《爱乐之城》剧照
《爱乐之城》剧情介绍
米娅（艾玛·斯通 Emma Stone 饰）渴望成为一名演员，但至今她仍旧只是片场咖啡厅里的一名平凡的咖啡师，尽管不停的参加着大大小小的试镜，但米娅收获的只有失败。某日，在一场派对之中，米娅邂逅了名为塞巴斯汀（瑞恩·高斯林 Ryan Gosling 饰）的男子，起初两人之间产生了小小的矛盾，但很快，米娅便被塞巴斯汀身上闪耀的才华以及他对爵士乐的纯粹追求所吸引，最终两人走到了一起。 在塞巴斯汀的鼓励下，米娅辞掉了咖啡厅的工作，专心为自己写起了剧本，与此同时，塞巴斯汀为了获得一份稳定的收入，加入了一支流行爵士乐队，开始演奏自己并不喜欢的现代爵士乐，没想到一炮而红。随着时间的推移，努力追求梦想的两人，彼此之间的距离却越来越远，在理想和感情之间，他们必须做出选择。热播电视剧最新电影老婆大人蜘蛛侠：英雄远征保持沉默奋斗吧兄弟探案拍档第一季云赫谣软男与铁妹子还魂2：光与影魂飞魄不散红鹰第八季异怪呼唤非洲小学风云第三季月代头布丁七十七天少年侯德榜边境杀手搜索并摧毁幸福的面条小儿难养玉水站之鬼都市侠盗第五季罗布奥特曼一念关山邪恶一代若是一个人砾石碧血剑棕榈滩阴宅瓦德马尔
《爱乐之城》长篇影评
1 ) 严肃影评#26：再看《爱乐之城》——依然2016最佳
1/24/2017更新：14个奥斯卡提名，在最佳影片的争夺中持续处于领跑地位。
已经有不少人开始抱怨这部电影过誉了，但我依然认为这是2016年的最佳作品！
希望大家会喜欢我的这篇影评，坚持看到最后会有彩蛋哦！
喜欢的朋友求点一下“有用”帮顶一下呗 :) （不知道为什么点“喜欢”没有顶的作用…）1/25/2017更新：我知道大家已经可以在网上找到熟肉了，但情人节上映的时候还是希望大家能进电影院去再看一遍，而且最好是跟喜欢的人一起去。
毕竟大屏幕和好音效对于这部电影来说分外重要，我相信大家也会觉得这是值回票价的。
至于是否需要看IMAX，因为画面比例的关系，其实普通的电影院就可以了。
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2016带走了太多人，包括凯丽•费雪和她的母亲黛比•雷诺斯2016是一个很奇怪的年份。
世界看起来更不和平了——贯穿全年的恐怖事件让人觉得分外不安全，甚至在年关将至时还在世界各地发生着各种恐怖袭击。
但回想起近几年来层出不穷的那些让人不寒而栗的悲剧，我们似乎还是可以麻痹自己，假装习以为常，保持镇定。
世界变得更分裂了——先是年初的英国脱欧，再是年底特朗普当选美国总统以及后续不断发出有争议性的言论。
不过无论这些大事件是多么违背所谓的真善美价值观，所有的看法总有另外的一面，因此总有与我不尽相同的人享受着这些大事件的发生。
况且对我们来说这些事件的影响可谓是微乎其微，因此又有什么好抱怨的呢。
世界也继续失去更多深受爱戴的伟人——从英年早逝的“王子”普林斯到体育界公认“最伟大”的穆罕穆德•阿里。
但最让人伤感的莫过于在年末最后的几天内我们接连失去了星球大战的公主莱亚饰演者凯丽•费雪，以及她的母亲，那个以《雨中曲》名垂青史的黛比•雷诺斯。
但死神是不会翻查日历的，每年逝去的伟人也是数不胜数，因此这或许也并没什么好大惊小怪的吧。
当然，可能对我来说最重要的，是2016年的电影似乎也没那么好看了。
在超级英雄大片和翻炒横行的2016，稀缺的成功原创作品让我感到了不少的失望。
《超人大战蝙蝠侠》和《自杀小队》（我的影评：https://movie.douban.com/review/8027446/）到底有多不好？
我说不清楚。
带着所谓政治正确的标签在年初名声大振却实则质量一般的《一个国家的诞生》跑赢在我看来上半年的最佳《瑞士军刀男》（我的影评：https://movie.douban.com/review/7984389/）以及肯定会在奥斯卡上有所收获的出色作品《海边的曼彻斯特》（我的影评：https://movie.douban.com/review/8370485/），在年初的圣丹斯电影节上斩获最高奖，也让我觉得真心的莫名其妙。
而在经历了一个近年来最烂的暑假档后，各大媒体终于迫不及待地开始讨论电影是否已死，超级英雄片是否正在毒害电影界（我的答案当然是否定的，但这是一个需要分开讨论的问题，不在此展开）。
至少对我来说，2016肯定不是一个最好的年份——姑且称它为一个让人疲惫不堪的失望年份好了。
2016......真的是让人觉得疲惫不堪的年份所以当我拖着疲惫不堪的状态进入9月份的时候，当我得知期盼已久的《爱乐之城》在威尼斯赢得满堂彩的时候，我迫不及待地来了一场说走就走的旅行。
对于大多数人来说，旅行的意义在于观光，但对于我来说，这场说走就走的旅行仅仅是为了呼吸一下科罗拉多新鲜的空气（大麻味？
……），以及在特柳赖德电影节抢先观看这部特立独行的电影罢了。
达米安•沙泽勒的前作《爆裂鼓手》相信影迷们再熟悉不过了。
这部在我看来2014的最佳作品，虽不完美，却充满了火花和能量，甚至让人在观影后感到不自觉的亢奋。
我还记得当年我先后6次进电影院跟不同的朋友去观看这部电影，就像是为了这剂会上瘾的兴奋剂一般。
我大概只是需要去感受那最后20分钟的澎湃以及电影结束后观众们的热烈欢呼声吧？
也正因为这样，我说走就走地去看《爱乐之城》，应该也只是希望沙泽勒能在这个羸弱的2016给我同样的那种兴奋剂般的感觉而已。
在特柳赖德上，《爱乐之城》毫无疑问地赢得了当时包括我在内所有在场观众的心，甚至在播放期间就收获两次欢呼。
这部在威尼斯打响第一炮后回到美国的影片，看似反好莱坞，却又再好莱坞不过。
它是那么的反好莱坞——没有任何原始素材的音乐剧在当今的大制作人手中几乎是不可能被搬上大荧幕的。
谁让年轻人们都不怎么喜欢音乐剧呢，更何况就算有百老汇耳熟能详的歌曲作为铺垫的改编电影也不见得能做得多好，比如几年前的《悲惨世界》就是一个不太成功的例子。
所以编剧兼导演沙泽勒竟然能用6年的坚持把这么一部电影奉献给影迷们，实在是奇迹而又反好莱坞的一件事。
但它又是一部再好莱坞不过的电影——镜头下华美的洛杉矶，俊俏得过分完美的男女主角，以及那甜美而苦涩的爱情故事，无不是好莱坞电影最让人熟悉不过的元素了。
它是那么的好莱坞，以致于当那硕大而怀旧的圆体The End出现在荧幕中，当Made in Hollywood（好莱坞制作）毫不掩饰地出现在观众的眼前时，我一点都不觉得有违和感。
而这份好莱坞感，这份沙泽勒所极力营造的感觉，除了给我那期待已久、似乎在2016无法感受到的兴奋外，更多的还是一份感动。
《爱乐之城》——毫无疑问的2016最佳都说《爱乐之城》是对追梦人的致敬，是对洛杉矶的情书。
这些对本片最直观却动人的解读，加上那绚丽华美却不失现代感的音乐剧内核，以及欠缺佳作的2016年前9个月，让我迅速爱上了这部电影（我当时的影评：https://movie.douban.com/review/8096042/），甚至认为这是明显的年度最佳。
但2016年是后劲十足的——包括《月光男孩》（我的影评：https://movie.douban.com/review/8159907/）以及《海边的曼彻斯特》在内的一众独立电影作品让人对电影界不至于失去信心，也让《爱乐之城》显得没有那么的完美。
更让我揪心的则是经过了特柳赖德时的蜜月期后，这部电影在我脑中开始慢慢显得不那么经得起推敲了。
它是那么的独特而让人喜爱，却又是那么的充满缺点——略显单薄的人物设定，尽是俗套的剧情，以及那华丽但看似缺少主旨的结尾，都让它显得那么的欠缺。
当我进行年末回顾时，纵观2016我所看过的电影，它在电影技术层面上不及《月光男孩》和《小姐》般完美，在情感深度上不及《海边的曼彻斯特》般深沉。
我甚至开始怀疑9月时对它那过度兴奋的反应是否仅仅是因为太久没看过好电影而失去了应有的批判性罢了。
然后，12月来了，《爱乐之城》终于开始了大范围的上映。
我决定再次走进电影院，这次带上批判性的眼光去重新审视这部电影。
128分钟后，我似乎再次失去了所谓的这种评判性的眼光，失去了客观看待这部电影的冲动以及能力。
于是我走出电影院，又买了一张票，再次去经历第三次128分钟的兴奋和感动。
当我再次走出电影院时，在夜半寒风中行走的我，虽然既没看过在戛纳名声大振的《托尼•厄德曼》，也没看过马丁•斯科塞斯历经二十多年等待所制作的《沉默》（已看，我的影评：https://movie.douban.com/review/8289410/），以及还有更多更多的2016年影片没有观看，但我心目中的年度最佳却从来没有这么清晰过。
再看《爱乐之城》，它依然是我心目中毫无疑问的2016最佳。
瑞恩·高斯林和艾玛·斯通所饰演的主角情侣可谓光芒四射都说爱容易迷糊视线，我大概也不能太客观地阐述为何我那么喜爱《爱乐之城》。
我爱《爱乐之城》，可能是因为它是一部充满灵魂，充满性格和活力，充满爱的电影。
它把我多年来都无甚好感的洛杉矶拍成了如梦般的天堂——无论是把那为人诟病的堵塞交通拍成五彩缤纷的色彩炸弹，还是把毫无生气的半山幽径拍成男女主角眉来眼去的踢踏舞场，抑或是把格里菲斯天文台这种充满理性气质的地标建筑换妆成全紫色调的约会地点，都给予了我无法言喻的浪漫感觉。
也正是这种浪漫感觉，让作为观众的我们能明白开场戏中的一众追梦者们当年是为何被这座城市所勾引的。
我爱《爱乐之城》，还可能是因为它那对已逝去的好莱坞的各种怀缅与致敬，以及它试图以一种现代的方式去照应那些经典的桥段。
当艾玛•斯通所饰演的米娅面试失败后垂头丧气地走入复古风的公寓累瘫在床上时，一幅硕大的英格丽•褒曼画像挂在她的床边，这当然让喜爱老好莱坞片的影迷们欢心不已了。
而《卡萨布兰卡》在片中不断地被引用，除了让更多的观众明白导演沙泽勒对老好莱坞的喜爱之外，似乎还有着更深沉的含义。
当然作为音乐剧，少不了的还是对一众经典的致敬——无论是以色彩斑斓的服装对沙泽勒的挚爱《瑟堡的雨伞》进行致敬，抑或是傍晚时两位主角迷人的踢踏舞对《雨中曲》的效仿，都那么地让怀旧的影迷们觉得格外舒心。
我爱《爱乐之城》，还因为它那值得一听再听的配乐。
在怀旧的同时，沙泽勒没有选择强行把台词以歌唱的形式展现在观众面前，而是让歌声出现在该有的地方。
这也是为什么作为音乐剧的它真正乐曲的数量却并不庞大的原因。
但数量上不去，质量却不会下来。
同为《爆裂鼓手》配乐的贾斯丁•赫维兹，这位沙泽勒在哈佛的同学兼挚友，谱写了一众让人难忘的旋律来打动观众的心灵，更是在随后的剧情中不断进行不同旋律的混搭。
当我们意识到音乐不仅是《爱乐之城》的签名，更是述说主角们喜怒哀乐的工具时，我们也多多少少能明白为什么歌曲大多出现在电影的开端——因为米娅和塞巴斯蒂安都还处于两情相悦的甜蜜期，因为他们还置身在与现实不相符的幻境之中。
但当他们的关系急转直下时，当他们回到残酷的现实时，那些悦耳的歌声也悄然离去了。
只有在最后他们试图逃离现实，去幻想“如果”和“本可以”时，由之前那些动人旋律所组成的乐章才再次奏起，让观众们为他们感到甜蜜与悲伤。
对于这些充满性格的配乐歌曲，就连饰演男主角的瑞恩•高斯林也说道：“我不应该再重复去听这些配乐了，但这些旋律却依然感动着我。
”当然，《爱乐之城》让我如此喜爱，还因为它有着这一对钻石般耀眼的男女主角搭配。
这大概是当今荧幕上最过分美丽却又让人觉得无可厚非的情侣搭档了吧？
无论是瑞恩•高斯林俊朗外表下的幽默感，还是艾玛•斯通那双大得让人不敢相信的眼睛下迷人的笑容；无论是高斯林苦练数月后那游刃有余的琴技，还是斯通完美诠释的最后那段感人的歌声；无论是他们两个在霓虹色的晚霞照耀下合拍的舞步，还是他们两个最后那让人惋惜的四目对视。
这些都无不让观众们感受到这两位演员作为影星所散发出的光芒，让人不能自已地对他们所饰演的角色产生喜爱。
从某种意义上说，我们观看电影是为了置身于一个脱离现实的幻境中。
而缺少了这对应性耀眼的光芒，大概我们也很难说服自己去脱离现实，而《爱乐之城》大概也会因此逊色不少吧？
应该说沙泽勒是走运的，因为他能使用这两位充满个人魅力的演员去诠释他笔下的角色。
试想一下如果主角们换成最初的迈尔斯•泰勒（《爆裂鼓手》男主角）和艾玛•沃特森（《哈利波特》中的赫敏）来饰演的话电影会变成什么样，我反正是无法想象……
怀旧的导演兼编剧达米安·沙泽勒 但我最爱《爱乐之城》的原因，大概是除了对洛杉矶和追梦人的致敬之外，它还是对电影迷们的一封不折不扣的情书。
当Cinemascope（一种五六十年代的老旧镜头样式）的字样随着画面的拉宽清晰出现在我的眼前时，当黑白的荧幕图标渐渐被那Technicolor（一种二十到五十年代时好莱坞使用的颜色处理方法）般泛黄的颜色替代时，我作为一个纯粹的电影迷感到了前所未有的感动。
在大多数人都讨论着4K和高帧数的今日，当IMAX那锐利得没有死角的画面不断给观众们带来更真实的感觉时，我却为眼前的这幅与时代不相符的柔和画面，这幅在角落里不时能看到那不完美黑角的画面而鼓掌喝彩和无比感动。
沙泽勒是一个怀旧的人。
自然而然地，他笔下的角色便也是怀旧的人。
女主角米娅害怕自己的舞台剧过分怀旧而不受欢迎，但犹如是沙泽勒替身的男主角塞巴斯蒂安则跟米娅说：“怀旧才是重点啊！
（如果观众们不喜欢怎么办？
）去他们的！
”当然，《爱乐之城》的这种怀旧还体现在它作为音乐剧的身份上了。
在这个所谓IP作品横行的世代，毫无前身的原创作品要有上佳的质量可谓难度不小，而原创的音乐剧更是难上加难。
但沙泽勒为了向他的最爱——法国新浪潮导演雅克•德米的音乐剧《瑟堡的雨伞》致敬，6年来不断改进《爱乐之城》的剧本，终于在《爆裂鼓手》后得到机会完成自己的心愿，把音乐剧以一种现代的形式展现在观众面前。
可以说，从第一幕开始，观众们就能感受到这部音乐剧的与众不同了。
它不会为自己音乐剧的身份向观众道歉，因为正如塞巴斯蒂安所说的一样，沙泽勒不在乎观众们的意见，他只是执着地想完成自己的梦想罢了。
但要不喜欢这部电影，大概是不可能的吧？
从第一幕那将要成为经典的高架桥群舞长镜头（实际上是三个分开的片段在后期制作时接到一起的）开始，观众们应该不难感受到沙泽勒的野心，以及配得上这个野心的能力。
贯穿影片那充满能量的镜头语言犹如电影中另一个重要的角色一般，充斥着自己的性格。
它时而活泼而灵动，比如上面提到的开场片段；它时而惶恐不安，比如男女主角在餐桌上吵架后手持画面的不断抖动；它时而有条不紊地为观众们展开兴奋的幻想，比如末尾的蒙太奇。
而另一个重要的角色，则是电影中光与影的使用。
随着角色情绪调整的光线在制造了唯美画面的同时，更是让影片的梦幻感更上一层。
它仿佛不断地告诉观众，欢迎来到这个与让人憎恨的现实所不一样的地方。
关于2016，我会记得《爱乐之城》所带给我那最纯粹的感动这封对老电影以及影迷们的情书，大概在电影中秋季的最后一幕达到了高潮。
当米娅完成最后那个动人的试镜，当塞巴斯蒂安跟她深情对视时，他们互相与对方说的最后一句话是“我永远会爱你的。
”这像极了那句《卡萨布兰卡》中名垂千古的经典对白一般，让人回味无穷。
正如七十多年前亨弗莱•鲍嘉所饰演的里克与英格丽•褒曼所饰演的伊尔莎那句标志性的道别“我们将永远拥有巴黎的回忆。
