冰淇淋与雨声

《冰淇淋与雨声》8.0《听说桐岛要退部》8.0①发现两部电影或迥异或相似，倒也生搬硬套能说出点关联，偷懒的想法冒出来，就干脆凑一块写了。

《冰》是74分钟的一镜到底，绵延好几周、转换多个场景的时与空，都被一个镜头串到了一起。

《听》从不同视角观察同一时空的相同事件，是错综复杂的一张网。

在观看《冰》时，观众是全程的参与者，始终保持在中二热血的亢奋中。

而在观看《听》时，我们更多是冷静的旁观者，只在结局的阳台上，小小地中二一会。

《冰》的一切目的都是为了一场早已被取消的演出，而《听》里面所有兜兜转转，都是为了一个注定不会出现的人。

他们讲的都是，疼痛的青春。

②《冰》是一部评论两极分化的电影，那么，如何测试你与这部电影的相性呢？

打开音乐软件搜索日本乐队「MOROHA」，听上一会儿，要是没有翻着白眼赶紧关掉，反而津津有味的话，说不定，你会喜欢这部电影的。

③常见的青春片总有少年升学或是转校生忽然到来，于是旧秩序失衡，各种纷争。

《听》反其道而行之，金字塔顶端的风云人物忽然说要离开，所有人于是主动或被动地被打扰，陷入无所适从。

一边是充分可信的微妙细节，一边是《等待戈多》似的荒谬主题，还真是，有意思的剧作。

20190409

看后才知其噱头是一镜到底...但影响不大， 结构形式本身才是此片精髓——正是冰淇淋和雨声这两个元素所抛出的边界问题：哪些是电影真实？

怎么把观众现实A、电影现实B、电影中的舞台剧剧情C混合起来，让电影游离于真假之间？

第一步使用真实故事作为背景（确有一组取消演出的青少年/宣传噱头？

）及一部来自Simon Stephens的好话剧Morning，使用演员的真实名字、导演的出镜带来一定程度纪录片的效果；加上一镜到底来强调真实感、让排练穿插在B现实中（顺便讲完C剧本故事并以此映衬B时空的青春情绪）、让旁白般的配乐表演适时出现在B与C时空中并时不时对A发言；最后用话剧Morning即C时空的节奏和情绪置换B的，完成对A观众的情绪控制。

放在建筑学视角而言，就是一部拥有所谓“现象学透明性”且颇有构成主义色彩的电影，也可以说是赋格的思维，其一切组织的核心都是构成，通过不同层面的构成带来情绪节奏的张力，内容的表达则可遇不可求（于这部电影就是无关紧要了），正如导演开头就借自己口告诉观众“故事情节没那么重要”。

就此方面而言，电影是相当成功的。

然而一切美好的所谓“中间状态”的模糊都被哪天熬夜熬抽了脑子的导演给用画蛇添足的遮幅给大大减弱了…关于中间状态还有一点，此片one cut下的转场的时间是跳跃式的，一方面竟意外带来B时空层面很不错的角色情绪的连续性，但同时又有种蒙太奇感——于是就此而言中间性有点Dilemma了：为强调真实性而一镜到底，但时间跳跃带来蒙太奇的感受，又减弱了那为一镜到底而努力的意义…总之一镜到底的宣传效果大于电影意义，不过谁不想点亮稀有成就“one cut导演”呢。

电影对Simon Stephens 的Morning的改编就保留原作的意义而言相当成功，几可说是同人作了；但并不符合电影改编的目的。

原剧本简介如下，翻谷歌前两页，唯莱比锡剧场的介绍最佳：„Nichts wird irgendwas ändern.“ Als Teenager in einer durchschnittlichen Vorstadt, die Mutter krank, der kleine Bruder nervig, die beste Freundin zieht weg — die Lage erscheint ihr aussichtslos. Alles ist scheiße. Was sie innerlich zum Kochen bringt, dringt in stichelnden Provokationen an die Oberfläche. Aber die Außenwelt reagiert kaum. Es scheint die gewöhnliche Rebellion eines Teenagers bis Stephanie eine letzte Grenze überschreitet. Ohne erkennbares Kalkül, beinahe mühelos tut sie, was nicht ohne Reaktion bleiben kann. 随手谷歌，无校对："Nothing will change anything." As a teenager in an average suburb, her mother is ill, her little brother is annoying, her best friend is moving away - the situation seems hopeless to her. Everything sucks. What makes her boil inside comes to the surface in teasing provocations. But the outside world hardly reacts. It seems like an ordinary teenage rebellion until Stephanie crosses one last line. Without recognizable calculation, she does almost effortlessly what cannot go unnoticed. 另Perlego的简介It's the end of summer in a small, claustrophobic town and two friends are about to go their separate ways: one to university; the other will be staying local. But no matter what separates them, they will always share one moment: a moment that changed them forever. 'I missed first time. I could feel his skull caving in. It was like a shell.' 可见原剧本的虚无主义内核与导演插入的中二“生命力”的改编核心基本相悖，虽然原剧本的彻底工具化使内容和电影脱节，这一定程度上削弱了观众对B与C内核矛盾的感知，加上MOROHA热血缝合，大体上是糊过去了。

