蜘蛛侠：纵横宇宙

该系列第二部。

我眼中的优缺点。

优点：1 第二部能拍成这个水平，本身不易。

2 动画设计绚烂夺目，无可匹敌3 音乐虽然没有上一部flower那种超级流行歌，但基本上高水准，让人边看边摇的地方很多。

4 冷幽默超级多。

虽说需要点本土知识。

5 几百个蜘蛛侠这事儿就很牛掰。

恐龙，猫，乐高，搞笑中搞笑。

以上五点就值回票价。

缺点：1 主题比较老套。

年轻人成长，家庭矛盾，部分煽情很啰嗦。

2 蜘蛛侠变成组织后的黑化，再次渲染所谓集体是恶，个人和家庭才是正义。

这也是俗套。

3 蜘蛛侠宇宙越发有点力不从心。

印度蜘蛛侠说印度梗和朋克蜘蛛侠英音梗之类的，只能用这些元素来充斥充斥。

这玩意看多了也就觉得没啥了。

4 我命由我不由天，蝙蝠侠变哪吒。

没什么能力越大责任越大的那种价值观了，变成所谓的打破宿命和建制的那种东西了。

5 最烦这种未完待续了。

plus蜘蛛侠还管人家零元购。

这真是电影中的电影了。

从剧情，表演，美术，音乐，技术，主题，情感，文化角度分别谈谈我对这部电影的感受。

剧情方面，武戏表现快塞得溢出来了，文戏却如此干瘪，观影体验截然分割成静和动两部分，静则昏昏欲睡，动则目不暇接，堪称节奏崩盘。

结构是比较严重的瘸腿，轻轻重重捉摸不透，作为叙事保险绳的家庭情节和感情线却让整个观影体验直接烂掉。

处理种族议题和多元主义野心很大，但浅尝辄止，只是扯了些纸面上的设定，没有从情节深入挖掘。

少数族裔社群party这么好的讲故事场景，又落回到青春期遇上更年期的主题。

缺乏胆量切中要害。

开篇的文戏和几乎全部文戏的质量都令人失望，我在电影院里坐着，频频听到其他观众打哈欠的声音，如果音乐再调小点说不定真睡过去了。

剧本的问题不只是等了两年进电影院只看了个连续剧第一集，而是核心戏剧主题没有立住。

表演方面，迈尔斯的形象依然令人惊喜，尤其是表情很灵动，正因是黑色的战衣，所以在如此复杂的彩色场景里才能看得清楚迈尔斯每一个动作。

肢体的行动莫名有舞台剧表演的节奏感，蛮考究的。

美国漫画相较于日漫，总在试图捕捉角色动态最有戏剧性也最夸张的那个关键帧，于是在电影里形成了一种独特的漫画风格。

作为z世代新英雄，角色的成长发展使他离开了kid形象所带有的cute感，失去了我个人最喜欢的那部分魅力。

从青春故事进入了成人世界边缘，迈尔斯的挣扎也愈成人。

这也是没办法的事。

格温的问题留到下一部再谈。

俗套的坏小子配乖乖女设定这里做了反转，有望上名牌大学的迈尔斯的父母很警惕叛逆的格温。。

徘徊者的定位在编剧理论里就是心魔，这心魔的出场位置就很奇怪，根本不是照着一个完整的剧目去做的嘛。

视觉效果和美术方面，动作场面和特效仍然在水准之上，但美术设计有些飘忽，失去了前作的确定性。

美术似乎有心思通过插画史、漫画史串联美国历史的不同时代元素，却失去了上一部Alberto Mielgo带来的确定性。

我认为第一部的画风是确定和连贯的，风格化是考究的。

美术的主要问题仍然是上文提到的，丰富庞杂却浅尝辄止，在台词里提几句莎士比亚达芬奇手稿和嘲讽现代艺术根本没什么意义，还累赘。

视觉特效中有利的部分是模仿丝网印刷的偏位。

技术与平行宇宙的主题形成有利的、有价值的关联性（尽管我还是觉得太花哨了）。

再然后，当导演确定了要立足于超级拼贴的多元风格，似乎就能理解反派为什么定了如此简洁的黑白奶牛草图人。

迈尔斯的每个表情在屏幕上都能看得清楚，是花了心思的，因为很多电影做不到这一点。

配乐方面，上一部的配乐给人留下了深刻的印象，而这一部的配乐尽管没有带来初见的惊艳，仍在水准之上。

有几处惊喜，比如父亲下楼那一段。

这一部配乐好像还是丹尼尔·彭伯顿，这个人很擅长营造氛围。

我很喜欢他《亚瑟王：斗兽争霸》里那一段喘气口哨采样的配乐，《坏蛋联盟》中的爵士元素也很到位。