”一般，塞巴斯蒂安与米娅在道别时都明白，无论他们的将来如何，他们都会有着这一段不可磨灭的La La Land回忆。
而我，也不会忘记在2016年观看《爱乐之城》时那纯粹的欢乐和感动。
因为那五彩缤纷而怀旧复古的画面而欢乐，也因为那在梦想前愿意放弃所有的勇气而感动。
大多数人都认为《爱乐之城》的结局是甜蜜而苦涩的——明明相爱的两人终究不能走到一起，而只能在一首歌曲的有限时间内幻想在另一个时空的他们如何快乐地生活着。
但在我看来，痛并快乐着，似乎才是更好的解读方式。
他们当然要为自私地追求梦想而不能相宿相栖而忍受着一辈子的痛苦了，但也正是这种自私让这两个角色更靠近生活和打动人心。
或许这才是更合理的结局吧？
米娅和塞巴斯蒂安在翩翩起舞时是那么的动人，但在电影的其他时候却失去了那种光辉，甚至用言语批判对方的追梦是一种罪。
就算是结尾的蒙太奇也不能给予他们最完美的结局——在米娅成名的同时，塞巴斯蒂安也只能在身边放弃他的梦想了。
这个世界不是完美的，即便是Technicolor渲染下的《爱乐之城》也不是完美的，所以他们为了梦想有所牺牲的这个结局才是最合理，也是最深刻的。
当然，为《爱乐之城》感到快乐的除了我和众多的观众之外，必不可缺的还有沙泽勒这位天才。
“电影在过去的这个世纪里被制作成反映现实的媒体，但音乐剧以感情的名义打破了这种现实性。
而这，是美丽的——当你足够地为这个世界感触时，你会为之而歌唱。
”沙泽勒这么说道。
而有多少观众在观看《爱乐之城》后会因为被其触动而希望舞动着走出电影院，希望高声歌唱来表达自己的快乐呢？
相信肯定不止我一个吧。
当我回看2016年时，我会回想到文首提到的那些让人沮丧的事件和情形，我会怀缅那些为我们带来美好回忆但不得不说再见的伟人们，我还会为那些让人失望的电影而感到厌恶。
但我同样会记得，在这个全世界都承受着莫大痛苦的2016，《爱乐之城》为包括我在内的万千影迷观众们带来的那亟须的快乐。
在这个传统的美好似乎与现实格格不入、似乎随时都要被更不合理的事情所取代的年份，《爱乐之城》证明了那些所谓的高新技术在充满灵魂的电影制作面前是那么的渺小。
而这，正是《爱乐之城》成为我心目中毫无疑问的2016最佳的原因。
-最后，再用一张海报来解释一下为什么这是2016年的最佳作吧！
《爱乐之城》，又名《现实大逃脱》:)
2 ) 为神马获奖无数的竟是超级无敌大烂片！
极地晴天抹茶馆之茶语一句City of stars, are you shining just for me? - 本片男女主（Of course not! - 看完没好气的本熊）没错，我就是来吐槽大红大紫大富大贵大包大揽横扫全球各个电影节各个奖项的特别著名的《La La Land》，国内片名《爱乐之城》，香港片名《星声梦里人》，台湾片名《乐来越爱你》（一定要让港澳台三地的可爱观众都知道这部片子有多烂）！
内神马，说到底这个片儿到底骗到了多少眼球及奖项呢？
来，带你xx带你飞：到目前为止一共获得了217项提名里的147项！
于是你马上可以去炫耀你是专家了！
然而（转折再生硬也要咬牙转啊），书袋掉完了，二话不说，先上本熊刚看完时在圈里的短评，一言以蔽之：“无法理解这片为啥横扫各个奖项：立意肤浅，情节虚假，老梗用烂，一言不合就唱歌，7月两地就分手，最后还来yy遗憾加潜规则，都是套路！
看了后悔一年，奥斯卡啊啊啊啊！
”—— 智商和情商均受到一万点伤害的 熊所以通过最后这四个啊啊啊啊字，你体会到一个资深影迷对于本届奥斯卡如此误导浪费了无数心地善良心存良知的人们每人华丽丽128分钟的无限恶意了吗？！
好了，下面开始正经地数落数落本片到底有多差【认真脸】！
本片有三大卖点：1. 梦想，2. 爱情， 3. 音乐。
下面（毒舌）娓娓道来：1. 梦想还是要有，万一实现了呢？
林奕华说：“此片是给loser看的励志片。
”简直不能同意更多啊！
女主从小就在阿姨的带领下“不务正业”，整天泡在图书馆里看老电影，台词倒背如流，也觉得自己想要成为嘉宝一样的大明星。
她在摄影场的咖啡馆里找了份服务员的工作，只为了更接近她的梦想一些。
好吧，这都ok。
然而一开始那个女明星进来，只给背影和周围群众的张大嘴巴惊讶万分的艳羡表情，以及坚持要自己给钱买咖啡（这不是再正常不过了吗），我就无语了，我已经提前太早看到了导演要在最后女主也出名以后给安排一个一模一样如假包换的镜头，专门照背影的曼妙曲线。
come on，这是电影棚里的咖啡店，有几种可能：1，明星牌子很大，每天都是要助理来买咖啡，所以人民群众平时在这里一般见不到她，那今天她为啥让助理在门外自己进来呢，纯炫耀新裙子新高跟鞋？
2，如果明星们每天都来，在这里喝咖啡的人民群众早该习以为常了吧，会那么惊讶那么嗨吗。
从这个镜头开始，就注定了本片就是一部因为不合时宜的过分渲染而让观众时时出戏的悲剧！
她新晋男友（男主）拼了命劝她说你要坚持自己的梦想啊亲，试镜没人要？
没关系，自己写剧本啊！
你小的时候不是写过一部获了奖的剧本吗？
在如此的坚决教唆下，女主毅然辞去工作，全职在家写剧本，准备自掏腰包演出自编自导自演的独角戏。
这都ok，哪部梦想电影里没有狗血呢？
然而这部也太出格了。。。
男主你都没有认真看过女主演戏，你确定她有出名有当演员的天赋吗？
世界上想当演员的人太多了，真正有多少人是才华横溢的呢？
就在女主经受着精神和经济的折磨的时候，男主自己去参加了一个原来最看不上的同学组织的流行乐团，他毅然放弃了自己要开一个纯粹的爵士乐俱乐部的梦想，去当了一个站在舞台上似笑非笑的键盘手。
这种选择，说是为了名声，为了金钱，为了台下女生的尖叫，为了成功，为了虚荣，都算了。
然而他在很久没回家之后终于出现，面对女主认真的“你的梦想呢”的质问，说，我这么委屈就全，全是为了你啊！
矮马，一口盐汽水！
这就是把人骗上不归路，自己跑了去出名，回过头还得瑟说，亲，我是为了你好啊！
但没有关系，本片最牛的地方就在于为了情节，可以不惜一切，毫无逻辑，大肆渲染！
女主自己的戏在落寞中草草收场，而男主并没有如约到场，如此悲惨，如此凄凉。
然而为了情节需要，非说那天有一个知名大导演默默地坐在观众寥寥的到现场，从头到尾耐心地看完了她的演出，而且被感动的一塌糊涂，然后现场还不找她，非要过了恩天再通知男主，要男主去告诉她这是一个很重要的试镜，你一定要来哦亲，这是改变你未来命运的邀请哦亲。
如果她演的这么好，为什么连一个戏里的镜头或片段都没给，观众实在按捺不住，想要知道为什么女主运气可以突然这么好啊啊啊啊。
2. 爱情还是要有，万一寂寞了呢？
女主在跟男主大吵一架以后，默默地离开了，回家疗伤。
男主在接到大导演电话以后，默默地驱车恩万里来到了女主的家乡。
女主说，你是怎么找到我的？
男主说，你说过你家对面是图书馆。。。
我又晕了，对面是图书馆的房子多了去了好吗。
一个城市里就有恩个图书馆啊啊啊啊。。。
按你胃，女主被男主说服，又鼓起勇气回去参加试镜。
果不其然，她通过突然地傻傻地唱很蹩脚的歌，毫无悬念地得到了此角色。
那么问题来了，此片要去巴黎拍摄7个月，男主又要留在美国参加乐队的没完没了的巡演。
肿么办呢？
只好分手！
俩人坐在相恋时的老地方，如此浪漫，可以看见洛杉矶整个城的夜景的公园长椅上，泪眼涟涟地说，我们分手吧。
然而我又晕了，明明他们俩此时还是很相爱啊？
戏已至此，情到深处，女主已经在男主的鼓励和帮助下真正地要开始自己的梦想了，这样不应该是俩人越爱越深的重点段落吗？
为什么分手？
1.因为要两地7个月太久了，常人无法忍受（那么我没有任何评论了）；2. 因为之前大吵了一架，互相伤害到无法愈合（小情侣吵架再正常不过了啊）；3. 因为女主新人生要开始了，不能带着男主这样的感情包袱（我实在想不出别的了，你也看出来了）。。。
最后，如所有观众所心知肚明一早知道要怎么演的一样，女主大红大紫以后，默默地嫁给了第一部戏的大导演，住进了比华利山的豪宅，有一个可爱的孩子。
两人住在同一个城市，却从未遇见。
甚至是男主追求梦想终于开张的俱乐部，完全照搬女主当年建议的名字和图标而且出了名，同城终于有了一个如此高格调的女主号称因为男主爱上的爵士乐的聚会地方，女主竟然毫不知情。。。
我再次华丽晕倒，如果这是发生在200年以前，那时没有手机没有网络没有推特没有脸书没有发生了什么，男女主联络感情主要靠信件和见面，那还算说的过去，女主去了巴黎，虽然二人爱意浓浓，但是遥远的距离使他们从此失联，多年后才能凭缘分偶遇。
come on，这是信息时代了！
而且导演啊你安排他俩最后也算是爱意浓浓地和平分手，至于删号码拉黑不联系吗？
她收不到他的消息吗？
她回国以后再没有找过他吗，他也没找过她叙叙旧吗？
即使是联系旧友，分享一下梦想的喜悦？
特别是那个帮助你实现梦想的人啊！
导演啊你非要安排他们春夏秋冬爱满全城的那么浪漫，然后怎么一下就拉黑失联，形同路人。
分手的时候说的也是含情脉脉地"亲，我会永远爱你”，这样重要的一个人就无缘无故地彻彻底底地在生活里消失了？！
这都算了，导演你为了安排久别重逢简直费尽了心机。
男主看到了女主到场，马上屁颠屁颠地自弹一曲相恋曲目，然后用长达五分钟的各种飞天跳舞神马的镜头开始yy如果自己和女主在一起，生活将是多么滴幸福巴拉巴拉巴拉。
好么，说你是loser，你就喘啊！
那么那么爱，就去追啊！
光自己在那儿yy有神马用，而且这么些年都在干啥。。。
你难道不懂以你这种渲染出来的情感基础，秒杀大导演啊。。。
所以苦苦思考原因无果，我才万般无奈在短评里写到了潜规则，你懂的。
最关键女主听了也是眼含热泪，立马受不了了拉着云里雾里毫不知情的老公要走。
come on！
既然这么爱，我早就说了你俩没有分手的基础，硬分了就算了，可以复合啊！
人生里全是套路，没有真情，这么委屈自己，真的好吗。
名义婚姻和真正爱情摆在眼前，女主还是毅然选择了自己的傻老公，放弃了帅的不要不要的真爱，这到底是为神马。
放弃就算了，还非要留下一个勾人的眼神儿给可怜的男主，你咋不上天啊！
3. 音乐还是要有，万一入戏了呢？
本片音乐每次一出现，就无比出戏。
这还让不让人活了。
一部好的音乐剧，音乐是和电影里配合得天衣无缝的，神来之笔，万分自然，起到了升华主题，深化情感的重要作用，美到无可替代。
这部戏就完全相反。
好不容易看进去了一下下，男主女主华丽丽地突然开始在任何不适合的场景唱起歌跳起舞来，简直让人瞬间出戏！
爱情开始在堵车的高速路上，车主司机大合唱，那叫一个热闹的全世界人民联欢，洛杉矶春晚开场歌舞啊！
然后在夜色朦胧的小山坡上，明明没有任何火花，男女主非要热情高歌，尽情共舞（就是海报的招牌动作），跳完了又继续说话，那叫一个尴尬症！
后面还有上面提到的，女主在试镜时突然开始凄惨地唱歌，我真的不知道她为何被选中，她真的有前面的试镜导演提到的，表演用力过猛的问题（参见《华尔街之狼》里的小李子）。
最后男主尽情yy和女主幸福生活的时候，还要义无反顾地毁了本片唯一一首还过得去的主题曲《City of stars》，至此，我是彻彻底底晕倒了，一个大写的服字送给你，亲爱的导演。
此片竟然！
超越了《泰坦尼克》当年勇夺13项奥斯卡提名的记录，成为史上提名第一片，我真是无法理解。
评审们啊，你们是没有看过好的音乐轻喜剧剧情片吗。
远的不说，近的2013年的《Begin Again》（从音乐再开始）真的比这一部强了不知道几条街好吧。。。
（影评请点击“阅读原文”）总之，我被彻底打败了，此片是我近些年看过的最烂影片，没有之一，包括今年国产贺岁烂片们。。。
此片的烂梗还包括但不限于：在电影院里牵手加初吻，在天文馆里看星星，女主逃掉无聊应酬去赴约，等等烂俗情节。
敬请注意不要随意模仿，这是要吃大亏的，模仿也要走点儿心啊，真不是我说你。
最后好心好意温馨提醒一句，此片非常有心机地选择情人节当日在国内上映，这是图嘛昭然若揭。
情侣们，男盆友们，女盆友们，准男盆友们，准女盆友们，在此郑重奉劝你们不要拿自己的感情开玩笑，千万不要约会去看此片！
为神马？
这不是太明显了吗？！
你是真爱吗？
当然是！
对不起，本片的结局是：真爱给我让位，潜规则上位！
你是潜规则吗？
好吧，你去看吧！
—— 森森苦于吐槽和毒舌功力不够的 熊【2017奥斯卡系列】即将陆续推出多篇精彩好文，不容错过！
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3 ) 当星与月渐渐流动
一、岁月的两端 每次讲到旧情人重逢，我便很自然地想起《半生缘》里顾曼桢对沈世钧的那句：“世钧，我们回不去了。
”隔着漫长岁月的莽莽黄沙，两个饱受生活侵蚀的平凡中年人，在昔日爱侣面前，回想起人生开端处彼此对于未来的天真寄望，终于按捺不住悲凉慨叹。
阔别重逢，是不是必定要伤怀？
《La La Land》本是一部基调欢快的歌舞片，在观影过程中，我把大量的注意力放在了灯光、配色和音乐的处理上，万万没想到最后打动我的，竟是陈词滥调的“梦想”与“爱情”。
故事披着好莱坞传统套路的外衣，所有的画面镜头，都仿似是在向某些俗套打卡致敬——除了起初略嫌浮夸的歌舞，以及淡入、淡出、圆洞切换等效果之外，剧情部分也是如此：怀揣演员梦的女孩在咖啡店打工，生活得忙碌而狼狈，艳羡地看着窗外一身华服的女明星乘着马车与男伴相携离去。
“如果有一天，我也可以像她那样就好了。
” 在漫长人生的开端，大抵所有人都有过这样的念头。
然而冥冥之中消长有定，在得偿所愿的过程中，总是要消磨掉一些手头原有的财富。
因此，这世上总有那么两个自己，站在岁月的两端，互相羡慕着彼此。
二、俗套的爱情 落魄的追梦少女一次次与不得志的音乐家偶遇，两人彼此心动而又口是心非地掩饰调情：她欣赏他的琴声，却恰逢他被解雇心情不好，话还没说完就被他一撞而丢下；再度相逢的晚宴上，他们又以找不到车为借口，并肩漫步于漫漫良宵。
一面声称着各自不是彼此喜欢的类型，一面又找尽借口，与对方多消磨一点时光——两个人在轨道交合的最初，口口声声的傲慢嫌弃，原来只是一种试探。
剧情是俗套的：相恋，同居，总是排错时间错过彼此的约会，一次次在追逐梦想的过程中郁郁不得志，争吵，冷战，和解。
渴望成为演员的女主角，总是在认真试镜的时候被打断和无视。
毕生挚爱爵士乐的男主角，被人告知，只有与时俱进地把音乐做成流行曲风，他才能有生存的土壤。
男主角在酒吧遇到以前一起做音乐，却因背离初衷、功成名就而被他看不起的老友，被拉入对方的乐队成为键盘手，去做人人喜爱的流行乐。
他因此也开始名利双收，逐渐积累下开爵士酒吧的资本，却也逐渐离自己的本心越来越远。
许多人不理解，女主角为何在感恩节与男主角争吵。
甚至有人像那一刻的男主角一样，认为女主角是由于自己不得志，所以才在步步高升的男主角面前感到心理不平衡。
真是毫无情趣的小人之心啊。
从前的女主角向来不喜欢爵士乐，是因为男主角的执着，才培养了她对爵士的热爱。
真正爱一个人，就是能够替他守护他的本心。
所以，即便台下有千千万万的观众捧场喝彩，却只有女主角能听到他的心声。
眼下的状况，或许能让他想要的一切来得更容易些，但这决不是他内心情愿去做的事业。
她向他提出担忧，却得不到理解，反而被锋利的言语所伤。
此时烤箱里的食物也应景地开始捣乱。