但这个纸糊的缝隙随着电影发展逐渐撕裂——尤其到结尾处女主一段吐槽音乐 电影 演出 电视 体育 吃的全都是垃圾、神和希望都不存在之后，又如何能用一句“把亿万句叹息吸进，化作希望喊出，把亿万眼泪饮下，化作决心吐出”（改自字幕）衔接呢？

许多观众对其内容乃至音乐的不认可很大程度来源于此。

对剧本正能量式的改动或许是为了契合B时空的角色心理，但这个剧本本身就选错了，“目的是描绘青春疼痛”、描绘虚无与叛逆的剧本中只有叛逆一点勉强切B时空的题。

抛开这些问题，我十分喜欢MOROHA的配乐表演，它无论从哪个方面而言都撑起了半部电影，此中尤其喜欢其用了能剧的表达技巧，配合表演又显得特别金属，现代而不失传统风味，总之特别好！

MOROHA最后一段在摄影师走向观众席上楼梯时，完全踩在几个“亿万”的节奏上，好爽。

另，40min末出现冰淇淋的时候导演竟还不忘夹带私货出现了本Byplayers剧本 : )

假如你辛苦排练很久的节目最后被取消，没有任何挽回的余地，你会怎么办？

会不会依旧想要完成表演，即使观众席空无一人？

shatsu向两个人问了这个问题，回答说毫无意义的，是我妈妈。

而青春期的妹妹却说，这不是很棒吗？

仅仅从这两个回答里，就能稍微感受到青春的态度吧。

提这个问题，是因为今年最特别的青春片，它有着很好听的片名：《冰淇淋与雨声》。

故事发生在2017年3月，小镇里即将上演一出舞台剧。

出演的是通过试镜选出的6名少年少女们，但在开演前一周，这场舞台剧被迫中止了。

他们即将登上舞台的梦想就此失去......以初次排练为开始，电影全篇用一镜到底的方式表现了一个月内发生的青春群像物语。

最特别之一：华丽的形式全片74分钟一镜到底，没有cut、没有剪辑，光这一点就是最大的噱头。

一镜到底，需要导演对镜头的调度流程和演员走位精心设计，拍摄前要经过多次彩排、练习，拍摄过程中工作人员的全力配合，对演员的演技也是严格的考验。

错一点就要从头再来，如果多次NG，不止精力在燃烧、经费也在燃烧啊。

敢挑战一镜到底的导演，都是有两把刷子的勇士。

《冰淇淋与雨声》（下面简称冰雨hhhhhhh）的导演松居大悟却否认了这是炫技，而是一种“只能这样拍才行”的执念。

电影要拍的是被中止的舞台剧，而舞台剧从拉开帷幕到结束之间是不会停止的，还有比一镜到底更合适的拍法吗？

技术性的东西普通观众可能不太敏感（shatsu看了十几分钟才觉得有点不对劲），真正让它特别的，是观感。

将舞台剧的台词和真实对话无缝衔接，用画幅的宽度改变提醒观众：哪些是戏、哪些是真。

一开始，我们还能从剧中排练的指示明确划清界限，随着剧情发展，一个击掌、一个抬头演员就能在入戏和出戏之间跳转，观众也渐渐搞不清“戏中戏”里的现实与虚构。

不仅是迷失在虚实之中，一个长镜头展示一个月时间的流逝，字幕的提示、演员情绪的转换，连时间的概念也一并模糊起来。

本片的音乐制作更是将电影的复杂程度加上一层，直接由RAP组合MOROHA在镜头里、在演员们的旁边现场献唱，有时甚至会有眼神互动，宛如LIVE现场。

就像戏剧中的歌队（一般是合唱团），通过唱词给剧中的场面增加动力，为剧情设定整体情绪，仿佛在提醒观众：这是一场戏。

这一点，正是导演松居大悟的本意。

身兼电影导演与戏剧导演的松居大悟想要拍的，是一部介于舞台剧与电影分界线上的作品。

