得很诗意，在极端环境之下，对人性的抉择以及信仰的考验，塑造一首悲壮的英雄史诗。

战争是一个很沉重的话题，尤其是战争电影，里面不可避免的出现暴力、流血、死亡、爆炸等超出正常人认知的不友好东西，给观众带来一定的精神压力。

如何淡化这部分剧情，又能恰如其分体现战争的残酷，且还能被观众接受，这就给导演提出一个新的难题。

所以，就有了战争美学一说。

国内不乏拍摄此类的导演，例如冯小刚的《芳华》，把战争的残酷剧情用六分钟表示，适可而止就行了。

《云霄之上》的黑白场景和长镜头运用，很好的解释，何为战争美学。

这既反映出当年的真实战争场景，又让观众追随角色镜头，不断体验环境的残酷，将剧情层层递进下去。

这有点与《辛德勒名单》相似，小姑娘的红色衣服与一群着黑白灰的军队颜色格格不入，既反映出战争的残酷，也预示小姑娘以后的命运。

于无声之处听惊雷，或许就是这个意思。

影片的结尾天降血雨，带来超现实主义的感官体验，这与张艺谋的成名作《红高粱》结尾处有相似之处。

结语总而言之，这部电影值得一看，但是票房就不要估算的太多。

毕竟黑白影片不符合现在的观影潮流，这只是导演的一种拍摄尝试，并不能吸引更多观众的青睐。

《云霄之上》注定是小范围专业人士的狂欢，不要用市场的眼光过度评价。

一在观影前，我曾以为这部影片或许会类似《这里的黎明静悄悄》、《土地与自由》一类影片。

但是事实上完全不是。

影片在文本上的呈现更类型一些，更像是中国版的《1917》。

主创也叙述道，“影片本身就一个主旋律任务”。

或许正源于此，我感受到在剧作上，编剧或许在有意无意地减轻一些革命叙事的成分。

这是一部不同于以往革命战争题材的影片。

（也许应该去除掉革命二字称之为战争片更恰当）抛开当下许多令人不适的、符号化革命、呈现假大空叙事的所谓革命题材影片而言，以往的革命影片几乎都呈现出一个主题就是为何革命。