于是在一片狼狈下，她起身决然而去。
他那么忙，忙到连她苦心创作的独幕剧都忘记去捧场。
当灯光亮起，她看到台下的寥寥几个观众，心中的梦想与爱情，终于在同一刻蒙上了寒霜。
这部电影叫做La La Land，在英语常用语中取义“一种梦境般的、脱离残酷现实的精神状态”。
同时LA又是好莱坞所在城市洛杉矶的缩写，这片名便是绝妙的双关。
这部片想讲的从来都是梦想与人生，爱情只不过是它的叙述载体罢了。
三、梦想的孤勇 所以，梦想到底是什么？
这部片告诉我们，梦想就是隐隐作痛的心，梦想就是我们为了拨云见日而不断为自己制造的那些小混乱，梦想就是漫长人生当中的那一点点绚烂的疯狂。
这部片告诉我们，梦想就是在寒冷的冬天，赤着脚纵身一跃，一头扎进冰冷的塞纳河——尽管接下来要缠绵病榻，甚至永生难以痊愈，但假使能够重来，我们都会选择再跳下去一次。
当片中男女主角的关系眼看着无法挽回，一个突如其来的机遇又改变了一切。
此时的女主角已然在一次次的挫败中决定放弃梦想，男主角却在此时接到女主角的试镜通知，旋即夙夜驱车来到内华达州女主角的家门口，在室外长摁喇叭引起邻里公愤，这才用激将法将她拖去试镜。
他的爵士梦，她的演员梦，在星光熠熠的、偌大的洛杉矶，在无数个辉煌的好莱坞宏愿当中，都只不过是微不足道的沧海一粟。
可是唯有他们可以清晰地看到彼此身上的光芒，并且不断为那道光芒开凿出一条通往世人视野里的渠道。
所谓“对的人”，不是单纯去无条件包容你的一切，而是能用一双慧眼，看到你深藏在砂砾土壤当中的耀目金光——就如同在大理石中看到天使于是不断雕刻的米开朗基罗。
所谓“好的爱情”，也不仅仅是彼此取暖陪伴，更是彼此成全。
临近结尾，两人再度并肩坐在格里菲斯天文台，遥望整个洛杉矶的繁华。
对于她的梦想成真，她用的词是假设性的“if”，而他用的词是斩钉截铁的“when”。
“我会永远爱你。
” “我也会永远爱你。
” 寻常的剧情里，这样的告白都是为了厮守终生。
而在此处，当两个人头一次在青天白日下眺望整座城市的景致，当无边无际的梦想与宏愿，终于和他们足下的土壤连通了轨道——他们对彼此说这句永远爱你，心中却是做好了道别的准备。
在故事的最后，幕布轮转，屏幕上打出一行“五年后”。
如同所有的好莱坞俗套一样，女主角终于得偿所愿，在梦想之都巴黎一圆演员梦，并且嫁了知情识趣的好丈夫，有了玉雪可爱的女儿。
她终于也踩着精致的高跟鞋，回到她曾经打工的咖啡店，端起人家新做好的咖啡，然后趾高气昂地坐上马车。
瞧，那个在咖啡店里艳羡地望着她的女孩，不就是当年的她自己么？
男主角也实现了梦想，开了一间和预想中一模一样的爵士酒吧，门口还是用的相恋时女主角为他设计的logo。
他做的是自己真正喜欢的音乐，身边是一群真正志同道合的人，而台下观众对他的欣赏也都是真心诚意。
豆瓣上有人评论：“结尾是好的，两人都有了各自可以拥有的最好的结局。
两人在追逐梦想中失去的只是爱情，他们获得的将是整个世界。
明明是梦想成真的结尾，却带着耐人寻味的悲剧感，这是导演在这部电影里最见功力的地方。
”
四、偌大的江湖 看完这部电影之后我向人推荐，人家问我，这部片是一个大团圆结局还是悲剧结尾。
我说，这很难去定义，你觉得《大话西游》是大团圆还是悲剧呢？
在开头一大半的篇幅中，我都认定这部电影撑死打四颗星。
导演对于影像与音乐的调度，以及用光影画面而非语言讲故事的功力，堪称神乎其技。
可是，略显尴尬浮夸的歌舞和处处俗套的剧情，都让我无法很好地入戏。
直到结尾的一段蒙太奇，让我在影院里刹那间泪下如雨。
画面回到那个男主角当琴师被解雇的平安夜，当女主角走上前去表达自己的赞赏，男主角没有负气离去，而是与她深情拥吻。
随后他们牵着手奔向未来，他们不曾错过彼此的每一场约会。
他不曾为了积累资本而丧失本心。
而在她的独幕剧上演时，台下高朋满座，他是当中鼓掌喝彩最热烈的那一个。
然后她通过试镜，他们携手飞往巴黎寻梦。
然后她嫁给他，在厨房里为他准备早餐。
她诞下可爱的儿子，让女佣在家照顾，夫妻二人开着车出来闲逛，来到一间不知名的爵士酒吧，看到另一个人在台上弹琴。
到底哪边的剧情是真实，哪边是臆想呢？
导演已经给出了他的答案。
我soulmate曼仔是这样评论：“如果说此前的分开只是一种概念，而分开五年后的重逢，却吊诡地让你意识到，不在一起了，分开了，是怎样具体而微的事实，是从此丧失了有你的人生，是你再没有可能成为我孩子的父亲，是我们便只有这台上台下相望一眼的缘分。
” 在我看来，这段蒙太奇在叙述的，确然是一种人生的可能性。
但运气这东西总是守恒的，此消彼长，不可能事事圆满。
所以，与其说这是一种可能性，还不如说这是一种存在于平行时空里的美好希冀。
好比《大话西游》结尾处，站在城楼上的夕阳武士和他的恋人——他卸下了强硬的伪装，跟她说“我一世都不会走”，可另一个他，扛着棍子走在漫漫黄沙中的背影，却落寞得像条狗。
这部片的剧情设定，其实让我想到ATV经典剧集《我和春天有个约会》。
天赋极高的姚小蝶幸运地成为丽花皇宫夜总会的台柱，随后一跃成为歌后，而同样才华横溢的萨克斯风乐手沈家豪却总是郁郁不得志。
他们明明是相爱且登对的，可彼此的脚步总是不一致。
这江湖太大，其实我们不需要任何天灾人祸来阻拦，往往在不知不觉间，就已经走散了。
那部剧集的开头与结尾，都是讲姚小蝶回到曾经无限繁华的丽花皇宫，凝望着过去人声鼎沸的化妆室和舞台，内心悠然泛起涟漪。
即便直到结尾时，沈家豪也没有再回到她身边，那又有什么关系呢？
五、当下的永远 日本茶道里有一种说法，叫做“一得永得”。
说一个人可能一辈子就做过一回稀奇的事情，往后回忆起来，便会把这一次当做永远。
这世间万事万物都有消弭的一刻，就算发誓相守一生，也总会有个先后离场。
万事万物都免不了化作尘土，而我们手中唯一不可夺走的财富，也只不过是“回忆”二字罢了。
《La La Land》主要剧情的时间跨度，只不过是短暂的一年四季。
从互相吸引到彼此成全，从一无所有到梦想成真——有时人生中最最重要的事情，往往发生在极其短暂的瞬间。
深刻的回忆便如同浓烈的酒精，而往后的人生便像是清澈的水，将一切稀释酝酿成合宜适度的香醇。
跟我一起看《La La Land》的朋友跟我说，觉得这部影片的结局是明朗的，两个人放手彼此成全，重逢时会心一笑便足够，若是再多迈出一步，都失去那个韵味。
诚然如此。
胡兰成在与张爱玲相恋时，曾引用三国时曹植的一段话，道是：“来日大难，口燥唇干；今日相乐，皆当喜欢。
” 其实只要当时当刻能够心满意足，即便日后相忘于江湖，又有什么好遗憾的？
一年两年的陪伴，与四十年六十年的相守，又有什么区别呢？
我们应当相信，在这世上，总会有那么一个La La Land，总会有那么一个平行时空——在那里，所有的好事都会实现。
例如梦想成真。
例如，永不分离。
微信订阅号：misslintanxi
4 ) 我会在电影里永远爱你
首发于微信公众号：movie432，文末有二维码噢《爆裂鼓手》和《爱乐之城》的连环双响炮，让达米安·沙泽勒追逐电影梦的故事，慢慢广为人知。
《爱乐之城》的灵感和原著剧本来得最早。
那是2010年的故事，但没有大佬想去理睬一个毛头小伙。
好莱坞的山脚下，你开车随便撞到一个人，他手里可能都拿着一沓剧本。
达米安只能曲线救国，写了一个更加私人的剧本，那就是后来的《爆裂鼓手》。
有人对剧本表示了兴趣。
在当年没有被拍出来的好剧本中，它也榜上有名。
但资方还是无法相信，他能Hold住这一切。
结果，他只能先从拍一支《爆裂鼓手》的短片开始。
未来有一天，包括在奥斯卡一较高下之后，达米安也会成为新版的好莱坞神话。
以这个故事开头，只因达米安身上就有浓烈的梦想色彩。
虽然没像李安那样，需要跨越巨大的障碍，但也称得上一波三折。
把导演的故事放到《爱乐之城》，就不难发现两个心有灵犀也为坚持原则撕破脸的恋人，却会因为梦想的茁壮成长而悄然分开。
又或者观众一开始就搞错了，比起爱情，他们更渴望梦想的开花结果，也就是：成功。
但成功并没有错，不偷不抢不出卖自己不破坏规则。
成功，是值得鼓励和肯定的。
好莱坞的神话，当然也是美国梦的一部分。
你经过努力不懈的奋斗，勇气，创意，信念和决心，便能在美国得到更好生活的信仰，以及物质满足和名利双收。
好莱坞更是如此，有时甚至更加赤裸，不问原则。
在两个人爆发的剧烈争吵中，石头姐怒斥高司令怎么不坚持爵士梦想，跑去流行乐舞台上获取满足快感。
她自己却因为看话剧的人太少，心灰意冷滚回老家疗伤。
但在我看来，这只是无疾而终之前的小题大做。
结尾平行世界大杀器之前，石头姐过上了好莱坞明星的奢华生活，但高司令又回到了过去的自己。
没人知道中间到底为什么，其实电影也是没有打算告诉观众，为什么。
只有一句不带情感的转场字幕：五年过后。
在那个会被许多观众错认为是“闪回”的高潮中，《爱乐之城》似乎在告诉观众：错失，遗憾，甚至是谬误，它们都是人生和梦想的一部分。
你可以认为高司令最后做的事情，比他一度所沾沾自喜的来得高级。
你也可以认为，人生海海，两人分开在所难免，石头姐找到她人生想要的。
在完美的爱情和人生版本中，一切都得到了合理的解释和发展。
在每个需要运气、抉择和调解的关头，命运女神都会在站在我们的电影主人公这边。
可事实是，人生不存在唯一，正确，合理的答案选项。
所以，我们看到高司令和石头姐，好像完成了一次角色位置的互换。
他们在不同的人生阶段，调整了适合自己的人生舞步。
许多人的困惑在于，如果实现彼此的梦想，逾越于爱情之上，结果打动观众的又是作为完美梦想，不曾实现的另一个平行世界的爱情本身。
这听起来有点悖论，却好像成为了这部电影买定离手的赌注筹码。
争论爱情与梦想谁更重要之前，人们应该意识到，世界上根本不存在完美爱情这回事，而只有合适的两个人，或者，追逐完美爱情这回事。
正如《千年女优》总结的那句台词：再怎么说，我真正爱的是追逐他的旅程。
梦想是自我实现，梦想也包含了梦想之上的东西。
正如人们调侃的：梦想还是要有的，万一实现了呢。
高司令怒斥石头姐的理由就在于此。
那实现了以后，梦想就不存在或者破灭了，还是说，梦想一直作为特定，具体，有指标的梦想而存在。
一大堆名人传记告诉我们，实现梦想，通往也会伴随着一个糟心过程：某一天你会突然意识到，你变成自己曾经所讨厌的那种人。
可是这也不代表，人就不应该去追求梦想。
恰是自我怀疑与持续否定——不断修正，调整，推翻重来的人生梦想这码事，引导人类作为一种文明生物，去保留那些真与善，去追求更美好与崇高的艺术，影响后来者，接收更多人的顶礼膜拜。
因此在我看来，《爱乐之城》固然有对歌舞片和老电影的诸多直接致敬，甚至于对爵士乐的即兴表演讨论，包括结尾的A ONE AND A TWO，都会让我奇妙地调频到杨德昌的《一一》频道，东方人的初恋婚姻生老病死，小孩子老情人。
再浓烈的爱情色彩，那也不过是漫步人生路的一段乐章。
无论歌舞与音乐，它们本就是滋生于洛杉矶（LA、好莱坞）和电影世界的美妙异想，歌舞片这个类型，本来就有“跳出我天地”的形式条框。
所以，《爱乐之城》打动人最重要的一点是“我们会再相见”，而不是再见时候请拥抱我，再见时我们到底变成了什么模样。
参见：知否世事常变，电影原是永恒让我们在电影里相见
截图扫码，关注：MOViE木卫（movie432）
5 ) 我们歌唱爱情，也终将独自远行
(文/杨时旸)“可是，这太怀旧了。
”“就是因为它太怀旧了啊。
”处于热恋中的米娅把自己写的剧本分享给男友塞巴斯蒂安。
她不太自信，急需鼓励，但也害怕言不由衷鼓励会鼓动着自己更加不切实际，但塞巴斯蒂安真的喜欢那剧本中散发着的迷人的怀旧气息。
有关怀旧的这两句对话几乎就是85后导演达米安·沙泽勒借着男女主角的口说出了自己的心绪。
是的，《爱乐之城》是一部“太怀旧”的电影，显得和这个时代大银幕上溢出的塑料感的流光溢彩格格不入。
达米安·沙泽勒像个坚定的反潮流者，怀揣着一颗与生俱来的老灵魂，固执地把一个当代故事涂抹上做旧的色彩。
从开场那段在拥堵的高架桥上的歌舞开始，这一点就已经显露无疑。
其实，不只是色彩和韵味，《爱乐之城》中的一切都是“怀旧的”——爱情、梦想、失落与遗憾，这些主题又有哪个没有泛着复古的光泽呢？
换句话说，这部电影有着有趣的“分裂”，它有着与众不同的、夸张的外部形式——大规模的歌舞和那些烘托感情的超现实拼接，而与此同时，它故事中的一切又都如此古典。
客观地讲，无论是出演塞巴斯蒂安的高司令还是饰演米娅的石头姐，他们的舞姿也不过尔尔，并不花哨和讨巧，但就是有一种特别贴合主题的、恰如其分的笨拙。
这个故事书写了爱情最经典的样貌：二人识于低微，相互扶持，坚信未来终会闪耀。
沦落于饭店弹奏圣诞歌的塞巴斯蒂安梦想恢复爵士乐的伟大传统，屈居于咖啡馆做服务员的米娅坚信戏剧的独特力量，但现实却有着不动声色的强硬和残忍，他们各自偶遇机会，也曾短暂迷失，后来在某个岔路失去了彼此，又在多年后重逢，但也只能相视一笑。
你看，还有什么比这更古典的都市爱情故事吗？
所以，北上广的年轻人们对于这部电影心有戚戚，并不令人意外，一对儿奔赴大城市实现梦想的年轻人，在各种阻挠中，奋力抓住彼此。
那对恋人又是多少人的镜像呢？
贫困中的热恋，分手后的成功，梦想的通路与歧途，人生的一切不可知与不可得。
《爱乐之城》中呈现了爱情在普遍意义上的一切甜蜜与哀愁。
从某个角度看，它像是歌舞版的《Begin Again》，又像是《爱在……》三部曲中的男女主角错失了彼此后的续集，他们的爱情突然而至，降临如电光火石，最终到了岔路的路口，二人也同样不知所措，顺水推舟，各自漂流。
他们坐在山顶的长椅上，米娅问，“我们到哪了？
”塞巴斯蒂安顾左右言它地说了个地名，米娅说，“我是说我们之间走到哪了？
”是啊，这几乎是每一对恋人的终极命题。
你总要有个说法，要么更进一步，要么各自撤退。
在很长的时间里，他们都处在了一种小心翼翼维系平衡，但故意躲避抉择的状态中。
那种状态不可能永恒，但就是那种微妙的不可知让所有人迷醉。
或许，这种感觉才是热恋吧，摇晃、刺激、一切都有可能，而一切也都会在瞬间熄灭。
《爱乐之城》的有趣之处在于，它不只呈现了某种炽热，还呈现了爱情中的吊诡。
塞巴斯蒂安的老友在他落魄时来找他，让他加入自己的乐队，有着不错的薪水，大公司的资源，全国的巡演以及各大杂志的封面，只是，那音乐有点别扭，部分满足自己，部分服务他人，按照塞巴斯蒂安以往的性格，他或许会不屑地拒绝，但彼时，他已经反抗得太久，即便他再格格不入，即便他再有着“原教旨主义”的爵士梦，但他也会被润物无声的现实感染和融化掉一角。
他接下了那份工作，逐渐沉溺于掌声和商业回报。
他觉得自己的选择会讨女友米娅的欢心，至少这些物质基础会让二人的关系更加稳定，但在米娅心里，对方的行为或许正在流于平庸，那些时髦的电子音乐正在默默地腐蚀这个男人曾经坚固又伟大的梦想，现在，坐在自己面前，讨论着巡演和收益的塞巴斯蒂安，不过正在成为一个操持着钢琴的业务员，开始认可平庸，甚至享受平庸。
有时，爱情就是如此不可言说，有些人注定只能彼此牵手走过荆棘，有些人只能共同享受坦途，当你觉得为了讨好对方，试图改变自己，有时却正在走向反面。
《爱乐之城》呈现了爱情和梦想，但其实并没有声嘶力竭地歌颂爱情与梦想，它写它们的光彩，也写它们的无奈，那些意料之外的欣喜，也有命中注定的分离。