他的音乐的戏剧性很足，看完出影院之后，突然get到了为什么在纵横宇宙里，铺垫危险的「音乐动机」似乎在延续上一部徘徊者叔叔的那个狼嚎声效。

在后半程解开谜底——因为确实是一回事——危险就来自于迈尔斯自己。

在上一部中，狼嚎是很频繁出现的动机，仿佛嗜血的猎手在黑暗之处伺机而动，给氛围塑造出的压迫感很强，和小蜘蛛的危险预兆配合起来就像一种有趣的警笛声。

导演风格和技术方面，采用了超频繁的剪切和特效处理，高速剪切可能想通过类似杂耍蒙太奇的东西，表达出和平行宇宙穿越相关的破碎意象、潮流感，尽管我个人不买账。

长镜头的运用很有效，堪称惊艳，无可指摘，是华彩。

再说一遍，我真的很喜欢第一部的Alberto Mielgo。

所以存在个人偏见。

从主题和深度的角度看，尝试探讨多元主义和种族议题，用到了大量z时代元素和植入广告（迈尔斯第一次亮相是在2011年的漫画）。

我对主流电影更多探讨多元化的价值乐见其成。

遗憾的是主题整体上缺乏统一和确定性。

人物线索众多而缺乏侧重点，比例失调。

最大的问题在于核心戏剧命题的混乱，不知道导演到底想抓哪个点，家庭亲情友情爱情自我成长生小孩还有一堆别的，实在太多了。

对我而言，迈尔斯和彼得的不同之处除了种族，就是他更处于一个孩子的挣扎中。

上一部中，这个点挖掘的很不错。

在各版本设定里，迈尔斯往往都是作为彼得的后辈，（彼得15岁迈尔斯13岁），这一部中，迈尔斯来到了15岁，也就是彼得当上蜘蛛侠的时候。

蜘蛛侠们阻挡迈尔斯行动的理由似乎完全是为了彩蛋合照画面服务的。

观影体验和情感方面，平行宇宙的设置做到了最后那个很有趣的叙事诡计，但整体观影体验不好还是蒙太奇的问题。

人物边缘闪光特效和光污染问题，尽管闪光戏份我都用手捂眼睛了，回到家里仍觉得眼睛闪得有些不舒服。

比《瞬息全宇宙》和传说中的印度运镜还难受，观影体验逼近3D龙。

情感戏份，为了照顾蜘蛛小队，每个角色的都分薄了观众的情感额度。

我觉得观众的心灵能量是一个比较窄小的额度，格温、迈尔斯、2099、印度侠都有相对详细的背景描绘，迈尔斯和格温冗长的家庭戏份真的不应该。

最后从文化价值上来谈。

电影对于多元文化的探索似乎只是表面的套用，缺乏深入和精确度。

影片试图涉及多个文化和社会议题，但在整合和处理上存在困难。

比之《吉巴罗》那样气场坚定的硬核影像，这部就是假朋克（这样讲可能有点苛刻，毕竟只是爆米花片。

但好莱坞体系下也有能做好这一点的电影）从头就开始铺垫的父子关系，让我以为在片尾能看到小迈尔斯和父亲坦白身份。

并没有。

平行宇宙那段母亲的戏弄的好像出柜失败，电影院里很多人笑出来了，不过仔细想想，道理上来讲超级英雄揭露身份也算一种出柜了吧。

（最后一次补充，看到豆瓣另一篇影评说格温的房间中出现了很多跨性别元素，再次印证了上面的观点。

）整部电影就像一座印度的达罗毗荼大塔门（如图 米纳克希神庙），乍看表面装饰华丽纷繁，其实结构很简单。

以下是私人的碎碎念。

请原谅。

蜘蛛侠是美漫里我唯一喜欢的角色，包括彼得和迈尔斯。

我没看过其他漫威漫画，但迈尔斯的部分都找来看了。

也算死忠粉了吧。

动画中最喜欢的就是平行宇宙和漫威新动画蜘蛛侠剧集（喜欢这部剧集是因为里面的角色都是小孩子，从而避免了蜘蛛侠电影里累赘的情情爱爱，果不其然，纵横宇宙的爱情线成了败笔。

个人看法）。

蜘蛛侠这个角色的设计可能属于神经喜剧(Screwball comedy)的影响，一种高速密集对白的喜剧类型。

（所以说下一部能不能找艾伦索金当编剧*）（毕竟配乐和芝加哥七君子是同一位*）迈尔斯是非裔和拉丁混血（父亲是非裔美国人，母亲是波多黎各人）而且用到了语言这个点，在民族主义批评中总是谈到这个玩意，但愿下一部能好好挖下去吧。

本来很期待他们能用这个题材讲好一个少数族裔故事的，但看到最后也仅仅止于开头女老师的难民笑话（第一部在叔叔的身份上挖的不错，叔叔好像是罪犯来着），这和迈尔斯的家境也有关系。