最特别之二：这个导演很热血作为“冰雨”的导演和编剧，1985年出生的松居大悟给电影带上了属于他个人最大的标签“年轻”。

制作这部电影的契机很苦涩，和剧中人物一样，现实生活中松居负责的某部舞台剧被中止了。

他将感受到的不甘心、难过和气氛诉说给了MOROHA的成员Afro。

听完这些抱怨后，Afro问他：“你现在的心情，过了半年、开始新的工作之后就会忘记了。

这样真的好吗？

”如果不为现在的心情做些什么，以后一定会后悔。

仿佛如雷灌顶一般，松居决定立刻以”舞台剧被中止“为主题制作一部电影。

“冰雨”中，松居大悟也本色出演了舞台剧导演这一角色。

电影中有这样一幕，大家被负责人告知因为惨淡的预售情况，舞台剧被迫中止的消息后，一个一个失望的离开练习室。

女主角拉住了导演，哭着问他为什么会这样，没有其他办法了吗？

导演只是不耐烦地表示自己也没办法，转过头就走了。

这里的松居导演，或许就是现实生活中那个没办法为自己作品争取机会，只好选择妥协的“大人”。

他是戏剧届、电影界的希望之星，也是没有那么多人脉资本的新人，远称不上有话语权。

三十几岁的年纪又必须考虑到现实，不得不放弃一些事情。

所以他将反抗的重任交给六位主人公，给不甘心的自己一个交代，创造出最后的《冰淇淋与雨声》。

最特别之三：目光如炬的少年少女选角阶段仅仅只花了四五天就募集到了约400人，最后8名青少年脱颖而出。

甄选条件不看演艺经历，只相信眼睛里的光束。

电影中他们都用本名出演角色，又用本名出演戏中戏的角色，人戏不分，最大程度在镜头里展现自我。

饰演女主角好友的田中怜子完全没有演戏的经验，因为一腔热情，从大阪坐车来到东京参加甄选。

为梦想背井离乡的经历激发了电影主题曲「遠郷タワー」的创作，也是电影中不可缺少的角色之一。

在所有角色当中，女主角的戏份最重，几乎没有离开镜头的机会，可以说观众就是从她的视角进入电影的。

你可能会不记得其他人的名字，但一定忘不了女主角森田想。

她没有特别漂亮的脸孔，却有作为主演的压倒性魅力，从头到尾保持充沛的情感。

排练时与导演对演技的理解产生矛盾后，森田想走到窗边叹气的侧脸，有种苍井优的感觉。

这是电影中为排练精疲力尽的森田想。

她独自练习台词，然后出其不意地直视镜头、直视屏幕前的观众，带着冷笑。

这是舞台剧中漠视人生的森田想。

和伙伴们一起闯进剧场被抓个正着的时候，她带着哭腔大说出舞台剧里的台词：“我们都是个性不一的小宇宙啊”这是电影中的森田想，还是舞台剧中的森田想，又或者是同样渴求一个机会的、现实生活中的森田想？

这群少年少女都是十八九岁的年纪，为这部电影注入了青春最鲜活的力量。

无法停止的青春电影临近尾声，舞台上的六个人站成一排，观众席空无一人。

那一刻他们是什么心情？

作为观众的我们又是什么心情？

松居导演说，世上绝对存在无法用语言来表达的感情。

“冰雨”就是这样一个复杂的生命体，让青春迸发出强大的生命力，于是见证一切的你哭了。

像MOROHA唱出的歌词一样：时间啊 时间可以解决一切失恋、屈辱、后悔 全都会在时间中得到解决以前也是这样过来的憎恨、疼痛、苦楚甚至连有过的梦想、嫉妒过的对象、无法转交的思绪时间都会一一解决 将它化为乌有这样就好了 这样就放下了但是我 果然还是不想这样 还是不愿这样因为那些东西都是属于我的因为再坏再不堪也是我的一部分人为什么无法忘怀青春的记忆，无法忘记年少时燃烧生命一般的热情，因为那才是最初原原本本的自己。