所以，你眼见着爱情即将成全，梦想即将成功，但导演就倾覆了一锅鸡汤。
米娅和另一个男人在一起甜蜜的生活，成为耀眼的明星，塞巴斯蒂安有了自己的爵士俱乐部，面对人头攒动的观众，他无需再去用那些时髦的音符迎合大众。
你说，这一切是人们努力奔赴的结果，还是命运中不可捉摸的定夺？
他们就是无法在一起实现这一切，圆满终是梦幻。
出生于1985年的导演达米安·沙泽勒对于音乐题材有着近乎偏执的热爱，无论是上一部备受关注的《爆裂鼓手》还是这次的《爱乐之城》，其中的主人公都像他自己一样执着又疯狂。
而他也不只会书写癫狂，他会在不经意间给你柔软的一击。
米娅曾经随口说了一嘴，自己的老家在一座图书馆的前面，在他门分手许久之后，一个导演的选角电话打到了塞巴斯蒂安的手机上，他凭借着那句话的印象，找到了米娅的家。
爱情意味着，有些事，你偶然提起，我却永远记得。
这部电影的原名是《La La land》，这个词汇很难准确的翻译，它是洛杉矶的昵称，也是俚语中迷醉和白日梦的意思。
米娅和塞巴斯蒂安多年后的重逢，他们相视一笑的告别和那段音乐中对二人感情的回溯与幻想，这一切，在如今看来就像个泡沫与幻梦。
啦啦啦，我们唱过，然后淡忘。
6 ) 知道《爱乐之城》这89个梗，你就能了解大半个歌舞片史
歌舞片已经不像它们在上世纪30至60年代那样普遍了，虽然每隔一两年我们还是能看到几部，但这些屈指可数的歌舞片大都在原地踏步，已无法恢复鼎盛时期的天真与烂漫。
此番《爱乐之城》能够脱颖而出，正是由于它返璞归真地采用好莱坞传统歌舞片的形式及法国导演雅克·德米(Jacques Demy)歌舞片的技法，去讲述一场通俗化的爱情故事。
从服装、歌曲到编舞都在创造一种怀旧的基调，使人怀念旧时的歌舞片。
不过它依然现代感十足，以免疏远当代观众。
对于歌舞片的探索精神也延伸至故事层面，就像《艺术家》(The Artist,2011)的默片形式，《爱乐之城》是用歌舞片的子类型（包括：传统的米高梅歌舞片、华纳歌舞片、大爵士及当代的乐队片、演唱会电影）在各段落相映成趣，有传承，又能带出类型演变，拥有历史底蕴的积淀。
它们同时又能服务于爱情主题，做到内外兼修。
导演达米安·沙泽勒深深知道如何保有过去的风格，还要朝前看。
男主角塞巴正是这样一种怀念过去好时光的乐迷，与当代那些杰出的音乐家相比，他陷入了一个尴尬处境——沉迷于对传统爵士之中，无法自拔。
片中组建乐队的塞巴同学（约翰·传奇 饰）对他说的那番话一语道破：“我知道，这不一样（指当代乐队），但你说你要拯救爵士，如果没人听，还怎么拯救？
因为你这样的人，所以爵士才在消亡。
你在灯塔咖啡屋对着90岁的老人表演，孩子们在哪里？
年轻人在哪里？
你执迷于肯尼·克拉克和塞隆尼斯·蒙克，这些人是革新者，如果你固守传统，怎么能成革新者？
你抱着过去不放，但爵士讲的是未来。
”这是话中有话，影片也在借爵士乐去诉说歌舞片的未来。
当代歌舞片不该默守陈规，应当在维系传统的同时去革新，使人呼吸新鲜空气，带来希望与荣耀，才能拥有闪烁、活泼的生命力，这才是它们曾经深受欢迎的原因。
相较于其他类型，歌舞片可能是最喜欢谈情说爱的，不同的是角色们都是能歌善舞的好手。
歌舞片也最仰仗公式化的创作套路，因此常被批评“幼稚可笑”。
这种看法，显然错失了用歌舞展现故事的魅力。
歌舞片难就难在控制故事与歌舞（音乐）的均衡，《爱乐之城》成功把歌舞融入故事，推动故事，替代对白。
不过在当今，能唱会跳又会演的明星几乎为零，高司令和石头姐都是非职业舞蹈演员，所以只能表演简单的舞蹈动作。
好在导演懂得用画面扬长避短，效果看起来仍然非常好了。
尽管不少技巧在前作《公园长椅上的盖伊和玛德琳》和《爆裂鼓手》中也见过，但此番效果和语境已然不同。
当然，洛杉矶的城市载体也很突出。
剧作上，用四季比喻爱情、事业的不同阶段，探讨个人对它们的妥协与坚持，以及它们的无法两全。
两人其实是用爱情为彼此的事业（梦想）树立了信心。
用悲剧收场，避免了传统歌舞片对于大团圆爱情的天真描绘，那只存在于童话中。
最后幻想的大团圆结局是一面镜子，从现实抽离又关照着现实。
用歌舞表现幻想、造梦是歌舞片惯用伎俩，可以弥补遗憾，道出梦想与现实的落差，加深音乐的治愈能量。
自古歌舞片就喜欢幻想奇景，因为多数时候，它们都是角色内心世界的外化。
说到底，歌舞片的柔情梦幻与现实世界是格格不入的，这也是为什么歌舞片在60年代后期由街头巷尾走向高山草原，由矿场学校走向歌楼舞厅，部部大场面的自然主义歌舞片应运而生之后，逐渐走向下坡路。
因为触及真实，便会把它原来的浪漫本性毁灭殆尽。
所以现在我们在很多动画片中，并不觉得它们突兀的原因，如《冰雪奇缘》《海洋奇缘》《了不起的菲丽西》等。
我们都知道，《艺术家》并不能为默片带来复兴，《爱乐之城》当然也无法对歌舞片带来革命，它有的一种情怀。
简单、纯粹，每个节拍（场）、每个鼓点（幕）都能敲中听者（观众）的心。
让人进入一个美妙世界，忘却现实的种种，我想这就足够了。
当然，《爱乐之城》更是一场精心为歌舞片爱好者设计的迷影电影，编导还把自己对于爵士乐的一点小趣味也藏在其中，玩的不亦乐乎。
影片在模仿前人的姿态时，还能延续其精神，迷影、复古又革新。
下面回到我的常规套路中来，展开说一下藏在片中的陈年老梗。
我已经在脑（掉）洞（影）联（袋）想的道路上越走越远了，然而（不止本片）很多都得到了导演本人的承认。
ps:我给桃姐的时候是82个梗，晚上梦游时又补充了7个，剩下一个留着你们补充吧，最好给我强有力的论证。
1.
《爱乐之城》中的“西尼玛斯科普”
《圣袍千秋》中的“西尼玛斯科普”首先，《爱乐之城》采用了古老的西尼玛斯科普式宽银幕立体声电影(Cinemascope)，这是20世纪福斯于1953年推出的银幕系统，银幕比例是2.55:1，电影《圣袍千秋》(The Robe)由此成为第一部宽银幕电影，后来各大公司对于宽银幕的竞争激烈（此处省略一万字），使得《谍报飞龙2》(In Like Flint,1967)成为最后一部西尼玛斯科普影片。
算起来，《爱乐之城》还是时隔50年之后的回归。
“舞王”弗雷德·阿斯泰尔最后一部米高梅歌舞片《玻璃丝袜》(Silk Stockings,1957)有一首歌就调侃过：“这个时代想让观众进电影院光有明星已经不够了，还要有Technicolor、Cinemascope和立体声。
”《爱乐之城》用的是超35毫米胶片，配合潘纳维新 (Panavision)两倍压缩比变形镜头（左右略裁）仿2.55:1画幅。
所以我们在片头看到的是“Presented in Cinemascope”而不是“A Cinemascope production”。
开头的黑白+4:3“顶峰娱乐”的厂标结束后，画幅慢慢拓展成色彩斑斓的西尼玛斯科普式宽银幕，已传达了它的复古定位（国内院线版在“顶峰娱乐”之后还加入了香港某公司的厂标，实际上破坏了黑白4:3的过渡）。
2.3.
《纽约，纽约》影片纵向比较的参照对象是《艺术家》，理由上文已说明；横向比较是马丁·斯科塞斯的歌舞片《纽约，纽约》(New York, New York,1977)，那部片男女主角的身份是爵士乐手和歌手，同《爱乐之城》中爵士钢琴家、演员相似，同样围绕他们的爱恨交缠与人生困惑展开。
其实，无论是百老汇音乐剧还是好莱坞歌舞片，都喜欢让主角在爱与工作中找寻幸福，两个目标交织在一起更是驱动剧情的动力。
两部影片的共性还有很多，稍后再续。
4.9.
《爱乐之城》
《柳媚花娇》
《名扬四海》开篇那场一镜到底的洛杉矶交通阻塞，据导演本人证实，是从戈达尔的《周末》(Weekend,1967)、费里尼的《八部半》(8½,1963)片头和乔·舒马赫的《城市英雄》(Falling Down,1993)片头找寻的灵感。
但是人们纷纷下车起舞歌唱，是在呼应雅克·德米歌舞片《柳媚花娇》(Les Demoiselles de Rochefort,1967)的开场部分，让歌舞场面具有临场感。
这场戏也与德米的另一部歌舞片《瑟堡的雨伞》(Les parapluies de Cherbourg,1964)一样，所有对白都是唱出来的，好像他们生来就用歌声表达一样。
仔细看能发现，这场戏的歌曲应该均为幕后配唱，这也是遵循《瑟堡的雨伞》的特点，演员不会唱歌，由幕后配唱。
整场戏一镜到底（由三个镜头后期拼接而成）调度酣畅淋漓，充满活力。
雅克·德米歌舞片就是将场景置于实景中，轻快、时尚、朝气蓬勃。
当然，包括如嘉年华般的街舞、体操的融合，包括人们在车顶起舞，是借鉴了艾伦·帕克的歌舞片《名扬四海》(Fame,1980)。
《公园长椅上的盖伊和玛德琳》导演一直都是雅克·德米的死忠，在其处女作《公园长椅上的盖伊和玛德琳》开场，就能看到《瑟堡的雨伞》的印记。
《爱乐之城》顺便说，米娅挡住了塞巴的去路，结下一个小小的梁子是典型的好莱坞神经喜剧(Screwball comedy)的开场套路，引出冤家男女的相遇方式。
不少歌舞片也喜欢采取这种出场，比如《我爱马文》(I Love Melvin,1953)等。
10.
英格丽·褒曼是贯穿米娅灵魂的人物，米娅的卧室床边挂有一幅巨大的英格丽·褒曼海报，后被撤下。
在导演2013年完成的原始剧本中，其实有更多关于褒曼的故事：① 米娅公寓的海报对应结尾结婚之后新家的海报（正片中新家并未再出现）；② 米娅和塞巴聊天时有详细讲过《美人计》中被褒曼表演打动的细节（正片只提到了她的姑妈小时候带她去看过很多老电影，其中包括《卡萨布兰卡》和《美人计》）；③ 褒曼在DOS的第一次试镜，米娅给这个试镜做了旁白。
④ 播放《美人计》那段经典吻戏时，米娅念褒曼的台词与银幕上的男主角加里·格兰特互动。
结尾米娅还说了一句：“Here I am crying for a dead actress I never even knew. That’s L.A.”尽管正片中已经看不出褒曼这条线，但涉及她的点还是散落于各处。
11.
《爱乐之城》
《卡萨布兰卡》除去《纽约，纽约》，另一大致敬影片是《卡萨布兰卡》(Casablanca,1942)，这是导演有意为之的。
它虽不是歌舞片，主轴却有共通之处。
对白约有两次提到《卡萨布兰卡》，当米娅向塞巴介绍华纳片场时，指着咖啡馆外的窗户说那儿曾是褒曼和鲍嘉拍《卡萨布兰卡》(Casablanca,1942)的场景。
仔细看，还能看到窗下一家名为“Parapluies”的店铺（法文“雨伞”的意思），这里一定是导演有意为之，因为这又是一处小小的对《瑟堡的雨伞》的致敬，《瑟》片名也有“Parapluies”的单词，女主角家也是经营一家伞店。
《爱乐之城》
《卡萨布兰卡》《爱乐之城》最后20分钟充满深深的惆怅与遗憾，已经成家的米娅和丈夫偶然走进塞巴开的爵士俱乐部，他们各自实现了梦想，却与他们的爱情失之交臂。
当两人的目光交织在一起，正是《卡萨布兰卡》情节的再现。
“全世界有这么多城市，城市里有这么多酒吧（俱乐部），可她却偏偏来到了我这儿。
”《卡萨布兰卡》中是里克夜总会，里克不得不对他的命运做出一次抉择；《爱乐之城》是塞巴爵士俱乐部，也通过臆想的方式做出了命运的另一版结局，它从现实抽离却又关照着现实，是一面镜子，映出梦想与爱情、现实与童话的落差。
12.
《瑟堡的雨伞》最后一幕的错过与遗憾，也令人想起《瑟堡的雨伞》的凄美结局——多年后，已嫁做人妇的女主角在加油站见到同样已婚的男主角，但他们只能相视以对，默默离开。
13.
《爱乐之城》
《无因的反叛》中的葛瑞菲斯天文馆塞巴和米娅的约会电影是《无因的反叛》(Rebel Without a Cause)，后来米娅提议去葛瑞菲斯天文馆，不只因为可以在馆内看到“繁星”（呼应主题曲〈繁星之城〉），更因为那是《无因的反叛》高潮戏的发生地。
在影院看电影那场戏，刚好演到《无因的反叛》天文馆一幕。
14.《匪帮传奇》删减片段_腾讯视频石头姐和高司令之前拍《匪帮传奇》(Gangster Squad,2013)时，也有在葛瑞菲斯天文台拍过一段感情戏，不过最终成片被删掉了，可以在蓝光碟的删除片段里找到。
对比看来，颇有前世今生的感觉。
15.
《爱乐之城》
《无因的反叛》男女主角都穿过红夹克，红夹克也是《无因的反叛》中詹姆斯·迪恩的经典行头。
迪恩在片中演一个反叛青年，那件红夹克可以说是年轻、反叛的象征。
影片似乎有意把英格丽·褒曼视作米娅的精神符号，把詹姆斯·迪恩视作塞巴对于老电影的一种精神符号。
在《爱乐之城》开始，米娅经过好莱坞大道旁的《You Are the Star》壁画时，里面也有一个穿红夹克的詹姆斯·迪恩。
16.
《爱乐之城》
《无因的反叛》“繁星"在《无因的反叛》中的天文馆中也有出现17.
《爱乐之城》
《百老汇旋律1940'》在星空共舞的设计灵感出自《百老汇旋律1940'》(Broadway Melody of 1940,1940)中弗雷德·阿斯泰尔与埃利诺·鲍威尔共舞的场面。
百老汇舞台的美术置景仿若星空， 两人轻盈无瑕的舞姿更是置身星空。
18.
《曼哈顿》另外，需要知道的一点是——导演达米安·沙泽勒和摄影指导莱纳斯·桑德格伦(Linus Sandgren)都是伍迪·艾伦的粉丝（我甚至有理由怀疑导演可能也是单簧管手伍迪·艾伦的乐迷），这部电影你能看到很多深受《曼哈顿》(Manhattan,1979)影响的桥段。
包括两部片对于城市和爱情的描绘，让人感觉鲜活无比。
《曼哈顿》有一场戏就是伍迪·艾伦和戴安·基顿为了避雨躲进一个天文馆，有场对话戏也是在星空的背景前展开。
19.
《爱乐之城》
《曼哈顿》“冬天”之前那一幕，两人气定神闲坐在格里芬公园的长椅上，发现从未停下来欣赏过白天的景色，这又是一处致敬伍迪·艾伦《曼哈顿》的镜头，那里面伍迪也说从未真正欣赏过这里的风景。
20.
《爱乐之城》
《人人都说我爱你》再说飞天戏，伍迪·艾伦的歌舞片《人人都说我爱你》(Everyone Says I Love You)中也有歌蒂·韩腾空飞舞的镜头，不过两部片的最大共同点，恐怕还是用四季来代表叙事篇章了，只不过《人》没有明确用四季的标题来区别，但《瑟堡的雨伞》是分标题讲故事的。
21.
《爱乐之城》
《红磨坊》云层之上牵手共舞的场面可参考的对象是巴兹·鲁赫曼的音乐、歌舞片《红磨坊》(Moulin Rouge!,2001)。
22.
《爱乐之城》
《睡美人》星空中的翩翩双人舞是迪士尼动画片《睡美人》(Sleeping Beauty,1959)的再现。
23.
《爱乐之城》
《雨中曲》米娅和赛巴踱步到山上时，赛巴抓着灯柱开嗓无疑是《雨中曲》(Singin' in the Rain,1952)中金·凯利唱着《Sing'in the Rain》在雨中绕着路灯起舞的画面，就差手里拿把伞了。
《我爱马文》《雨中曲》两年后，另一位主角唐纳德·奥康纳在歌舞片《我爱马文》又照搬了这个动作。
《爱乐之城》里的好多路灯…路灯是好莱坞歌舞片的常见元素，即便进入60年代，由舞台走向了真实世界，路灯依然是经久不衰的布景、道具，无论是60年代的《电话皇后》(Bells Are Ringing)还是70年代的《纽约，纽约》。
24.29.