不过云霄之上几乎避开了这一点。

这是一个后革命时代思维下会呈现出的作品。

影片没有呈现出主角为何革命。

他没有展现类似于被压迫抑或是被剥夺了生存生活的权力这样的原因。

相反影片模糊了原因，影片的展开就不是关于压迫反抗的。

我不愿称其为革命题材作品，我更愿意称之为战争题材作品。

影片的展开是源于一场战争任务。

主角并不是因为遭受到压迫而必须去进行反抗，而是因为战争的不可避免，必须完成这次任务。

这其实使得人物的动机上少了一层可以拔高的高光点，也就是革命本身被模糊化了。

因为以往的革命题材几乎都伴随着“必须反抗”。

这“必须反抗”背后的内在逻辑就是关于基本生存和生活权力的。

影片无疑在有意或无意中消磨了这一点。

所以说，影片的主题不在革命，而在探寻生与死的意义。

也许这会是一个好方法，在当下体制内的一种新的创作方式。

它不同于上世纪苏联人对革命题材的表达。

他们在探寻革命最本真的动机和革命最崇高的理想。

不过这背后的文化逻辑或许就是，在当下一个世界范围内革命极速退去的时代下，我们很多人自己已经看轻了“革命”二字，并恐惧符号化了的“革命”二字所带来的力量。

二云霄之上不断提及的诗意在影片中确实一直在反复呈现。

可以看到主创在非常尽力地呈现这一点。

或许是由于北京国际电影评委会评语的误导，原本我认为这部电影会是一部充分运用东方美学的影片。

但实际上看完全片，就我个人认为这部影片的美学风格更加西化。

提起东方化的诗意影片就不得不提及侯孝贤。

《海上花》《悲情城市》《刺客聂隐娘》等影片在不断地呈现一种东方式的美学。

我们在观看这些作品的时候不难体会到这种美学表达不仅仅体现于外在的影像风格。

《悲情城市》和《海上花》两部影片，其在文本上就呈现出一种东方化的诗化倾向。

其文本结构与中国的诗歌形式暗合，整个影片的叙事节奏、剪辑节奏、影像运动都在仿照中国古典诗词的韵律节奏和抒情化表达。

并且在《刺客聂隐娘》和台湾更早的武侠片大师胡金铨的《侠女》、《山中传奇》中，电影的影像在一定程度上反叛了自电影诞生以来西方绘画、摄影对电影影像和美学的影响。

胡金铨在探索如何从中国传统绘画中汲取营养。

最后他确实做到了，胡金铨解构了中国古典绘画的观看方式、呈现方式、空间建构、叙事建构。

并将这些东西借用到了电影中。

胡金铨在《山中传奇》中的许多运镜和调度几乎和中国古典绘画的特征相吻合。

它并非只是流于表面用宽幅摄影和水墨质感的画面以及优美的风景去拙劣地模仿中国绘画。

胡金铨真正地从中国绘画（包括传统戏剧，在此未提及）汲取到了营养，因而他内心有一套自己的影像理论。

而《云霄之上》的美学和诗意在我看来更贴近于《1917》《细细的红线》一类欧美战争影片。

或许这与文本本身有分不开的关系。

我并不知道导演是如何理解文本的。

但这部影片的文本本身就比较稳重，偏向于传统式的叙事模式。

也因为如此，影片呈现出一种形式本身和叙事的不合。

在主创叙述中我能够感受到一些他们的美学追求。

他们没有提及具体的美学风格，但我能感受到其中有关于意大利新现实主义和法国电影新浪潮的美学倾向。

譬如追求演员的真实化表演、抹除他们的表演痕迹，并依据环境决定影像。

但意大利新现实主义风格在呈现这样一个偏类型化叙事的时候就呈现出了一个弊端。

新现实主义影片往往会消解人物的动作，因此人物的目的有时显得并不明确。

所以观众会看到新现实主义往往呈现出一种人物的不确定性，即人物常常在空间中看似无目的闲逛或周游。

然而本片的文本本身叙事张力极强，一个“最后一分钟营救”的故事往往意味着强叙事。

尤其本片还面临着一个重要的叙事目的要达成——人物的心理转变。

因为人物心理是如何转变的，影片的主题最终就会如何落脚。

尤其是前文提及了，影片本身磨去了许多有关革命理想的东西，革命目的不明确，那么故事最后主角的思考和转变就尤为重要。

但是新现实主义化的表达使得主角许多时候的目的和想法呈现在影像上并不具体。

影片中他们一直是在被动地逃离，被动地做出动作。

这直接导致了观众无法深入地去理解故事的主角和主题，人物的转变也显得不明确。

这是影片的风格形式和叙事方式不合的一个体现。

或许干脆将影片中那些意象的和意识的成分放大，使之成为一个《伊万的童年》式的影片会更好。

不过不论如何言说，《云霄之上》本身为电影创作者带来了一种新视野。

既然无法像前苏联一样满含热情去把革命落到小人物上来叙事，那么就另辟蹊径，在主旋律叙事的困室中去追求艺术之美，摸索独有的美学风格。

同时饱含人道主义眼光去凝视革命这种大时代的不可抗力之下的小人物，这本身对于中国当代战争片就是一次突破。

革命并非天生要革谁的命，毕竟双方的战士在战士身份之下都是一个活生生的人。

如果抛开革命但就战争片来说，这种人道主义式的呈现是很可贵的，中国的战争片需要一些人道主义视野。

因此不论褒贬，本片提供了一种新的创作思路，这是值得赞扬的。

不过更有趣的也许是本片的存在本身就已经体现了当下中国创作者在不可抗的大时代下一些不便言说的态度。

自从2020年疫情以来，实体电影院经营困难，院线电影面临着拍摄数量大幅减少、档期屡屡调整、票房缩水等实际问题，不少从业人员都在呼吁救市的重要性。

然而，也有不少人有着不同的看法。

近年来受短视频的冲击，观众已经越来越没有耐性集中1-2个小时的注意力去观赏一部电影，他们更喜欢那种精彩镜头的剪辑，或者几分钟看完一部电影的短视频。

于是，《指环王》在多年后的重映居然收获了一大波年轻人的差评，理由是“三个小时居然还没有讲完一个故事”、“铺垫太多，不够精彩刺激，反转太少”，要是短视频里的短剧，五分钟的时间里就已经放入了不下两个反转了，且全程都是强刺激的镜头和台词。

所以，不少人在唱衰影视行业，认为在这个全民皆可博主的时代，只要一部手机，每个人都能拍摄出精彩的故事，完全不逊于专业人士。

但我在看完《云霄之上》之后，再一次坚定了一个观点：电影的存在是无可取代的，《云霄之上》完全体现出了电影这种顶级视听语言的魅力，是追求短、平、快的短视频，永远也无法企及的。

获得2021年北京国际电影节“天坛奖”最佳影片、最佳男主角（集体）、最佳摄影三项大奖的《云霄之上》，是我看过的气质最为独特的战争片。

这部影片有一个重要的价值，就是展示了电影的主题性与艺术性是不矛盾的。

故事取材于红军“挺进师”的真实历史，讲述了1935年，年轻的红军战士洪启辰从死人堆里爬出来之后接到军令，必须在48小时内炸毁敌人的弹药库，以挽救300多名战友的生命。

这是一条赴死的军令，他开始在危机四伏的群山里集结战友，带领伤残的同泽和敌人进行着艰苦的游击战争。

同时洪启辰还经历着战友们对于为何赴死的拷问，和大家相继死去的困境。

时间一分一秒过去，任务似乎越来越不可能完成。

有人因为信仰而选择坚持，有人忠于使命而毅然牺牲。

故事并不复杂，近年来也不乏战争题材的电影同样不再聚焦于大的战役或是出名的英雄事迹，而是将视角对准战争中的普通士兵，体现人性在战争中是如何被摧残和锤炼的，《云霄之上》的特别之处在于，它跳出了以往主旋律战争片的叙事方式和视听语言，做出了崭新的尝试，成就了一部令人耳目一新的作品。