没有人永远十八岁，但永远有人十八岁。

--首发自公众号 shatsu东京时间

电影结尾时，所有演员站在舞台前，面向观众，就像正式的春节联欢晚会结尾，那样告别。

如果你坐得足够靠前，画面中的前排座椅，会无缝衔接到现实中资料馆的座椅。

这种惬意突破次元壁与视角的时刻，实在是经典的电影高潮时刻。

但是，却被导演打断，画面中的演员结束谢幕，互相庆祝，脱离了戏中状态。

镜头也摇晃起来，介于一种废镜头与花絮间的状态。

或许这就是导演铺垫整场的“我对纯粹的电影和话剧不感兴趣，我关心的是介于两者之间的东西”，戏剧在谢幕后结束，电影在cut后告一段落。

但是不暗下来的废镜头画面却依然直播着演员们的生活，心愿得偿，获得认可，拥抱庆祝。

话剧结束后依然是表演，电影结束后依然有记录。

这种中间状态，需要发挥导演浪漫的人生观来寻找：吃着冰淇淋，便是你的电影高潮，听着雨声，就是你得到的掌声

《听说桐岛要退部》8.0①发现两部电影或迥异或相似，倒也生搬硬套能说出点关联，偷懒的想法冒出来，就干脆凑一块写了。

《冰》是74分钟的一镜到底，绵延好几周、转换多个场景的时与空，都被一个镜头串到了一起。

《听》从不同视角观察同一时空的相同事件，是错综复杂的一张网。

在观看《冰》时，观众是全程的参与者，始终保持在中二热血的亢奋中。

而在观看《听》时，我们更多是冷静的旁观者，只在结局的阳台上，小小地中二一会。

《冰》的一切目的都是为了一场早已被取消的演出，而《听》里面所有兜兜转转，都是为了一个注定不会出现的人。

他们讲的都是，疼痛的青春。

②《冰》是一部评论两极分化的电影，那么，如何测试你与这部电影的相性呢？

打开音乐软件搜索日本乐队「MOROHA」，听上一会儿，要是没有翻着白眼赶紧关掉，反而津津有味的话，说不定，你会喜欢这部电影的。

③常见的青春片总有少年升学或是转校生忽然到来，于是旧秩序失衡，各种纷争。

《听》反其道而行之，金字塔顶端的风云人物忽然说要离开，所有人于是主动或被动地被打扰，陷入无所适从。

一边是充分可信的微妙细节，一边是《等待戈多》似的荒谬主题，还真是，有意思的剧作。

20190409

松居大悟_冰淇淋与雨声_20176.7情绪上真是没什么说服力，青春题材经常这样。

时间提示、画幅切换、镜内蒙太奇、配乐旁白的入场共同作用出一个戏里戏外时间空间边界不明的叙事概念，可以说非常新鲜，可这些在前十几分钟吓到了我的一切形式都在后来逐渐疲软。