《爱乐之城》
《礼帽》
《篷车队》《爱乐之城》山上的双人舞明显致敬了米高梅“舞后”和“舞王”——金姐·罗杰斯与弗雷德·阿斯泰尔，（费里尼的《舞国》(Ginger e Fred,1986)就是以他们俩为原型拍摄的），在导演的原始剧本中也是这么描述的：“dissolving into a Fred-and-Ginger-style dance”。
金姐和弗雷德是统御30年代的歌舞搭档，他们从1933至1939年间，合作九次，十年后又又一次。
他们主演的歌舞片，从剧情、歌曲到视觉韵律，完全随二人悠然自在的银幕人格达成。
《爱乐之城》这场舞遵循两人舞蹈场面的特点，用一镜到底的长镜，任由摄影机单纯跟随舞步，甚少使用面部特写，以便完整保留流畅的肢体动作。
不过由于高司令和石头姐舞蹈功底不高，所以只好用慢舞呈现。
真正比较起来，金姐与弗雷德主演的《礼帽》(Top Hat,1937)是与之最接近的，其一，他们在中跳完这支舞后，才“化解”了之前结下的“小梁子”；其二，这场舞曾被雷声打断了一小下，而《爱乐之城》最后是被手机铃声打断。
公园和路灯的主场景又如《蓬车队》(The Band Wagon,1953)里的复刻，这两部老片梗也是得到导演本人承认的。
那个经典表情“土豪，我们做朋友吧”就是出自《蓬车队》。
《爱乐之城》/《黄金梦》
《一个美国人在巴黎》/《伦巴》高司令和石头姐在海报上这个动作，颇像《黄金梦》(You'll Never Get Rich,1941)中弗雷德·阿斯泰尔和丽塔·海华斯的剧照（注意，是剧照，与正片有所出入）。
至于米娅的黄裙能在百老汇歌舞剧《一个美国人在巴黎》和法国歌舞片《伦巴》(Rumba,2008)觅得踪迹。
在此特别介绍《伦巴》主创合作的所有影片《仙女》、《伦巴》、《爱上冰山的女人》，都是非常棒的带有歌舞色彩的喜剧。
《爱乐之城》
《伴我婆娑》米娅和塞巴坐在长凳上的舞步，比较接近的是金姐与弗雷德在《伴我婆娑》(Shall We Dance,1937)中经典旱冰舞的前奏小热身。
30.
《爱乐之城》
《伴我婆娑》弗雷德·阿斯泰尔被誉为“舞王”，你能在《爱乐之城》中找到他多部作品的影子，帽子和拐杖（或棍子）是弗雷德的经典道具。
塞巴在码头拾起一顶帽子，归还前用了几个简单的动作，这正是弗雷德帽子舞的入门级。
帽子是弗雷德的符号，并没有明确的电影指涉。
31.32.
米娅的女室友段落，如《油脂》(Grease,1978)+《巴黎之恋》(Les Girls,1957)中的女室友段落。
33.37.
《爱乐之城》
《西区故事》米娅和室友们共舞，她用窗帘围在身上做出一个女神打扮，60年代经典歌舞片《西区故事》(West Side Story,1961)里的娜塔莉·伍德也用一条绸布裹在身上，扮演女神。
《爱乐之城》
《花鼓歌》其中一名女室友的扇子舞来自《花鼓歌》(Flower Drum Song,1961)，这是好莱坞屈指可数的以中国人为题材的歌舞片，片中除展现南方的花鼓歌之外，还有扇子舞。
实际上，片中只出现了黄白相间的折扇，蓝色这把只存在于海报封面。
广告画《伞下的狂欢》远处餐厅位置的黄色海报并非《雨中曲》的某款海报，它是广告绘画之父卡皮耶洛(Leonetto Cappiello)的广告画《伞下的狂欢》(Parapluie Revel)，比《雨中曲》还要早。
值得注意的是，法语"Parapluie"这个单词再度出现。
《爱乐之城》
《生命的旋律》米娅和室友在大街上翩翩起舞，对应的是60至70年代的歌舞片大拿鲍勃·福斯的《生命的旋律》(Sweet Charity,1969)中天台那场戏。
《爱乐之城》这场戏的优势在于色块的运用明亮饱满，编舞具有冲击力，且不失俏皮活泼。
不过鲍勃·福斯对于《爱乐之城》并没多少影响，他的歌舞片多是将歌舞与故事分离，除了《生命的旋律》，他也并不擅长用色。
鲜艳着装是雅克·德米歌舞片的特点，他以各种鲜艳的颜色去妆点角色，单从颜色就已经做到赏心悦目。
《爱乐之城》
《纽约，纽约》威廉·克莱因在纪录片《百老汇之光》(Broadway by Light,1958)里拍摄的夜色中的霓虹灯光给人留下了深刻的印象。
许多老电影在表现舞林酒池、声色犬马的场面时，也喜欢用这种霓虹灯的色彩与角色的行为进行叠化，这是一种惯用手法，老马的《纽约，纽约》里也有这种镜头。
之前有国外网友剪的视频里指出这里对应的是《雨中曲》，我认为是不恰当的。
38.41.
《爱乐之城》
《甜姐儿》米娅那条黑色紧身长筒裤+白袜+黑鞋的造型，是《甜姐儿》(Funny Face,1957)中奥黛丽·赫本的经典款式。
《爱乐之城》
《一个明星的诞生》米娅在独幕剧中穿的黑西装联想起《一个明星的诞生》(A Star Is Born,1954)中朱迪·加兰演出歌舞剧时的那身。
话说朱迪·加兰的女儿丽莎·明奈利也是鲍勃·福斯超级无敌牛逼歌舞片《歌厅》(Cabaret,1972)的女主角，石头姐可是演过百老汇版本的《歌厅》。
《爱乐之城》
《瑟堡的雨伞》塞巴在片头、片尾两次身着咖啡色西装，应当还是参考了《瑟堡的雨伞》中男主角在中后段的那身服装。
咖啡色也符合塞巴这个“怀旧人士”的象征。
《爱乐之城》
《瑟堡的雨伞》米娅与塞巴有次夜晚散步，穿了件粉长裙，也借鉴自《瑟堡的雨伞》中女主角的长裙，尽管款式不同，但颜色和领口设计却极为统一，且同样出现了相似的构图和走位。
42.
米娅与塞巴相爱后的第一场戏，她在写自己的独幕剧，剧中角色叫吉娜维芙(Geneviève)，此名正是《瑟堡的雨伞》里女主角的名字。
感谢@汽车大师 告知，一度以为这是写信……43.
塞巴在餐厅里演奏的音乐是耳熟能详的圣诞应景歌"We Wish You A Merry Christmas"和"Deck The Halls"，在导演的原始剧本中写的曲目是《银色圣诞》(White Christmas)，出自老一辈美国观众都曾看过的经典同名圣诞电影的主题曲。
不过现在正片中用的两首更能俘获年轻观众，也更有喜感。
银色圣诞 (1954)7.71954 / 美国 / 喜剧 爱情 歌舞 / 迈克尔·柯蒂兹 / 平·克劳斯贝 丹尼·凯耶这家餐厅是在WB studio lot附近的Smoke House拍的，历史悠久，和好莱坞的联系也很深。
大本的《逃离德黑兰》(Argo,2012)也有在这儿取景。
44.
《爱乐之城》
《葛伦·米勒传》塞巴带米娅去听爵士乐那场戏，是向上世纪50年代的大爵士电影致敬，尤其像极了《葛伦·米勒传》(The Glenn Miller Story,1954)中摇摆爵士大师葛伦·米勒带妻子去听路易.阿姆斯壮（由本人亲自扮演）的音乐一幕。
《爱乐之城》这场戏与之后的演唱会（炫目的灯光、躁动的观众）一幕戏形成对比，同时带出音乐类型片的演变（也就是现在的演唱会纪录片），暗示爵士乐时代的一去不复返，更加阐明了约翰·传奇那番话的精髓：固守传统，怎么能成革新者？
（想来我这种“老片痴影患者”也是如此吧……）
《爱乐之城》另外，60至80年代带有清新活力的音乐片（披头士、猫王的音乐电影和之后的乐队电影，导演初始剧本中描绘的是80年代风格）在片中也有出现（上图一幕），他们用流行歌曲丰富文化内容，为一成不变的歌舞片带来一股新风，对于音乐电影的革命也是标新立异的。
45.
《爱乐之城》
《蔑视》很多影片都有通过背景墙的色彩变化来表现人物，金·凯利在歌舞片《一个美国人在巴黎》中也用过，戈达尔在《蔑视》(Le mépris,1963)中的使用保持了动作的连贯性。
46.
《爱乐之城》
《迷魂记》塞巴家的夜戏几乎都是全绿色的室内戏，包括两人的第一次情感转折戏，是通过霓虹灯透过窗帘来营造效果。
这显然是从希区柯克的《迷魂记》(Vertigo,1958)那里学来的，《迷魂记》中的酒店外拥有巨大的绿色霓虹灯，透过细孔窗帘映射在朱迪的房间中，使整个房间弥漫绿光。
最经典的一场戏，当更衣后的朱迪走出浴室，视觉上感觉她变成了玛德琳，沐浴在朦胧的绿光下，如梦幻柔软的回忆，而史考特也在此时退出他的浪漫幻想进入现实。
在《爱乐之城》中，绿色霓虹灯也突出了一种朦胧的美感。
（托朋友专门向导演进行了求证，导演的解答是：对，对，绿色的霓虹灯光从背景打过来。
那其实是一个临时的主意，Lina，我们的摄影师想要这样一个致敬的镜头。
这也说明就算在那样一个情感上非常现实的场景，你也想要一点点魔术，一点点老派好莱坞，整部电影的各个方面，都是这个来一点，那个来一些，保持一个混搭的状态。
）47.54.
《爱乐之城》
《迷魂记》《迷魂记》中的旋转多圈接吻镜头已经影响了不少影片，《爱乐之城》臆想部分的的开始段落也使用了该手法，只不过它的转速要比《迷魂记》快许多。
《爱乐之城》
《瑟堡的雨伞》臆想段落中的红色舞厅是参考自《瑟堡的雨伞》中的舞厅，这里是水手流连的地方，注意左边那根柱子也得到了保留。
《爱乐之城》
《一个美国人在巴黎》通过小号转变的半圆黑洞，是参考自《一个美国人在巴黎》中的塞纳河畔的场景，半圆黑洞即桥洞。
《爱乐之城》
《红气球》臆想部分的歌舞串联，出现了法国片《红气球》(Le Ballon Rouge,1956)中手持红气球的男孩身影。
它并不是歌舞片，可能只是导演的个人喜好，不过影片讲述的是一个男孩发现一个红气球，它仿佛有生命，在它的带领下，男孩走过巴黎的大街小巷。
影片充满超现实的风格，让人联想到保罗·克利以及杰昂· 米罗等画家的作品。
所以放在《爱乐之城》臆想段落中，同时搭配艺术布景和巴黎的背景。
这场戏还有一位水手形象，水手可是歌舞片的常见角色，无论是弗雷德·阿斯泰尔（《海上恋舞》(Follow the Fleet,1936)）、金·凯利（《起锚》(Anchors Aweigh,1945)、《锦城春色》(On the Town,1949)）还是雅克·德米（《柳媚花娇》）歌舞片或多或少都有水手的形象。
《爱乐之城》
《甜姐儿》《甜姐儿》(Funny Face,1957)中奥黛丽·赫本在凯旋门前的七彩气球也有出现。
在形式方面颇有风格，服装以及摄影上鲜艳的色彩运用令人印象深刻。
《爱乐之城》
《雨中曲》后台入口这个洁白空旷的大舞台，是《雨中曲》中两个元素的结合。
这场戏的舞台是典型的米高梅歌舞片的场景，并没有明确的电影指涉。
值得一提的是，该场景在男女主角之前参观华纳片厂6号棚时已有出现（包括路灯、地球仪），所以说电影是造梦的艺术，而梦又是来源于现实。
55.57.
《爱乐之城》
《1933淘金女郎》剪影效果重现了试镜一段，这是舞蹈指导巴斯比.伯克利(Busby Berkeley)在《1933淘金女郎》(Gold Diggers of 1933,1933)中的独特烙印。
之前曾介绍过巴斯比（可跳转至：请您欣赏：肉山人海万花筒），他除了具有用摄影机运镜把团体表演转化成部队操练的本事外，最厉害的就是能将极具创意的摄影技巧融入舞蹈形式中。
而男女主角的剪影最后相拥的镜头出自《广告员》(The Hucksters,1947)中盖博和寇尔的剧照（正片中并无）。
另外，前两年有新闻说，高司令要拍巴斯比.伯克利的传记片，也算个有趣的巧合了。
《广告员》剧照
《公园长椅上的盖伊与玛德琳》实际上，达米安·沙泽勒在导演处女作《公园长椅上的盖伊与玛德琳》中就有用过侧面剪影的拍法。
58.59.
《爱乐之城》
《一个美国人在巴黎》《美国人在巴黎》(An American in Paris,1951)的芭蕾舞蹈部分，剪辑转场用的都是舞蹈姿势（最出名的可能是复刻罗特列克的画作《Chocolat Dancing in the Irish American Bar》那段），而《爱乐之城》里则用到了很多次乐器（钢琴海报，演奏中的小号等）来做剪辑转场。
《一个美国人在巴黎》整个歌舞串场更是从《一个美国人在巴黎》结尾长达17分钟金·凯利的臆想中得来的，随着印象派布景的变换，加上不同的舞法与形式，令人目不暇接。
两部片同样营造出巴黎的气氛。
只不过《爱乐之城》的臆想片段里埋有很多老好莱坞歌舞片的影子。
幻想其实也是歌舞片经常使用的手段，文森特·明奈利是用歌舞场景展现角色幻想和情绪的高手，《一个美国人在巴黎》以前另一个比较典型的是《风流海盗》(The Pirate,1948)里对朱迪·嘉兰演的女主被传奇海盗的故事吸引，从而春心萌动的部分（其实就是艺术的表达女主角的性幻想）。
此外，巴斯比·伯克利在《1935年淘金女郎》(Gold Diggers of 1935,1935)》中的"Lullaby of Broadway"部分也是典型的用歌舞段落表现梦境，而且还是个非常残酷的梦境结局。
其他场景性内容：60.73.
《爱乐之城》
《柳媚花娇》米娅所在的咖啡馆似乎也参考了《柳媚花娇》中的小馆。
《爱乐之城》
咖啡馆里的三张黑白照分别是：好莱坞女星拉娜·特纳、电影《好莱坞巡游》(Hollywood on Parade,1932)剧照：平·克劳斯贝和玛丽·碧克馥、好莱坞女星丽塔·海华丝。
《爱乐之城》
《人人都说我爱你》用墙上的海报来做迷影，在很多影片中都出现过。
《人人都说我爱你》中德鲁·巴里摩尔的房间中也出现过很多歌舞剧的海报。
米娅房间的墙上还贴有《金发女吸血鬼》(The Blonde Vampire,1922)、《勇气》(The Dove,1927)、《野百合》(Lilies of the Field,1930)、《黑猫》(The Black Cat,1934)的和《百老汇的淘金者》(Gold Diggers of Broadway,1929)海报，客厅还有《绣巾蒙面盗》(The Killers,1946)的海报，奇怪的是这些影片都不是歌舞主题。
《爱乐之城》亚里托影院门口张贴的海报则有两张《无因的反叛》、《无线电巡逻》(Radio Patrol,1937)和《永别了，武器》(A Farewell to Arms,1932)。
以及词汇方面的：74.
《爱乐之城》影片中使用的语言和词汇也很旧式，比如塞巴和姐姐的对话中，他用到了“Shanghaied”这个词，这是个老词，有“拐骗”之意。
曾出现在多部好莱坞老电影中，1909年美国拍了部电影《Shanghaied》，后来用“shanghai”命名的影片不下十部，内容多是有关绑架和诱拐的。
卓别林1915年也拍过一部《Shanghaied》的海上诱拐喜剧。
包括后来的《上海特快》(Shanghai Express,1932)、《上海小姐》(The Lady from Shanghai,1947)、《上海惊奇》（惊爆天狼星/Shanghai Surprise,1986)的片名都有贬义。
希区柯克在《奇怪的富翁》(Rich and Strange,1931)结尾，也是让主角上了中国人的船，同样有这层意思（它的另一个片名叫“East of Shanghai”）。
75.
《爱乐之城》
《纽约，纽约》片尾结束时，"The End”下方用了"Made in Hollywood U.S.A"字样，这也是一个非常标准的老电影片尾。
老马的《纽约，纽约》里的戏中戏“happy endings”里面也有这个细节。
片中的爵士乐梗：76.72.
约翰·柯川和比尔·伊文斯塞巴家中出现大量关于爵士乐的梗，首先是约翰·柯川(John Coltrane)和比尔·伊文斯(Bill Evans)，这两张照片都是两人非常标志性的照片。
前者是人类历史上最牛X且著名的萨克斯风手，后者是人类历史上最牛X且著名的爵士钢琴手。
《爱乐之城》
霍奇·卡迈克尔塞巴不让劳拉坐的小板凳，是著名爵士男歌手、作曲家霍奇·卡迈克尔(Hoagy Carmichael)坐过的板凳。
而塞巴说的“The Baked Potato”把它扔了，“The Baked Potato”是洛杉矶富人区Studio City的一家爵士乐餐厅俱乐部。
塞巴后来成立俱乐部后，约翰·柯川和比尔·伊文斯的照片以及霍奇·卡迈克尔坐过的板凳再次出现。
劳拉说给塞巴带了一块小地毯，塞巴不要，劳拉说“如果迈尔斯·戴维斯(Miles Davis)在上面尿过尿你是不是就要了”。
迈尔斯·戴维斯是最伟大的爵士乐大师，小号手。
无数伟大爵士乐大师的导师，Cool Jazz创始人，最早开始Bop Jazz演奏的人之一。
前面出现的两张照片里的约翰·柯川比尔·伊文斯，在50年代末都曾经是迈尔斯·戴维斯的五重奏乐队中的乐手，录制过包括《Kind of Blue》在内的多张爵士乐经典唱片。
劳拉走后，塞巴开始随着唱片练琴，曲子是爵士钢琴演奏家西洛纽斯·蒙克(Thelonious Monk)的曲目《Japanese Folk Song》。
73.83.