从叙事方式来说，影片从始至终都在避免将英雄“神化”的举动，而始终在展现他们普通人的一面，他们并不是生来就对信仰坚定不移，他们也有家人，也有牵挂的人，也想过放弃。

有人想着回家收麦子，有人也接到了炸毁弹药库的命令却不想执行，有人当兵不过是为了给阿姐赚嫁妆，他们一开始都没有准备为了当兵这份“差事”献出自己的生命，但当看到田园被毁、战友一个又一个地牺牲在自己眼前的时候，他们终于切身体会到了“信仰”这个词的力量。

“为了让人们都有选择的权利，这就是我们的信仰。

”而他们，看似没有选择，实则是在选择为这样的信仰而战。

从高大全的英雄主义叙事风格向人性化的风格的转变，也更能让身为普通人的观众共情，它让我们相信，我们每个人，都能成为捍卫信仰的英雄。

更让我惊艳的，是影片的视觉表达，每一帧画面都美得像一幅画，一幅充满了中国诗意之美的水墨画卷，让人根本想象不到本片的成本仅仅300万，而且全部都采用了实景拍摄。

作为一部弘扬和传承浙西南革命精神的电影，影片在浙江丽水市龙泉取景，这里也是当年红军的作战地。

这里人迹罕至，现在依然保持着原始森林的地貌，有一个几十公里长的山峡水库，很适合长镜头拍摄。

而电影里四处流窜的青蛇和成群的飞蛾，也不是电脑制作的特效，是真实地活跃在拍摄现场的生物。

而片中的演员们都采用了浙江方言配音，实地实景+本地方言的配置，也让观众很快地得以融入进当时的历史情境之中。

如果说以往的主旋律战争电影的主视觉是热烈的红的话，那么《云霄之上》的主视觉就是沉郁的黑。

影片一改战争片用快速的动态运镜和刺激血腥的作战镜头去展现战争残酷一面的传统手法，更多地采用长镜头和静态的画面去对比展现战争的惨烈和悲壮。

影片的一开始，观众听到的是寂静的山林里溪水淙淙，偶尔传来几声鸟啼，一个长长的镜头推过，在小溪深处，堆满了红军战士的尸体，漫长的寂静，让人忍不住寒毛直立，渐渐地，那个死人堆动了，一个红军战士艰难地拄着枪站了起来……远处，寒枝寂静，一条细细的青蛇嘶嘶地吐着信子，在无声地窥视着落单战士的一举一动，暗喻着他所处的环境中存在的危险。

这一段长镜头，体现出了影片画面的精致和审美的高级，这种无声的留白，胜过千万个震耳欲聋的战争场面，用水墨的、写意的方式去展现残酷战争的拍摄手法，是两种气质迥异的特质的结合，呈现出来的效果，很克制，也很唯美。

影片从头到尾都采用了黑白的镜头语言，没有运用乐器合奏而成的强配乐，而是采用了水声、芦苇荡里的风声、动物鸣叫等自然的氛围音效，让我有种沉浸式观影的感受，仿佛也体会到了执行必死任务的战士们心中的悲怆和恐惧。

因为敌众我寡的客观事实，战士们很难坦然地行走在阳光之下，他们常常是静默地，躲在山洞里、树林中，在黑暗中悄悄地行动，整部电影也在不遗余力地用视听语言展现当时这种肃杀和压抑的氛围。

这也使得画面中偶尔透露出的一丝光明，像是湖上的月光、洞外的一缕阳光、林间丝丝缕缕的光影，显得是那么的珍贵和令人向往，它似乎道出了这些大多数年龄还不满20岁的战士们，是什么样的信念让他们愿意牺牲小我，去保护我们的世界。

因为身处黑暗的人，必将百倍、千倍地向往光明，并为此而战。

战士们循着光走出山洞，带着必须完成任务的决心从容奔赴战场，山洞外的光明与山洞内的黑暗形成巨大反差，战士们“向光而行”的使命感跃然纸上。

就像《孤勇者》里唱的那样：“谁说站在光里的才算英雄。

”电影这门光影的艺术诞生于西方，所以很多东方的电影作品在拍摄手法上还是不免受到西方的经验影响，《云霄之上》虽然算不上大制作的完美作品，但它在表达方式上的探索，体现的是中式的诗意美学。

如果说《我的祖国》里的“一条大河波浪宽，风吹稻花香两岸”是用歌唱出的诗情画意，那么《云霄之上》就是用影像呈现出了家园的美好和战争的残酷，湖上渔歌唱晚，鱼鹰停在船上，芦苇荡里风声潇潇，远看浪漫，近看却在其间发生着紧张的战斗，两相对比之下，更凸显出和平的珍贵。

这些精心雕琢设计的镜头语言，值得再三地回味，它体现的是人类的思想之美，而非粗浅的感官刺激，而这，就是电影存在的意义。