某种程度上它从头到尾都带来了快感，这是场面调度的功劳，尤其是吉他念白组固定频率的出现，有张有弛，爆发和沉寂分布得很平衡。

有些电影会很像音乐，这部就是其中之一。

它未必是那些听完之后让你怔在原地很久的音乐（当然有这种音乐），而是在过程中会前摇后摆的那些（当然也有这种）。

剧情的设计呢，跟不上这种出色的节奏。

虚浮的台词听得我面红耳赤，和重新看高中时日记的感受类似——我倒不会反感这种对着空气挥拳般的尴尬，也理解少女少年不分虚实地疼痛。

这群年轻人对于差不多的梦想有各异和持续变化的态度，热情啊，偏执啊，绝望啊，释然啊，空虚啊，或表达自己的无法理解或接受，最后又可以抱着明知不可达成也要做的觉悟。

主创在电影开始的会议上说了，青春期疼痛嘛，待会儿要是疼麻烦你就“哎哟”一声，全面而具体可不够精准，情绪转变的动机和表现形式都十分潦草。

倘若每个角色都要如地铁上的醉汉一样吐露心声，谁愿意听呢？

她们抱怨了，“所有人都无聊，包括你，大多数时间也无聊”，我对本片也有相同的困惑，哪怕到剧场后鼓点更加密集，天旋地转，也只加剧了我的困惑。

既然这个小镇没劲，为什么不去别的镇呢？

我就是这么问我自己的。

青春和励志题材的电影，二选一，你选哪一个？

不了吧，我选择睡觉。

老实讲，近年来这两个题材的电影确实让我踩了不少雷。

如果一部电影敢把青春和励志加在一块，要想拍得不难看，其难度不亚于用新闻联播的稿子做剧本拍武侠片吧。

可万没想到，这部青春励志片《冰淇淋与雨声》却把我看感动了。

除去电影故事本身，更让人惊喜的是它的拍摄手法和表现形式。

《冰淇淋与雨声》海报2017年3月，日本小镇，一出舞台剧即将上演，但这场舞台剧终止了。

故事的结局赫然写在了电影开头。

演出前一个月。

被选中参演舞台剧的六位学生演员第一次相聚排练，这场舞台剧的导演是松居大悟，他也正是这部电影《冰淇淋与雨声》的导演。

不仅如此，片中所有角色的名字都是演员的真实姓名。

导演松居大悟舞台剧讲述六个朋友中有人要搬离小镇，其余人极力挽留，借以追述痛苦的回忆和青春时期的挣扎，改编自话剧大师尤金·奥尼尔的《早餐之前》。

但这不重要，重要的是六位演员出演这出舞台剧的过程。

电影以舞台剧排练开场，导演一声令下，排练开始。

这个时候注意看电影画幅的改变，画面的上下方迅速出现两块黑色幕遮，画幅由正常的16:9转变为宽幅的2.35:1。

第一段的排练结束后，导演喊了一声“停”，画幅又再次变回2.35:1。

这种转变像是事先制定好的游戏规则，用以区别舞台剧与现实，提醒观众别混淆了。

在画幅上做文章的电影不在少数，比如冯小刚的《我不是潘金莲》选用了4:3和圆形画幅；贾樟柯在《山河故人》和《江湖儿女》分别用了4:3和16:9两种画幅，区别九十年代和现在。

我不是潘金莲 (2016)6.72016 / 中国大陆 / 剧情 喜剧 / 冯小刚 / 范冰冰 郭涛不过，画幅变化玩得最有诗意，也最令人印象深刻的当属多兰的《妈咪》。

男主用手扒开屏幕，画幅由4:3缓缓变为16:9，也暗合着剧情里新生活的开始。

这是一个天才镜头。

《妈咪》

妈咪 (2014)8.22014 / 加拿大 / 剧情 家庭 / 泽维尔·多兰 / 安娜·多尔瓦尔 安托万-奥利弗·波尼安除了打通舞台剧和现实的结界，电影偶尔还会打破第四堵墙，让演员冲着镜头外说话，让人分不清这是在排练还是在自我拷问。

打破第四堵墙舞台剧的剧情外延至现实，影响着演员的生活。

除画幅的改变，电影在表现形式上也有亮点。

一是在同一时空下表现时间的流逝，二是通过乐队的演唱作为主人公的内心旁白。

演员森田低头看剧本，再抬头时，身后的场景已然置换一新，时间也往后流逝了一周。

这有点像舞台剧的转场。

这种将时间铺开在时间轴上瞬时跳跃的做法，最典型的例子在王家卫的《花样年华》中。

张曼玉与梁朝伟在饭馆用餐，镜头在横移后，注意看张曼玉已经换了一身旗袍，说明这不是二人的第一次约会，但视觉上给人的感觉就像这还是之前的那顿饭。

《花样年华》

花样年华 (2000)8.82000 / 中国香港 / 剧情 爱情 / 王家卫 / 张曼玉 梁朝伟《冰淇淋与雨声》的音乐制作是由日本乐队MOROHA完成的，他们出现在镜头内，将人物内心的想法具象化，用歌唱的形式表现，代替了传统的画外音旁白。

日本乐队MOROHA之所以这么做，一是大胆创新，二是为了保持连贯性，因为这部74分钟的电影只有一个镜头。

是的，74分钟的长镜头，一镜到底。

这也是电影又一亮点。

在日复一日的排练中，每个演员的状态都被调动了起来，都把这出舞台剧当作了自己的一个小小梦想，彼此间也结下深厚友谊。

有人错过了末班车无法回家，所有人就留下来陪他一起办了个party。

在停电的夜晚，所有人便席地而坐，围着烛光开玩笑，聊梦想，就像顾城的《波兰来客》里写的那样，“那时我们有梦，关于文学，关于爱情，关于穿越世界的旅行”。

旁白在唱着：“我们真的很幸福了，有大大的梦想，有能谈论梦想的朋友，虽然没有女朋友，但酒真好喝。

改变这错综复杂的世界，掀起革命，推翻黑暗。

”