在塞巴工作的餐厅里，“魔鬼老师”J.K.西蒙斯不让他演奏自由爵士(Free Jazz)，但其实塞巴只不过是一些即兴演奏，而不是真正的自由爵士。
可能是，如果使用真正的自由爵士的话，不光是餐厅里的客人，恐怕连银幕前的观众们都会受不了的。
当米娅说她恨爵士乐后，塞巴带她去了一家爵士乐俱乐部，台上的乐队是典型的爵士五重奏组合，即：小号手、萨克斯風手、贝司手、钢琴手和鼓手。
在这个部分，最突出的是介绍爵士乐和调侃肯尼·基(Kenny G)。
这里有几点需要说明：1、关于爵士乐的起源，塞巴讲的只是很小的一个方面，其实爵士乐的起源非常复杂，是一黑人音乐为根源的多民族多类型音乐经过很多年多融合后形成多音乐类型。
2、重点来啦！
调侃肯尼·基。
在塞巴兴致勃勃地发表了一大通关于爵士乐的blah blah之后，米娅很认真地提到肯尼·基和“电梯音乐”！
这几乎是现实生活中爵士乐迷和爵士乐手都无法容忍的，就是，把肯尼·基和他的“电梯音乐”当成爵士乐。
肯尼是人类历史上最畅销以及最被鄙视（被爵士乐界）的萨克斯風选手。
至今并且仍然继续被卖出的唱片已经超过75，000，000张，这个数量“甚至比所有爵士乐手的唱片销量总和还要多。
虽然肯尼先生从未说过自己演奏的是爵士乐，但无奈很（suo）多（you）他的粉丝都认为自己听的是爵士乐。
而肯尼另一个最为人所知的就是其乐曲经常被用在电梯内和商场关门时，所以他的音乐也被调侃成“电梯音乐”。
顺便说一句，想到米娅当时那张认真的脸，我就想笑。
3、在米娅很认真地提到肯尼·基之后，塞巴说到了萨克斯风演奏家，以高音萨克斯风为主奏乐器的先驱者西德尼.波切特(Sidney Bechet)。
台词是这样的“Sidney Bechet shot somebody because 他弹错了一个音…”导演达米恩·查泽雷似乎很喜欢在自己的电影中使用一些爵士乐手们并不存在的趣（hu）闻（bian）轶（luan）事（zao）。
就像在《爆裂鼓手》中说爵士打击乐传奇人物乔.琼斯(Papa Jo Jones)向爵士乐历史上最才华横溢的萨克斯风手查理·帕克(Charlie Parker)扔钹片一样，都没有真的发生过。
不过，在米娅给塞巴未来的俱乐部设计logo时，塞巴又一次提到了查理·帕克，并且说他的绰号是“Bird”，这个倒是对的。
（克林特·伊斯特伍德拍过他的传记片《火鸟重生》(Bird,1988)）84.
塞巴上台介绍乐手，这个桥段设计的很有深意，每一个乐手的名字都对应了一个现实中的伟大爵士乐音乐家：萨克斯风手：Cal Bennett → Tony BennettTony Bennett：这个不用说了吧，现今唯一存活的爵士乐大师，爵士男歌手，一大堆名曲，就算你没停过这个人，但我不信你没听过他的歌。
小号手：Javier Gonzalez → Ruben GonzalezRuben Gonzalez：著名拉丁爵士乐手，古巴三大钢琴手之一。
贝司手：Nedra Wheeler → Kenny WheelerKenny Wheeler：著名小号演奏家以及柔号（Flugehorn）演奏家。
鼓手：Clifton“Fou Fou”Eddie → Eddie HigginsEddie Higgins：爵士钢琴演奏家。
钢琴手：Khirye Tyler → 这个完全想不到对应人物，但我觉得既然前四个乐手都有对应人物，那这个应该也有。
要么就是这个乐手是钢琴手，而塞巴自己就是钢琴手，所以故意没有设计成有现实对应人物。
当然这个就纯属个人YY了。
导演前作的影子：当然，片中还埋有导演前作的影子，包括《公园长椅上的盖伊与玛德琳》、《爆裂鼓手》及编剧作品《夺命钢琴》，在这里也可以看出他的作者风格了。
希望将来能看到沙泽勒不拍音乐题材的电影会是什么样。
85.
《爱乐之城》
《爆裂鼓手》
《公园长椅上的盖伊与玛德琳》达米安·沙泽勒的三部电影都有对于架子鼓的迷恋。
86.87.塞巴和玛德琳在厨房烹饪时，出现的配乐《Summer Montage/Madeline》是《公园长椅上的盖伊与玛德琳》的旋律之一：电影院一吻中也有用到《爆裂鼓手》的配乐《No Two Words》：88.
达米安·沙泽勒的导演处女作《公园长椅上的盖伊与玛德琳》中男女主角的名字“盖伊”、“玛德琳”出现在了华纳片厂的一块背景板之上（似乎是一部虚构的宝莱坞歌舞片）。
89.
《爱乐之城》
《爆裂鼓手》
《夺命钢琴》沙泽勒特别喜欢“你要是弹错一个音符，你就死定了”这个点，《爆裂鼓手》长短片版以及编剧作品《死亡钢琴》(Grand Piano,2013)都有这一概念，到《爱乐之城》变成弹奏自己曲目就要被开除，且三次这个主控者都是由J·K·西蒙斯扮演。
好了，写完。
再次感谢冻鸦和t-_-f的帮助，辛苦！
祝大家过个好节！
7 ) 如果你也做过梦
前往影院看La La Land的路上，年末的纽约气温已经零下。
我靠在车窗上，看到影院对面的剧院亮起Broadway音乐剧Holiday Inn的巨大电子招牌，时代广场霓虹闪烁。
我突然想起这一年来共事过的演员和导演，一场场戏落幕后大家各奔前程，他们中的不少人，已经纷纷登上了更大的全美巡演舞台，拿到了高收视美剧的常驻角色，签了工会，进了更大的经纪公司……我想着了不起的他们，不知道属于自己的明天在哪里。
然后进了影厅，坐在黑暗里默默流了今年为电影落得最多的一场泪。
我对导演Damien Chazelle的感激大于赞叹。
因为他在这部片中对生活细节的真实还原，因为他对逐梦人缘于无比惜取的心领神会。
导演远远不止懂得有关追梦的一切，他不止记得，不止对此记忆犹新，还一改前作《爆裂鼓手》中对待艺术追求激进冷峻的态度，小心翼翼地为这份心意慷慨铺陈上洋洋洒洒的一层金。
那片闪耀的金，是导演对好莱坞黄金时代歌舞片的致敬与礼赞。
这部年轻的歌舞片中，俯拾皆是歌舞片最辉煌时期散落的传奇碎片。
在导演全新的创意编排下，这些因岁月变迁逐渐从观众心中蒙尘褪色，本该仅属于经典歌舞片爱好者敝帚自珍的怀旧片段，在半个世纪后的银幕上得以再一度激荡回响。
天文台星空中梦幻般的翩翩双人舞剪影取材自迪士尼经典动画电影《睡美人》；夜幕低垂，遥望于万家灯火之上，男女主角在路灯下倾情一舞的灵感来自1953年的经典歌舞片The Band Wagon与1937年的歌舞片Shall We Dance, 女主Mia和女伴们在大马路上的惊鸿一瞥改编自1969年的歌舞片Sweet Charity; 几代人的心头好Singin' in the Rain也大量出现在了诸如Sebastian手抚灯柱唱歌的经典再演绎，最后的幻境群舞也同样借鉴了An American in Paris的芭蕾桥段。
不止场景与编舞，服装与影片色调同样充斥着黄金时代的怀旧情怀，可以时时看到1964年的法国电影The Umbrellas of Cherbourg与另一部1967年的法国歌舞片杰作The Young Girls of Rochefort中的色彩美学对本片电影画面深入骨髓的影响。
若不是现代科技与生活元素的提醒，抛开现代剧情，几乎让人错觉这一切故事发生于过去许久的另一个时空。
那方流光溢彩的金，更是LA，那个永远都恍如缥缈梦境一般的西岸城市。
置身其中会觉得呼吸间都是全城逐梦者的激昂叹息，一个离开之后想起会觉得人生中也有过绮梦一场的地方。
我想起两年前，我决定逃离使我倍感憋闷无梦可做的北加州，带上我自己十几个箱子的所有家当，驱车九小时后在深夜到达了LA的新住处。
第二天清晨走在房子前面安静的小径上，那时我所看到的朝霞，整片天空粉紫中泛着金，空气中充满足以麻醉所有初到不安和失败痛楚的清甜。
我一瞬间意识到，这就是LA。
这里的所有一切，无论何处都不会再有，这座城市，绝不能够被任何一处其他地方替代。
它是LA，也叫LA LA LAND。
LA LA LAND让所有逐梦的人相信，此地不可被替代，千万里迢迢来到这里的逐梦人也同样如此。
本片的故事，始于此，却注定源源不绝。
推开窗户是Another Day of Sun, 并无新事。
换一对主角，又必将是在同一片土地上另一番逐梦的全新篇章。
Mia是一个演员。
每一次试镜都是一次足以转变命运的机会，可机遇却与她一次又一次地错肩；Sebastian是一个沉迷爵士乐的钢琴师，梦想着开一家爵士乐酒吧。
而在现实中，只能暂居别人店面的一方琴键前违心地为漫不经心的食客演奏他觉得无比愚蠢的圣诞颂歌。
世界上有一种悲剧是一种人自以为理解另一种人，可他们往往能理解的，只有自己。
可当同一种人遇到一起，幸运的是他们会迅速识别出彼此的属性，很有可能就会爆发欣赏与惺惺相惜。
可危险的是，他们也太过了解彼此的弱点。
他们因为志同道合而相爱，也因为太过了解对方而爆发争执，因为不够了解爱情而失落，最后因为更爱自己而分开。
Ryan Gosling一如既往的好。
他抓得住所有情绪的细节与转折，却毫无矫饰感。
他的感情戏一向无比真挚，痛击人心最柔的软肋，足以让观众痛他所痛，甚至爱他所爱（重点推荐他与米歇尔·威廉姆斯合作的《蓝色情人节》，尤其最后一段厨房分手戏堪称精彩至极）。
另外，他在这部歌舞片中的爵士钢琴演奏非常到位，夜色中与Emma Stone的舞蹈，即使有一些生涩，却落得恰到好处，外加场景的梦幻与镜头的适时推动，依旧看得人热血沸腾。
Emma Stone贡献出了她在大银幕上最精彩的一次演出。
她的银幕角色设定被青春的女大学生框住太久，Mia这个角色对她而言是一次巨大突破。
我看着她所演绎的Mia在LA真实地挣扎与赚取生活，怀揣着成为演员的热望，经受着各种不断花样翻新的挫折。
我看着她在影片中的那些美丽剪影，内心感叹这个角色足以在多年后依然成为她名下演绎过的经典。
而Emma Stone塑造的这个有血有肉的角色，演员Mia，也让我在银幕前掉了两小时的眼泪。
Mia刚对着漫不经心的Casting Director演了第一段台词就被打断，她知道这一次又是徒劳无功，却仍努力对着他们绽出一个微笑；出门时无比愤怒地脱下外套，露出里面衬衫上来不及洗的咖啡渍；Mia愤愤地说，任何再微不足道的事情都可以打断甚至毁掉我的一段试镜；Mia在独幕剧谢幕时发现上座率的冷清，甚至连Sebastian都没有到场支持；吵架分居后的Sebastian在朦胧中接到找Mia的电话，本想随便打发掉，却发现是试镜的电话。
他一瞬间坐起来很认真地问，“Casting?"；Mia在独幕剧票房失利的挫败感中回到父母家，旧日的小房间里摆满了每个做过舞台梦的theatre kids都有的演出照、海报和代表戏剧界的古希腊剧面具 (🎭); 以及Mia在那场最终改变了她与Sebastian彼此命运的电影试镜中，她没有拿到剧本，意外之中临时娓娓道来的一首逐梦人唱段……这些这些，还有更多的场景，身后都有观众在笑。
我却只觉得心如刀绞，泪水一瞬间汹涌而下。
这些细节，通通透露出导演对演员的appreciation。
一切细节还原得无比真实，即使作为笑点，也毫无嘲讽取笑之意。
其实这就是真实的演员生活。
这一点，也让作为演员的我尤为感激。
已经记不清推开过多少次试镜的大门，背着琴谱从雪花纷飞的早春走到酷热难当的烈日，一扇扇门背后的脸孔是什么样的。
微笑的疲倦的严肃的怪诞的面无表情的若有所思的挑剔苛刻的……我全都看过。
微笑问好，向琴师递上钢琴伴奏谱，低声告诉他节拍，确认好之后走到房间中央，走向他们视线的中心，然后闭上眼睛深呼吸。
看着一幅幅面孔上面白墙的某处虚空，逐渐只看到一副我的故事中的面孔。
四周暗下去，远处一束光柔柔打来，这寸方圆只剩我的面孔明亮。
我张开嘴，开始传达早已烂熟于心的唱词。
房间里的其他人都消失，只剩下我，讲述故事。
直到最后一个音符落下。
结果呢？
有人简短直白地致谢，不留任何好与坏的讯息；有人在纸上刷刷地写着什么，询问我更进一步的问题；有当场交头感叹“太好了”的赞许；也有戛然而止的打断，前一刻还打到我脸上的光瞬间灭下去。
没有遗憾。
我没有一次留过遗憾，因为我相信自己的声音。
我已经为你分享了我最爱的一段故事，和独一无二的我。
You take it or leave it. 然后笑着祝他们接下来有美好的一天。
收起琴谱走出大门，把这段经历抛在脑后，直到一封offer在几天后传到邮箱。
从事这一行，永远不该追问太多。
记得每一次第一场演出开场前全身血液仿佛盛载着玫瑰花刺一般的焦灼扎人。
舞台上炙热的射灯足以安抚一切紧张，观众的欢笑与掌声永远比美酒醉人。
而在最末几场演出的后台，我靠着门框几乎快落泪，此番结束又是失业，花了大把时间相处排练的整个剧组所有人又要各奔东西，心中无限落寞。
然后再次重复一切，重新出击面对无数个肯定与更多成倍的拒绝。
演员应该属于这世界上最不急功近利的人群之一，因为每一个在舞台上闪耀的人，花了多少时间磨练准备与等待。
不在意无数个拒绝，因为值得在意的只有肯定。
而电影的结尾也并不那么过分理想化。
这个世界上从来没有失败者，只有半途而废。
这个各自成功的结果，坚守的人值得。
这个行业，永远不会辜负真正有才华并且一直坚持待在圈子里的人。
也正因为如此，这个圈子，来来去去也就那么多人。
音乐在这部片中与电影画面与剪辑完美契合，大量长镜头与运镜结合得行云流水，一切音乐顺着故事情节推动与人物情感自然而然地流淌，完美地在大银幕上表达出人物的所思所想。
唱段只在必要时出现，因此并没有大部分歌舞片备受观众诟病的生硬感。
每个唱段中，重复多次的旋律动听且随着人物故事走向有些许变奏，所有歌词也始终维持在高水准，用词寥寥几笔，真诚简单地勾勒出了影片主题与主人公所面临的境遇，且非常普世。
即使与电影本身分开单独拎出来听，依然是动人的篇章。
看到许多好莱坞影评人说这部电影催人泪下，有多少人借着这部影片哭自己。
她做演员不是为了成名变成万人景仰的大明星；他爱爵士乐不是为了拍照出碟赚大把的钱。
功成名就自然很好，至少可以照顾好自己；实现梦想也值得吐气扬眉。
可最可贵的不是这些。
是逐梦的年轻时光。
是被好奇所振奋得不停练习的日日夜夜。
是在外界不断的拒绝中互相激励扶持的一双手。
是面对质疑与嘲笑的温柔一笑—— I will be great. 是在一片炙热沙漠上建造起浮华残酷的好莱坞，每日都有人黯然梦碎的LA LA LAND。
结局最美的是那一颌首。
互相见证与追忆往昔，然后回归各自一手建立的生活。
点头致意，泪花与微笑共同溶于深蓝夜色，此时无声胜有声。
You see, I made it.Yes, that's marvelous we both made it, even if we did separately.