然而，就在演出一周前，所有人却被告知，演出被迫取消了。

因为预售的情况非常不理想，主办方不做亏本买卖，终止了这场演出。

这无疑是晴天霹雳。

沮丧和哀怨写满了每个人的脸，也有愤怒，也有不甘，但冷静下来后细想，更多的还是无奈，对现状的无奈，对自己无力的无奈。

为这出舞台剧倾尽所有的女主角森田看着一个个离去的同伴，内心的想法是：在有限的岁月里，我想要尽情地享受这被赋予的生命。

梦想不会来到你身边并实现，梦想只有努力追逐才会变为现实，是否能够实现并不重要，只要有梦想人生就能熠熠生辉。

于是，即使在被告知无法上台演出的情况下，森田仍然对留下的伙伴们说，来，一起来排练吧。

距离之前定好的演出时间还剩2天，森田召回了所有人。

就像青春校园版的复仇者联盟，他们又聚到一块儿了。

“既然剧院不让我们演出了，那怎么办？

只好硬闯了”。

演出当天，大家在完成最后一次排练后，撬开了剧院后门的锁，溜进了剧院。

这个时候乐队的旁白是：拜托大家了，请听一听。

但实际情况是，台下空无一人。

演出前一分钟，画幅再次出现轻微变化，仔细看，上下两块黑色幕遮正在慢慢消失，在那一刻，舞台剧和现实融为一体。

对于这些被选中的孩子来说，这出舞台剧，就是他们当下全部的人生。

“虽然不知道什么是现实，但很有意思”。

哪怕台下空无一人，这场演出，也要微笑着演完。

负责旁白的乐队声嘶力竭地唱着：“饮下亿万滴眼泪，幻化成决心的话语将其吐出，经历亿万场风雨，亿万朵花凋零散尽。

即使如此，也拼上一生一次的生命，绘出生命的色彩。

时间会湮灭一切，但这份热情可以被保存，一看到就可以回想起这份热情，可以回想起那处风景，可以不让任何人发现，可以出演这场舞台剧，可以燃烧这个剧院，还可以把烧毁的剧院修复如初。

”

这是属于所有演员们的少年心气。

登上舞台，这是梦想的实现；没有观众，这也是梦想的破碎。

但无论如何，这份努力过的热情不会消失，在日后回想起，还是会露出笑容。

对于这些演员来说，他们最光荣的时刻，就是现在了。

至此，电影结束。

不同于一般电影，这部电影的名字直到最后才出现—《冰淇淋与雨声》。

冰淇淋与雨声，这都是美好但容易速朽的东西，一如短暂而绚烂的青春。

即使这些终将被时间带走，但冰淇淋留下的清凉，雨后留下的彩虹，青春过后留下的美好回忆，都将被铭记。

用导演松居大悟自己的话说：“雨声就好像剧场里的掌声，而冰淇淋则是把演员拉回现实的物品。

”将这两种物件并置用作片名，正如舞台剧和现实、电影和生活的同构。

日本这一类热血中二的青春励志电影对观影君很有杀伤力，类似的还有电视剧《火花》，电影《垫底辣妹》、《五个扑水少年》、《唇上之歌》。

《五个扑水少年》海报

五个扑水的少年 (2001)8.32001 / 日本 / 喜剧 运动 / 矢口史靖 / 妻夫木聪 玉木宏虽说是青春励志电影，但不会无由来地打鸡血，也没有故作感伤，对成功也没有病态的渴求，没有冠冕堂皇的说辞，有的只是一股傻劲，和青春时期不服输的愣。

你能从中，看到属于自己的故事，这是最难能可贵的。

青春正好，与命运的这局棋，我是先手，且会全力以赴，不让半子。

哪怕最后被杀到片甲不留，也绝不会中途主动投子认负。

微信公众号：陪你观影（ID：peiniguanying）

首先说明，导演其实是有才华的，时间处理、场景切换、自带bgm这些点其实很巧妙。

题目应该是《冰淇淋与雨声》，导演解释的意思我觉得完全make sense，冰淇淋是话剧到现实的道具，雨声是在剧场听到的观众的掌声，结合电影来看这个主题挺有趣的。

但是这部电影给人观感比较一般，我认为主要原因是这部电影对创作动机的反思真的太不足了。

接受采访时导演回答说创作动机和电影里很类似，因为排练的话剧临时不能表演，演员们有不满情绪，导演觉得这些情绪很有青春追梦等一系列元素的意味，就拍了电影来记录。

所以，导演差不多是基于一种心情去拍，但其实情绪本身是非常私密、抽象的，如果不加以一定的反思来打磨剧本，作品的个人色彩就会非常强烈，以至于虽然是青春群像反而有种晦涩的感觉。

追踪意识这件事在艺术创作中是特别难的，在历史上能做的很好的人其实也寥寥无几，大部分还都是用文学为载体。

导演的勇气可嘉，但是由创作动机到电影制作这其中所经历的反思沉淀还是让人觉得非常欠缺。

片子中几位小演员的表演有点惊艳，隔着屏幕能感觉到稚嫩，但同时也能感觉到是用心的表演。

另外还个巨大的槽点，不吐不快。

导演在接受采访时表示，自己很了解青少年的内心，but在片子里所呈现出的15、6岁年轻人的内心戏是threesome未遂还要杀人，超验主义和虚无主义…导演说自己很了解高中生，让人有点点怀疑。