8 ) 《爱乐之城》绝非华美的空壳
抱歉，一个标题党，但这就是我最想说的一句。
以下解读仅仅是个人观点。
“主体”的撕裂与“成功学”的悲鸣——谈《爱乐之城》的复杂属性
《爱乐之城》自从上映以来引起了颇为广泛的舆论关注。
相对多数的赞美声之外，对达米安塑造的“成功学”迷梦的批驳可谓不可忽视的一派观点。
从“毫无公德阻挡观影”说到“X生活缺乏”说，从“爵士乐泡妞”目的论到“无处不虚伪”的一刀斩定。
截然不同的欣赏视角带来了迥异的观点，客观上也为更进一步探讨这部影片带来了更多可能。
由于对这部影片特殊的热爱，本人在不同地区不同影院不同规格不同区位总共观赏了5次。
私以为，将《爱乐之城》概括为彻头彻尾的成功学读本加以抨击虽有零章碎句可循，却无法统摄整部影片的故事域；而将其看做一个美好的圆梦故事虽然可以基本包容大部分情节，却又落了俗套且有些微片面。
达米安·沙泽勒的影迷当然都领略过这位青年导演在上一部作品《爆裂鼓手》中横溢的才华。
《爆裂鼓手》所呈现的不仅仅是技艺的习得，更关乎艺术、成功与器道之分。
从中可以窥探达米安对艺术、梦想与成功学的复杂态度。
《爆裂鼓手》剧照而以此为互文（多面态度的一脉相承），《爱乐之城》展现的同样不是一个瘠薄的平面。
个人对这部作品的欣赏除了种种绚丽的呈现形式之外，在于对这个再简单不过的追梦故事的立体呈现。
在轻盈的歌舞与炫目的光影之下始终存在另一种隐伏的力量。
它拉扯着我让我无法真正完全沉入欢愉与幻想——而最终的悲剧结局不过是这股深流的余波——这种感受最终让我确定它不仅仅是一部技艺上值得铭记的作品，而且具备颇为深刻的当下意义。
个人认为，它反映了在当前社会（不仅仅是好莱坞）年轻追梦者在融入资本逻辑过程中自我“主体”的撕裂，这与资本主义成功学不无关系，却更像是沦陷其中的悲鸣。
一、“主体”意识与成功学的根本对立“主体”在此处不同于一般意义上“有认识和实践能力的人”。
我们可以从接下来的史实陈述中体会此处“主体”的意义。
人民公社时期，一切生产资料成为公有。
在农业领域，由于一刀切的分配模式，农民的积极性显著下降。
而在工业领域，生产积极性的下降反而在该运动之后。
工业作为流水线作业方式决定了同一批工人共同参与劳动的集体共时性，劳动的成果本已处于相对稳定的结构中（不同于农业）。
此时，当工人意识到公有的性质与劳动中“主人翁”的地位，他们在劳动中获得的驱动力便成为这种以自身为“主体”的“参与感”。
当家做主的地位使得劳动本身成为一种自我“主体”的建设，从而具备了更充分的动力。
毫无疑问，冒进的共产试验最终还是由于生产力的落后等种种原因而以失败告终。
同样，时至今日我们也并不能想象真正的共产主义构想中的“自由劳动”到底是如何面目。
但这并不妨碍我们从这段历史进程中体会“主体”的含义：劳动者自己是生活的主人，劳动本身成为自我实现的过程，成为物质与精神财富的养料——而不是最终的劳动成果，因而劳动者对待劳动是近乎纯粹的热爱与投入。
在现代化进程突飞猛进的社会，“主体”的含义似乎更具备了刺骨的现实意义。
“主体”的意识不再成为劳动的主要驱动力，而“客体”即劳动的对象（或是劳动成果）成为另一种无形的压迫推动着人们前进。
越来越多的人们集中于“目标”与“结果”，而“目标”的达成意味着这一充满怨愤与颓废的劳动过程的终结。
一个环路的终结意味着新的一环的开始——而如此的劳动循环再也没有“参与感”的构筑，“主体”最终失语。
其中的原因用最通俗的语言并不难表达：找不到自己真正喜爱的工作。
过程无法达成自我的实现后，结果成为实际上唯一的标尺。
而资本的逻辑将结果量化，理所应当地将劳动者参与劳动的感受量化——最终这一切被纳入社会的体系。
多数人为其所困，再也无法重拾那种作为“主体”的参与感。
在如此惨淡的现实中，“成功学”应运而生。
它教导劳动者从根本上融入“客体”至上的逻辑，通过千百种辗转腾挪鞭笞着人们为了资本运行最终的果实而努力——“成功学”的命名即如此，它最终是关乎“成功”的方法论。
而内含于“成功学”的心灵鸡汤则负责营造虚假的“主体”意识，让劳动者更进一步沉溺于这一逻辑链条之中——如一头推磨的驴蒙着眼追赶着近在咫尺的铃铛声。
因而这种“主体”意识与成功学在根本上是对立的。
而在当今社会，尤其是仍然在追求自己人生定位的青年群体中，这两种力量的矛盾尤为突出。
《爱乐之城》的故事中，Mia与Seb二人的故事恰好交错地展现了两种逻辑的博弈，以及造就这种困境的社会体系。
二、
共同家园的归属感是真的吗？
影片在开头结尾都展现了颇为典型的公共场景：一个是高速路上的堵车与群舞，另一个则是Seb’s中的爵士乐会。
在高速公路的群舞将“爱乐之城”中浓烈的“爱”通过肢体进行了淋漓尽致的表达。
在音乐的共同召唤下，所有人从“堵车”这一躁动不安的文明话语中抽离而出。
整条高速公路被流动的彩虹占领，陌生人之间产生了奇异的亲密联结，不同肤色、性别的歌声舞步轮番演绎——仿佛是一个悬置于之前窘境中的乌托邦。
而
在此影片构造了盛大的虚像：他们，每一个生动而独特的人，都是这座“爱乐之城”的主人，他们在音乐中获得了“主体”的体验。
And even when the answer's noOr when my money's running lowThe dusty mic and neon glow are all I need在这种“主体”意识的驱动下，所热爱的事物本身成为最核心的需要，只要每日朝阳升起，生活的主人便能够延续这种理想化的澎湃激情。
*多嘴一句，第一首歌的第一句歌词就剧透了结尾……影片关于“主人”、“主体”与“家园”的暗示不止如此。
比如Seb坐在露天小圆桌旁时背景中鲜明的“加州人”意味，比如Seb的姐姐（或者不是姐姐）第一次出场便以侵入Seb的“家”为途径，比如Mia在流连片场时一句“I love this”，比如Mia在逃离与男友兄长的聚餐后进入影院站在了银幕前的正中央，比如Mia的独角戏名称正是对故乡的告别，比如首演失败后Mia否定了Seb对洛杉矶“家”的定位转而寻找真正的“家”博尔德城。
追梦者是否真的是“加州人”？
而影片最终，Seb’s酒吧中呈现的是一幅与开头呼应的景象：在更为纯粹的音乐环境中，黑人与白人谈笑风生，Seb与乐手之间的关系平等而亲密，顾客与服务者轻轻律动而不疏离……Seb在Seb’s中构建了另一个微缩的“爱乐之城”。
然而最大的区别正在于此——从开头外景到结尾内景的微缩。
乌托邦的理想最后仅仅停留在了这个地下的爵士酒馆。
音乐给予了最后的归宿，然而这种“主体”的归属感最终也无法扩展到艺术以外更广阔的生活图景之中。
因而站在“城”的公共理想角度，它到底经历了怎样的后撤？
这种后撤如何通过Mia与Seb二人铺展隐喻？
这便是之后要探讨的问题。
三、
一首歌包蕴了Mia心理的跌宕起伏，同时第一次展开了对洛杉矶世情耐人寻味的描摹。
镜像在电影中一般表示的是人物的多面甚至是分裂。
短短七分钟出现了两次Mia的镜像描绘，鲜明刻画出了Mia处于动摇状态的“主体”。
第一次，Mia在试镜失败后沐浴更衣，“主体”意识无法得到外在认可的背后依然是“成功”无果的惨淡；第二次，Mia在“好莱坞套路”与“人性”交织的派对中备受冷落身心俱疲。
“好莱坞套路”还是“人性”？
“Someone In The Crowd”可以解读出两层含义，一方面是认可“主体”性的伯乐，而另一方面是同样具备“主体”意识的同行人。
这一段落的描绘显然是“主体”愿景的双重失语。
Mia不是能够自如游走于纸醉金迷中的交际花。
推杯换盏，焰火飞旋，人群最终争相跃入池中，而Mia的世界已然雪落。
Mia的伯乐与同行者都不可能出现在这个“主体”缺位而交际“成功学”弥漫的场域中（注意，这个公共场域完全不同于开头结尾）。
之后的故事中依然有对第一层“someone”的描绘，而几乎每个可能的伯乐都以高高在上的姿态用既定的标尺衡量Mia的“主体”性——甚至是不完整的仅有几秒钟的“主体”。
他们是这个社会体系中更高阶层的人，他们在试镜中采取的都是以最终的“客体”即表演成果论定的评价体系（此处笔者只是从比喻含义出发解读而非批判当前的试镜制度）——这种评价体系也许并不是出自他们的本意，但却是“成功学”思想弥漫的条件下最简便快捷达到目的的方式。
在这一过程中，参与者本身的“主体”特性并未得到真正的延展与实现。
几次试镜过程中，非常典型的衣着变换反映了身份叙事与心理变化。
最明显的是外套，Mia在衬衣泼脏后用蓝色外套包裹自己，在第一次试镜结束后马上拉开了拉链——在电梯中陷入两个衣着光鲜神态高傲的成功人士的夹缝中；而“第二次”（特指那部电视剧的二轮）试镜中，Mia在表演了不到五秒钟马上被拒愤懑而出，甩开了红色的夹克。
在这样的试镜中Mia始终需要那一件外套，它所象征的层层包裹的压抑感让她无法真正自证“主体”的意义，从而无法获得真正的“自由劳动”。
另外，Mia在交际酒会中与人攀谈时的笑容和第二次试镜失败后挤出的笑容如出一辙，可以看作Mia的心理变化轨迹。
纵观全片，这第一层的“someone”还可以引申出“他者”的含义，这包括受成功学逻辑浸染的上层“他者”，也包括受消费主义裹挟而“什么都追求却又什么都不尊重”的人群。
他们在无形中凝视着二人的“主体”，最终构成“主体”的后撤与“成功学”渗透的控制力。
而另一层面的“someone”，对应的正是志同道合基础上的爱情追寻。
与第一层最大的不同在于，它在根本上是“主体”的外延与实现。
四、&
爱情是整个故事中二人“主体”意识得到最充分释放的过程——不仅仅是对所热爱的事业，也是对爱情本身。
“一个无趣的夜晚”的歌词反复强调了二人在此时此刻与对方毫无火花的状态，真正的恋火也正从此燃起。
Mia脱下了工作应酬专用的高跟鞋换上了Seb的情侣款，而Seb加入了踢沙子等喜剧性肢体动作。
在我个人的观影体验中，除了最终的梦幻蒙太奇之外，最动人的一幕莫过于Mia逃离餐厅奔向电影院。
黑夜中飘飞的花瓣当然是心理映射。
但回想起来，我甚至无法确定Mia在餐厅中听到的那段音乐是否真实，也许那同样是Mia潜意识中“主体”追寻的投射。
Mia逃离餐厅甚至罔顾公德不自觉地站在银幕前，二人在深夜潜入天文馆成为老电影的新主角——这正是另一种“无因的反叛”。
更不必说那一段凌空的想象：繁星之城中的舞步只属于爱情中的二人，他们在这场并无事先张扬的叛逃中获得了“主体”极致浪漫的实现。
影片中另一首歌曲
此处“火”的燃起反而预示了爱情的幻灭。
Mia的表情层次变化，她不得不因汹涌的人潮而后撤，而映照Seb的灯光也从暖黄变得苍白。
爱情中的“主体”开始动摇，而梦想的“主体”也遭受拷问。
五、
不同于整体旋律上扬的
City of starsAre you shining just for me?City of starsThere's so much that I can't see……City of starsYou’ve never shined so brightly尽管歌曲最终走回了对梦想与所在之“城”的歌颂，却又不可否认这种自我实现的过程中流露出的惶然。
而这只是所有洛杉矶追梦者的缩影。
他们的热爱所抽象而成的自我“主体”本身汇聚成了这座繁星的城市，而所有的繁星又渴望着光芒的相互映照。
在Seb家中，二人第一次一起合唱这首歌曲。
中间插入的是二人各自“追梦”过程的蒙太奇。
而在这之前则是Seb的唱词：Think I want it to stay此处歌曲再一次承担了反向暗示的任务。
之后这一段落中，Mia与Seb二人的梦想路途已然走向分裂。
Mia尽管心怀上座率、债务等顾虑，但她依然以自我的“主体”为中心实现自己，表演依然是她的钟爱。
英格丽·褒曼的海报被揭下，一方面是某种新的期许，另一方面则代表着Mia在这一段为自己的独角剧奔忙的过程中对劳动成果——即最终的“客体”对象的淡化。
而Seb的生活则与此形成鲜明的对比，加入Keith的乐团后他的个人意愿被不断剥蚀。
在加入乐团之前，影片呈现了一段与Mia的外套相似的衣着叙事：Seb打上了领带，听着房间外的Mia向父母解释他们的现状，目光则停留在房间浸了水渍的天花板一角。
在之后间奏的蒙太奇中，Seb签了约，接受了服装定制公司对自己的“度量”，录制网站中看似淡定实则尴尬的视频。
歌曲唱罢二人还沉浸于浓情蜜意之中。
而两种几乎完全相反的追梦走向决定了在同样的迷魂记灯光下的分裂。
二人的争执点集中于Seb的梦想是否是自己的。
在梦想与爱情上双重的“主体”确证是这段关系能够维系的充分必要条件。
Mia察觉了Seb在梦想路途中的沉沦——陷入“录新歌—巡演—录新歌”的闭环之中甚至几乎抛弃了爵士酒吧的念想——因而反复强调对待梦想的“主人翁”态度。
而Seb的反驳证明了他内心此时的“成功学”逻辑：你的爱只是为了获得自己“主体”的满足感，而我是懂得“变通”并最终能获得“成功”的人。
饭桌上正是“主体”意识与“成功学”的交锋，这也决定了这段关系的崩解。
接下来故事出现了全片最重要的转折。
Mia被Brandt相中参加了试镜。
这次试镜的模式与以往完全不同。
以演员本身作为标尺创作的模式正是对“主体”的肯定。
演员的自由选择被提升到空前高度，而演员本身同样需要反馈“主体”的实现度——某种程度上其意义甚至与想象中的共产主义“自由劳动”有些类似。
而对比此前Mia的服装叙事，此时的她没有繁冗的外套，没有高跟鞋，恰好吻合了这种“主体”与“参与”为核心概念的劳动模式。
歌曲
She smiled,Leapt, without lookingAnd tumble into the Seine……Her, and the snow, and the sand 同样是“跳水”的行为，独自跳入冰冷的塞纳河与先前酒会中的竞相涌入构成了完全不同的隐喻。
Aunt（此处暂不模糊翻译）的行为对Mia存在着直接的导向作用。
如果说之前交际酒会的跃入是一种沉没于无法共感的客体之中，跃入塞纳河则是选择如雪花与沙砾一般融入其中并真正成为塞纳河的“主体”。
塞纳河底的雪花、泥沙与洛杉矶的繁星都暗含着某种来自社会下层群体的声音。
Mia歌唱的是“someone”的故事，却也是自己的故事。
Sky with no ceilingSunset inside a frame……A bit of madness is key to give us new colors to seeWho knows where it will lead us?And that's why they need us,So bring on the rebelsThe ripples from pebblesThe painters, and poets, and plays“成功学”的环境中设置了层层“天花板”（ceiling），与之前Seb所注目的角落呼应，指向了固化的资本逻辑与社会阶层。
画框中的夕阳与Seb独坐时背景中的“加州人”广告共同传递了“主体”的歌颂。
“主体”的秉持是唯一突破与“反叛”的革命方式。
而在“成功学”的环境中坚持“主体”是毫无疑问的“幼稚”与“疯狂”——如此种种不过是“卵石”相互碰击时的小小涟漪，而这些涟漪汇聚成最终的塞纳河。
I trace it all back,to thatHer, and the snow, and the sandSmiling through itShe saidShe'd do it, Again最终需要“回溯”的同样是真正的“主体”意识。
对这首歌曲的影像处理某种程度上正是还原了Mia的“主体”：抛弃眼花缭乱的蒙太奇，把角色交给演员自身，简单的环绕特写长镜头。
甚至从石头姐的表演中我们看到了一般情况下有些夸张而让人不适的表情——而这正是具有真实的自我与反叛情结的“主体”本身。
“主体”实现的过程中呈现的正是多样甚至是粗粝的美感。
沙与沫且歌且舞，他们依然选择跃入其中。
之后的对话中，Mia一方面希望Seb的梦想“主体”意识回归，一方面仍然渴望寻回自己的爱情“主体”。
因此他们在此刻复合几乎顺理成章，之后的故事却在意料之外。
六、
它召唤着Mia逃离筵席，是Seb无奈于杂志照片拍摄时心中的第一旋律，是中间
然而当二人复合为已知条件，“主体”两全的即将实现——我们便很难想象这种突然的分离。
“冬季”与“五年”中到底发生了什么？
“冬季”是一张虚幻的幕布在解答这个问题之前，我们也许可以从另外一个问题入手：最终
是二人共同的吗？
还是一个人？
假如是一个人又是哪个人？
我们多么希望这是二人共同的愿景。
但实际上这种说法似乎除了观众的一厢情愿很难有更多的支撑。
从死板的逻辑上说，最后的梦中经历了从Mia家中到酒吧的路程并不是二人可以共享的记忆而仅仅是Mia的。
另外，我们还可以衡量，当听到这段对“主体”意识强烈呼唤的旋律时，谁会受到更深的触动？