难道我过的是假青春！

( ´▽` )ﾉ

一镜到底：时间的凝固与流动松居大悟的《冰淇淋与雨声》以74分钟一镜到底的拍摄手法，将青春的热烈与虚无编织成一场视觉与情感的实验。

长镜头既是技术挑战，也是叙事核心——它既凝固了排练到演出的线性时间，又通过空间调度实现了时间的跳跃式流动。

演员穿梭于公寓、街道、剧院之间，镜头如幽灵般游走，将几周的排练压缩进一场“即兴”的连续表演。

这种手法既呼应了青春期的混沌与无序（“时间在流逝，我们却原地踏步”），也让观众被迫直面角色情绪的连贯性与破碎感。

然而，长镜头的意义不止于炫技。

当镜头跟随女主角森田穿过走廊、推开门的瞬间，场景切换与时间跳跃被无缝衔接，现实与戏剧的界限悄然溶解。

正如导演所言：“一镜到底是现实与电影永远无法实现的奇迹”，它既是对传统蒙太奇的叛逆，也是对青春“不可逆性”的隐喻——每一步都是唯一，每一次选择都无法撤回。

---虚实边界：画幅与身份的暧昧游戏电影以画幅的伸缩作为区分“现实”与“戏剧”的视觉密码：16:9的日常排练与2.35:1的舞台剧场景交替出现，仿佛在提醒观众“此刻是表演，彼刻是生活”。

但这种提醒本身却是虚晃一枪——演员以真实姓名出演角色，导演本人客串剧中导演，戏中戏《Morning》的台词与排练者的心声重叠，形成三重嵌套的叙事迷宫。

更微妙的是，当演员直视镜头喃喃自语时，第四堵墙的打破不再是一种间离，反而成为情感的共振器。

观众被迫直面角色的困惑：“我不知道什么是现实，但这样很有意思。

”这种暧昧性在结局达到高潮：空荡的观众席与雨声般的掌声交织，舞台剧的失败与青春的胜利在此刻合二为一。

冰淇淋的速朽与雨声的短暂，最终被凝结为一种永恒的“中间状态”——既非纯粹的现实，也非虚构的幻梦，而是青春独有的、虚实交错的诗意。

---中二与虚无：青春的双重面相影片的争议性恰恰源于其主题的撕裂感。

一方面，MOROHA乐队的说唱以近乎暴烈的节奏嘶吼着“饮下亿万滴眼泪，化作决心吐出”，将少年的热血推向极致；另一方面，戏中戏《Morning》的剧本却充满虚无主义的底色——弑母、背叛、逃离小镇的绝望，与现实的“无观众演出”形成残酷对照。