从影片中不难看出，Seb最终回到了原初的梦想轨道之中，爵士酒吧的小型乌托邦是不同人“主体”释放交融的场域。
除了爱情以外，Seb的“主体”感受可以说是贯穿了他当前的生活。
而Mia的境遇似乎并不相同。
我们不妨再一次从Mia的服装叙事与心理变化入手。
五年后Mia一出场便是极为高贵甚至颇有压迫感的高跟鞋，在似曾相识的买咖啡过程中我们除了相同的礼节外并不能看出什么别的。
然而Mia一回到家便脱下了高跟鞋，端庄面容不再，取而代之的是松弛而疲惫的笑容……Mia是否并未过上应许的“主体”生活？
再回到这个平行时空之中来：与现实的关键不同都出自Seb的改变，但Seb的改变正是Mia的心理补偿；而其他的变动部分则主要是Mia“主体”实现的强化（比如满场的观众）。
那么我们也许在留白的故事中摸索出如下可能：尽管Mia在“第二轮”试镜中获得了“主体”的认可，但是“Someone In The Crowd”的大环境依然不曾改变。
在留白的最初时段，Seb还在乐队中工作，这种“主体”的错位并不能轻易弥合，因而二人分手。
之后Seb回归了他先前的梦想道路，并最终觅得实现“主体”的劳动方式。
Mia尽管成名，却免不了继续在之前的被“客体”与“成果”衡量的体系中挣扎——她的“主体”依然不能获得完全的实现。
此时，更需要一个梦境作为补偿的恐怕不是Seb，而是Mia。
现实已然如此。
他们最终还是走上了分叉的道路。
Mia身陷社会体系的罗网之中，而Seb虽然沉浸于自由劳动却依然孤独。
相比五年之前，二人的“主体”境况仿佛被命运置换。
最终，二人相视一笑，Mia仿佛重新看到了“主体”实现的愿景，Seb则打着节拍开启了新的乐章。
恐怕没有比二人的分离更为“完整”的结局了。
“主体”与“成功学”的对视，在“成功学”的浪潮中对“主体”的怅望，“主体”仍需要更进一步实现的渴慕，在最后沉重的笑容中都已道尽。
《爱乐之城》内容上的优点并不在于其创新性，而在于其对这个当代青年群体中极具现实感与代表性的故事细致入微的呈现与表达，并恰到好处地排布了其中梦幻与悲剧的比例。
从中我们并不能一概地笼括创作者的价值取向，却能够身临其境地读出被两股力量裹挟的矛盾感。
我依然会感动于Mia的一句台词：I’ve seen better.更好的风景究竟是什么？
影片并未给予一个完整的答案。
也许是自我的“主体”永远处于追逐与实现的过程之中而没有终极，也许是这座由不同“主体”构成的繁星之城依然有更多的可能——而不再仅仅局限于音乐之中。
或许这也是《爱乐之城》对于我自身的意义，对它的更进一步的探索，也是对我自身“主体”存在的不断确证。
“主体”的舞台*所有图片来自你瓣本文可见微信公众号风影电影纪 《爱乐之城》：“主体”的撕裂与“成功学”的悲鸣
9 ) 爱乐之城观后
年纪大了，已经多年不去影院看片。
今天破例到离家最近的五棵松成龙耀莱影城的杜比影厅，去看了这部呼声很高的，真正宽银幕、环绕立体声的电影《爱乐之城》！
我给它打四颗星。
三颗星给视听制作，给歌舞片样式的完成度。
一个85年出生的年轻导演，对百年电影传统，对好莱坞歌舞类型电影如此热爱与尊重，学习、模仿、创作得堪称精良 。
第四课星，是感谢它唤起了我1986年在美国加州LA做访问学者一年的难忘记忆。
片名LA LA LAND，巨大的银幕里，出色地展现了电影之城洛杉矶的许多著名景地。
特别是那个放《无因的反抗》的电影院，分明是影迷和学子们周周要去的、UCLA学校边的艺术影院—NEWART。
记得在那里，我补上了黑泽明、伯格曼、谷达尔等多少大师的名片经典啊；包括至今人们也很难看到的，让当时所有观众都目瞪口呆的《感官王国》、《楢山节栲》的彩色大银幕放映。
当然不能给满分，因为从哪一方面讲，这部电影都没有什么创新的光彩。
可是它却获得了许多奖，在即将揭晓的奥斯卡奖中获得了最多的提名，肯定也会摘得不少小金人。
可悲啊，这个技术第一，娱乐第一的时代！
10 ) 严肃影评#18：梦想，致敬，以及绚丽的爱乐之城 – 10/10
（1/18/2017：《爱乐之城》是我心目中毫无疑问的2016年最佳。
因此我后来又写了另外一篇更长的回顾影评，希望能把《爱乐之城》和2016联系起来，讨论这部电影对2016和影迷的意义，希望大家喜欢：https://movie.douban.com/review/8299938/）-
《爱乐之城》—— 纯粹而色彩斑斓的美好音乐剧这个世界上，只有为数不多的导演有能力吸引作为观众的我们进入他们梦中的那个充满个性的世界，让我们能够在短暂的时间里为之着迷。
这也是我们热爱电影的原因，因为在这短暂的时间内我们可以逃离现实，仅仅沉浸在纯粹的快乐之中。
而导演达米安•沙泽勒的新作《爱乐之城》，正是这么一部给人最纯粹的快乐，最色彩斑斓的希望，令人眼花缭乱，而又绚丽美好的作品。
《爱乐之城》在感受完《爆裂鼓手》那让人热血沸腾的疯狂后，相信成为沙泽勒这位新晋编剧型导演影迷的肯定不止我一个。
无论从作为编剧对角色的构造，或是作为导演对演员们演出的调度，还是对终场高潮部分那妙到毫颠的剪辑节奏感的掌控，《爆裂鼓手》都是那么让人惊讶的完美。
我们可以感受到年仅28岁的沙泽勒那应有的年轻创作人野心，却又被那与他年龄和经验（仅第二部长篇导演作品！
）都不相符的控制力所折服。
在我看来，《爆裂鼓手》在充满佳作的2014也是明显的最佳，甚至可以毫无疑问地被称为2010年以来最好的电影之一。
耀眼的创作才华，加上超出同年龄层创作人的掌控能力，不禁让我联想到中生代编剧型导演的代表人物保罗•托马斯•安德森（代表作《不羁夜》、《血色将至》、《大师》等等，均是电影界公认的传世佳作）。
《爆裂鼓手》之于年轻的沙泽勒，就如《不羁夜》之于26岁的安德森一样，是让世界第一次认识他们的扬名之作。
而这次沙泽勒为观众们带来的《爱乐之城》，则像极了安德森带着《不羁夜》的余威所奉上的《木兰花》。
不是说这两部电影的内容有多么的相像，毕竟要对比一部音乐剧和多线性叙事作品是不可能的。
但是如果没有《不羁夜》的成功，安德森也不可能会有那著名的无限预算来制作《木兰花》，更不可能创作出在他自己看来“将是我最好的作品”的集大成之作。
而如果《爆裂鼓手》没有那么深受观众喜爱，相信制片人们也不可能有信心让沙泽勒这个年轻人去执导《爱乐之城》这部他梦寐以求想制作的作品。
毕竟这可是观众们最不喜爱的音乐剧，而且更是没有任何原始素材的原创音乐剧。
看看几年前的《悲惨世界》吧，即便是有着小说以及百老汇歌舞剧的铺垫，却还是在最后的电影作品中有着各种的不尽人意。
更何况新晋导演要在一夜成名之后满足观众的期待，可不是那么容易的。
天才如上面提到的安德森，纵然有着无限的资源也未能完美处理好成功过后紧接着的作品，而昙花一现的例子更是数不胜数。
但在我看来，《爱乐之城》却能满足即便是最挑剔观众的期望。
炫彩，华美，令人感动，让人笑中带泪，这些都是对《爱乐之城》最恰当不过的形容词。
对音乐、浪漫和洛杉矶的情书当我们细数经典音乐剧时，很难想象竟然没有太多的作品能给观众展现洛杉矶的真正面貌。
我们当然可以说《雨中曲》中有着无数的好莱坞电影场景，但它却从来没有把南加州那些笼罩着山岭的朦胧天空和酷热阳光真正展现在观众面前。
当然，它还缺少着比弗利山庄里那些豪宅中让人羡慕的游泳池，以及洛杉矶地区那臭名昭著的拥挤交通。
而这拥挤的交通，恰巧在《爱乐之城》的开场一幕中有所展现。
La La Land，这个并不为人熟知的洛杉矶别称，似乎给人一种奢华欢快的印象，这跟电影中以洛杉矶为舞台的歌唱和舞蹈相得益彰。
《爱乐之城》不仅是对过去经典音乐剧的致敬，也是对音乐和浪漫本身的赞美，更是对洛杉矶这座天使之城的情书。
《爱乐之城》讲述的是米娅（艾玛•斯通饰）以及塞巴斯蒂安（瑞安•高斯林饰）之间的爱情故事。
米娅在华纳兄弟摄影棚里的咖啡店工作，同时失意地参加着各种试镜，一心想完成自己成为好莱坞女演员的梦想。
在电影开端的其中一段歌舞中，我们看到她跟数不清的室友挤在公寓里生活。
她们想方设法说服身心俱疲的米娅去参加派对，那种在电影里看起来豪华却实则空洞无比的好莱坞派对。
但至少她在派对上遇到了被迫弹着无聊圣诞乐曲的钢琴师塞巴斯蒂安，一位追逐着被遗弃的爵士乐，立志要开属于自己的爵士乐吧的年轻人。
他不理上司（当然还是由那个JK西蒙斯饰）的意见，在派对的结尾弹奏了自己编写的歌曲，最终无奈被裁。
虽然当时失意的他对米娅的赞叹感到漠不关心，但他不知道的，却是这首歌曲不仅理所当然地吸引住了同是追梦者的米娅，更重要的是导致了这场将改变他们命运的邂逅。
当然，如果你所期待的是新颖独特的剧情，《爱乐之城》大概不会满足你。
“这两位事业上的失意者，抱怨着看似遥远的梦想互相鼓励，渐渐坠入爱河”，剧情确实就是这么发展的。
撇去爱情不说，追逐梦想，这大概是最能引起观众们共鸣的永恒主题了吧。
“洛杉矶充满着各种追梦的人们。
”沙泽勒这么说道。
而我们也可以真真切切地从电影中感受到他对这些追梦人的赞颂。
但就是有着这么陈旧的剧情和主题，沙泽勒却一点都不忌讳在电影里穿插各种只会在音乐剧中出现的让人瞠目结舌的场面。
比如米娅和塞巴斯蒂安在观看《无因的反叛》后偷偷走进洛杉矶地标之一的格里菲斯天文台，为观众们呈现了一幕违背物理定律，跳跃在星辰之中的舞蹈。
不习惯音乐剧的观众大概会挑刺这不合乎常理的一幕吧。
但音乐剧中又有什么是需要合乎常理的呢？
放下那些死板的逻辑吧，没有人会真的在大街上以歌唱代替正常对话来交流的，但音乐剧的这种形式却总能为观众们带来无尽的喜悦。
导演兼编剧达米安•沙泽勒以及饰演女主角的艾玛•斯通实际上，沙泽勒从来都是一位乐于借鉴前人的学徒。
在接受采访被问道是否需要在制作时为年轻人们对音乐剧的陌生而添加新意时，他这么说道：“经典的音乐剧之所以经典，是因为它们的简朴，是因为它们没有过多的剪辑，是因为它们在选择角色们开始歌唱的时机上那么的真诚。
试着不去强迫某一首歌曲的出现，而让电影中的角色的感情去决定什么时候他们需要音乐。
”这也是为什么电影中的音乐出现得恰到好处，而不是仅仅为了成为音乐剧而充满着各种过分的歌舞场景。
《爱乐之城》中还充斥着对过去辉煌一时的经典音乐剧的各种致敬，包括塞巴斯蒂安围绕灯柱那酷似《雨中曲》的场面。
但这当中不得不提的则是对已故法国新浪潮导演雅克•德米的偏爱。
或许沙泽勒对德米的崇拜已经不是什么秘密了吧，比如他的处女作名为《公园长凳上的盖伊和艾德琳》，而盖伊和艾德林正是德米的音乐剧代表作《瑟堡的雨伞》中的男女主角名字。
而到了本作，沙泽勒更是把《瑟堡的雨伞》中那绚丽华美的色彩重新使用现代的方式展现在了观众眼前。
这当然还包括前文提到那备受瞩目由于塞车而导致的开场一幕，让人瞠目结舌的舞蹈编排以及扣人心弦的音乐迅速让观众进入这部音乐剧的世界，而米娅和塞巴斯蒂安多次擦身而过的场景似乎也从一开始就预示着故事的走向。
但尽管电影中充斥着怀旧与致敬，我们却还是能在不同的小地方感受到原创的气息。
这在如今这个原创作品鲜见的时代显得更加的难能可贵，毕竟我已经记不得上一次非百老汇改编的原创音乐剧电影是什么时候了。
而跟上一部被大众所接受的音乐剧《悲惨世界》相比，或许《爱乐之城》更能打动我的地方正是它的原创性，以及那让观众们更能理解以及更有代入感的故事。
当然，还少不了沙泽勒对音乐，尤其是关于音乐的电影的热爱，因为这在画面上显露无遗。
从某种意义上说，《爱乐之城》像极了昆汀的电影，充满着导演对某类型影片的热爱。
只不过昆汀有让人血脉偾张的枪支和血浆，而沙泽勒则为大家奉献迷人的音乐和歌舞罢了。
瑞安•高斯林和艾玛•斯通间有着神奇而动人的化学效应但除了导演的天才之外，不得不提的当然还有斯通和高斯林的演出。
我们在《疯狂愚蠢的爱》里已经看到过他们两个充满化学效应的合作了，而这次他们的演出更是让作为观众的我们像是感同身受一样关心着他们感情的走向，为他们呐喊，为他们落泪。
他们的关系是那么的甜蜜而又自然，我甚至觉得没有其他的明星能达到这种效果了。
而斯通，继《鸟人》那让人惊讶的精彩表演后，再次展现了过人的天赋。
尤其是她那双大得有点像漫画人物的眼睛，跟音乐剧的欢快和虚幻相得益彰，却又微妙地诉说着她的内心世界。
至于高斯林，在他复出后不仅还没有拍过一部让人失望的作品，更是挑战着各种不同的戏路。
继《大空头》和《耐斯侦探》成功的喜剧演出后，这次他又证明了作为半个音乐人出演音乐剧可以说是游刃有余。
没有了他们两个真诚而打动人心的演出，《爱乐之城》大概只会是一部以华丽的技术和风格让人赞叹的音乐剧罢了。
而尽管他们的歌声和舞姿不可能达到专业水平，沙泽勒的镜头却也能像一个老道的舞伴般指引着他们在合适时翩翩起舞，让他们的表演看起来无懈可击。
美丽的制作与画面，相信影迷们会喜欢的对于为什么他如此深爱着音乐剧，沙泽勒是这么说的：“现在的我们比任何时候都更需要在大屏幕上看到希望和浪漫，需要看到一些只有电影才能做到的事。
而音乐剧作为梦境，作为我们梦的语言，作为一个可以用音乐表达自己，可以让感情违背现实规则的世界，在我看来是那么的简单而美好。
”而这种简单和美好，恰恰是我觉得《爱乐之城》最让人着迷的地方。
《爱乐之城》或许不会是一部在电影历史上被称为杰作的作品，但在各种超级英雄片和续集横行的2016，它的原创性以及敢于冒险让人耳目一新。
更重要的，则是它带给观众们恰到好处的纯粹欢乐。
你可能不喜欢音乐剧，但相信《爱乐之城》会让你忘记身边繁琐的事情，带着微笑走出电影院。
但如果你还是在犹豫是否要喜欢上这部电影，或许剧中的对话可以表达沙泽勒的心声吧。
“你不觉得这太怀旧了吗？
”米娅这么问道。
“这才是重点啊！
”塞巴斯蒂安如是回答。
“那如果人们不喜欢呢？
”“Fuck’ em（去他们的）！
”这么耿直而又才华横溢的沙泽勒，无论他下一部作品是什么，我都一定会继续捧场的。
毕竟如果他真的如开头所提的，像安德森一样将要成为这个世代最为耀眼的导演的话，相信他后面肯定会为大家奉上《血色将至》般的伟大作品的。
就让我们拭目以待吧。
不伦不类（但是弹钢琴的高司令还是很养眼的
总有那么一个平行时空里，所有的好事都会实现。例如梦想成真。例如永不分离。
其中的迷影成分着实有着难以抗拒的诱惑，但这是否又是电影这一门类已然走向老迈的征兆。想到这点，有点让人灰心。我把它看作是歌舞版的《咖啡公社》。。。
谁要看什么都会的俊男美女实现人生梦想 我还不够惨吗
2023.12.28 受不了这种功成名就后带着现伴侣，然后见到有过很多故事的前任的情节。米亚老公那个嘴脸看得想给他一拳。另外这种只要鼓起勇气，于是就能顺理成章成功的逻辑，我已经很难再接受。
像是我最讨厌的那种人会拍的电影。我像一条警犬，会闻到一切伪文青的恶臭
顾影自怜的文艺青年成功学
平平无奇，各种致敬反倒把本身衬托得更普通了
我曾在脑海中无数次的和你共度完这一生。
身为老师，我无数次强调，写记叙文就好好的把人物故事中的开始发展高潮结束写好就行，最好结尾再升化一下。别玩什么意识流，什么主义。一部中规中矩的lalaland就是这样。说什么纪念雨中曲，怀念什么黄金时代，我反正只看到皮毛。搞不懂大众的审美，一部曼彻斯特一部该片，真心欣赏不动欣赏不懂
十年前一部恋恋笔记本，十年后一部爱乐之城。说的都是错失的梦想和爱情，演的都是浪漫的不着调男文青和性格张扬又复古风格的美国小妞。今夜愿你们都与爱人共舞，永浴浩瀚星河。
导演用浪漫主义外观来包裹了一个现实主义平庸故事。抛开天马行空的想象力和镜头调度不夸；肯定演技，但选角有问题；乔司令好一些但不复古，艾玛石不耐看唱得也不好（换海瑟薇大概会好很多）；片子很有奥斯卡相，又是唱给电影人的小情书，评价普遍过誉！
一段故事，用音乐与舞蹈来演绎，没有3D和高端特效的制作，就这么把人生的梦想与现实铺成开来与你慢慢叙述起来。
在脑海里和你过完了一生
IMAX，看得爽啊，色彩鲜艳，音乐流畅舒服，混响非常到位，转场充满创意，开篇长镜头看得眩晕，石头姐、高司令的脸占据整个银幕，雀斑都看得一清二楚，各种海报各种段落致敬老好莱坞，棒，上映后再IMAX二刷。达米安·沙泽勒85年生，摩羯座，才拍过两部长片，第三部就居然这么厉害，牛逼闪闪，前途无量。
最后两人一吻上，眼泪就完全止不住，最后一直是痛哭。那段蒙太奇展示的就是电影的魔力啊！生活给不了的，电影可以给你，是那么浪漫、那么神奇的情感再现，最佳的电影造梦时刻。而至于理想、爱情、迷影、歌舞片、怀旧等等其他元素和小技巧反而可以放在之后了。最感慨的仍是电影的魅力，做一场电影梦吧！
好看是好看，但还是申奥片式的匠人之作，看下来简直就是个现代五光十色小清新明快版的《艺术家》。
俗套 @上海环球港（人生第一部没看完就生气离席的院线电影
浪漫套路集合，只有最后十分钟不错——若再见你，事隔经年，我将如何致意？以眼泪，以沉默。只是，什么是爱情与梦想，什么是对潦倒与无趣生活的逃避，我们分得清吗？
即使没有万难，我们也不能在一起。