这种矛盾正是青春的缩影：中二的激情与虚无的底色并存。

正如女主角森田在排练中反复质问：“改变世界的革命在哪里？

”答案或许藏在乐队的一句歌词中：“梦想是否实现不重要，追逐的过程已让人生熠熠生辉。

”影片拒绝为青春提供标准答案，而是以近乎笨拙的姿态拥抱其复杂性——热血是真实的，徒劳也是真实的；反抗是必要的，失败亦是必然的。

---形式与内容的辩证：一场未完成的实验《冰淇淋与雨声》的缺陷与魅力同样鲜明。

批评者指责其形式大于内容，台词流于空洞（如“所有人都是无聊的”），角色的愤怒缺乏深层动机。

然而，这种“粗糙感”恰恰与青春的本质相契：未经雕琢的呐喊、未完成的剧本、排练中的走音与错位，共同构成了一种“活着的证据”。

导演松居大悟的野心或许不在于讲述一个完美的故事，而是通过形式实验捕捉青春的流动性。

当镜头最终定格在空荡的舞台，雨声如掌声般倾泻而下，我们看到的不仅是六个少年的谢幕，更是所有人在成长路上必经的仪式——即便无人喝彩，也要将热情烧成灰烬。

---结语：在速朽中寻找永恒《冰淇淋与雨声》是一封写给失败者的情书。

它用冰淇淋的融化隐喻青春的短暂，用雨声的喧嚣替代缺席的掌声，最终在虚实的裂缝中完成对“存在”的确认。

正如片中那句台词：“时间会湮灭一切，但这份热情可以被保存。

”当银幕暗下，我们或许会想起自己曾为某个“不可能”的梦想奋不顾身的时刻——那一刻的笨拙与纯粹，正是青春最动人的遗产。

　　本来写完《塔巴德魔神》就准备睡觉的，谁知道鬼使神差看了《冰淇淋与雨声》，喜欢的不得了。

看完电影是凌晨四点半，查了一下资料，才知道《安昙子下落不明》，也是出自导演松居大悟之手。

　　要说《冰淇淋与雨声》的惊艳之处，在于一镜到底的拍摄手法，以及自由切换的时间空间，整部电影可以说拍的很有力量。

无论是抱着话筒傻说唱的MOROHA，还是演员森田想努力追逐的独白，都表现的很有力量。

但是不足之处，也就在于这些很有力量的东西，打破了电影平缓叙事的灵活性，使得这部分的处理看起来很尴尬。

就像是油腻大胡子大叔，穿着紧绷绷的女仆装高喊自由一般。

　　电影的故事很简单，开头就给出来了：2017年3月，小镇即将上演一出舞台剧。

出演的是通过试镜选出来的少男少女，但是因为售票状况不佳，舞台剧的演出被取消了。

以森田想为代表的少男少女们，为了实现梦想，冲破了重重阻挠最终站上了空无一人的舞台。

　　电影的时间一共七十四分钟，在这七十四分钟里，分为现实和话剧排练两条线。

现实部分分别为正式演出一个月前、正式演出三周前、正式演出两周前、正式演出一周前、正式演出两天前、演出当天以及演出前一小时。

话剧内容以排练的形式穿插存在于这七段现实中。

　　话剧的内容也很有意思，想从小的朋友怜子要离开小镇去远方发展，送怜子离开的时候，想伙同怜子杀掉了自己的男友伟登。

而与此同时，想的母亲也即将病逝，想一瞬间面对失去所有人的命运。

　　冰淇淋和雨声，很好的诠释了故事内外。

冰淇淋甜美而冰冷，而雨声暴躁却充满诗意，哪一个才是梦境？

哪一个才是现实？

或许根本就说不清楚，当话剧里的怜子要离开的时候，那是一种对生活的追逐，能够追逐生活的人，是拒绝平庸的。

就像想在话剧里杀了男友一样，就像现实中不愿意接受话剧停演的结果。

无论是现实还是话剧，要表达的东西，在本质上都是一样的，就是不想向命运妥协。

　　然而，当演员们站上舞台的时候，面对的却是空无一人的观众席，这就是现实。

话剧中也是一样，虽然杀死了龌龊的男友，但是想最终要面对的，还是警察的调查，伟登父母的责难。

讨厌的母亲即将死去，迎面而来艰苦生活又成了要面对的压力。

哪一个是好？

哪一个又是坏呢？

其实都不重要，就像导演在开头说的，故事的开端是朋友要搬离小镇，讲述的是痛苦的回忆和人物的挣扎，故事的情节并不重要，想要描绘的是几个人在舞台上的生活，所以六个人使用本名出演。

　　电影里的松居导演就是松居大悟本人，他所说的故事情节，既包含了话剧的故事情节，也包含电影本身的故事情节。

情节是次要的，最主要的是把青春期人物复杂的情感真实的表达出来。

　　开头是故事和话剧的重叠，结尾其实也是，六人站在舞台上的宣言，不仅仅是针对那个话剧的，更像是电影本身的呐喊。

　　moroha在开头念道“时间解决一切，无论是失恋、屈辱、或是后悔，所以我只是吃喝拉撒，然而我为什么你为什么还是要拼命的抓住这份稍纵即逝的情感？

”在结尾的时候，MOROHA喊出了类似的话，只是说“时间会解决一切，这样本来就可以了，为什么我还放不下，那些再坏再不堪的垃圾都是我的一部分，还给我。

”　　MOROHA喊出的话，其实就是青春本身，丢掉了就再也回不来的本身。

当我们身在青春的时候，特别不在乎。

而当青春走了，却又那么不舍。

就像《就这样，我们把金鱼放入了泳池》里最后的旁白：最后，一切都没有改变；最后，我们的所作所为毫无意义；但是最后，她们唱道：“来吧，轻轻吻我吧，一边凝望大海与天空，我爱你，此时此刻我活着……”这就是青春，明知道什么都改变不了，但是还是要去改变，只因为，我活着。

　　就像这部电影一样，生硬尴尬中二病，不过就像是热烈的烟火，很快就会消散，但是，这就是青春。

我相信，这就是大多数人喜欢这部电影的原因。

虽然他们注定会消失，那又有什么关系呢？

　　那种，迷茫，又忧伤的东西。