迈尔斯是中产阶级好学生，父母都有教养，从这个设定来看，编剧又有意淡化了刻板印象。

也行吧。

这部的美术太飘了。

努力想告诉观众我才气四溢，并没有做到。

如此挥霍无度的视效就像青春期少年的创作，那种自我极度膨胀的状态。。

甚至不如穿靴子的猫2。

我不知道立项的时候制片人找编剧说了什么，但猜测编剧在竭尽全力串联那些要求：要一百个蜘蛛侠同框，要玩一些经典的蜘蛛侠烂梗，要有大场面，要有爆炸，有飙车，要有最后一分钟救援（不觉得一分钟救援用的太多吗），要有亲情爱情友情师生情要有萌娃萌宠（那个蜘蛛马？

），还有种族问题，社群族群，甚至还有点想从反文化的角度切入迈尔斯作为z世代英雄这个定位。

在编剧的清单上或许还有对多元种族的出场数目的要求，朋克蜘蛛侠那十几秒就参入了一大堆乱七八糟的拼贴。

我实在是觉得，集中非拉裔一点深入挖掘就够了，这样松散不像话。

因为想要探讨的东西不是一部电影能安放的，为了出续集每一个点都犹如蜻蜓点水。

看起来是复联完结后想要打造新系列。

剧本就像脆弱的蛛丝，根本拉不住这么重这么多的主题。

总说美国历史短，但也不是这么一个电影就能全串联的，更别提还有如此繁多的时代命题，一张蜘蛛网真的能兜住吗。

这部电影最值得注意的就是那个无政府蜘蛛侠，因为整部电影就和他一样，展现出被招安的伪朋克的姿态。

所有花花绿绿的多元视角落到纸上只是一个套着各式文化外皮的纸片人，却没有展现出真正的反叛和多元性，就像什么东西丢进咖喱锅里煮出来都是咖喱味。

好莱坞总是在迎合庸俗的中产阶级趣味。

我们知道好莱坞编剧的工作一般是串联那些点，这套体系对点和点中间的过程向来不太重视。

但电影里找的那些价值太牵强和粗糙，人物仿佛在为不存在的问题而挣扎，为什么格温老爸对女儿举枪？

为什么蜘蛛侠大军非得和迈尔斯站到对立面？

还有很多类似的难以成立的地方，我从电影院出来已经想不起来了（每次这种让人无语的地方往往就是要进到文戏了）。

价值的不确定让各位角色的定位都显得模糊，尤其是吸血鬼蜘蛛侠，看不懂。

其实第一部的剧本弱点也挺大的，但第一部的弱点我能忍受，这一部有点遭不住。

迈尔斯和母亲告别那段戏，堪称灾难，彻底的Impossible，母亲到底是在怎样的力量的驱使下念出那种哈姆雷特腔调的寓言式句子的？

——是编剧在上她的身，借她之口说话。

还有，电影里出现了不少的格言式句子。

但每一句「金句」的抛出都没做到掷地有声。

最后的核心戏剧命题果然落回到了你是谁（挺莫名其妙），和后现代主义的命题相互对应。

字节黑人女孩的心软是否是BLM的对应？

印度蜘蛛侠蛮酷的，我本来也想在自己的故事里写一个有关馕就是面包的设定，没想到在这里已经被吐槽了。

无政府朋克蜘蛛侠分量好像还蛮重要（ps:他长得好像巴斯奎特啊www），下一部估计会着重描写吧。

好像是叫霍比·布朗，就是徘徊者嘛。

出场部分着重在描写六十年代的反文化浪潮。

中文翻译似乎模糊处理了石墙运动之类的东西，我不确定因为那段剪切很快没看清楚，或许是给未来引入性少数留的扣子（草）白人的帕克老师的存在到底是什么意义？

开篇那十分钟的格温的拉胯文戏害得我专门带去电影院的炸鸡都吃不香了。

第一部里格温还蛮有神秘感的，这一部深入挖掘反而有点无趣了。

电影院里的人不停打哈欠就能证明这文戏有多糟糕。

格格温世界采取的类似女性杂志的油彩效果在银幕上看效果不太好。

信息量有点少。

喜欢类人蜘多元宇宙那个词。

42的梗美国人还没玩吐吗。

蜘蛛织茧和虫巢意象也用上了，挺喜欢的。。

朋友说原神的角色设计像潮流球鞋，我觉得这个ip的设计也有潮流球鞋化的趋势。

去的电影院有点老了，喇叭似乎有问题，配音感觉隔了一层距离。

看到最后两分钟蹦出来个未完待续，心都咯噔一声。

哪有这样拍电影的啊，这是下礼拜就能看到的网飞连续剧吗？

蜘蛛侠2纵横宇宙的剧情的完整度恐怕只是三幕剧的第一幕的程度，且不是完整的一幕，想不明白好莱坞的工业体系怎么允许这样的片子上映的。

最后免责声明：批评他并非表示我上我也行，只是觉得他本能做得更好。

回顾漫威宇宙十五年来的真人影视化操作，虽然做到了商业的极致，但始终有种舍本逐末的感觉。

他们在好莱坞的庸俗流水线上越走越远，却忘记了自身的根本属性：每个漫画师/插画师都是一位当代艺术家。

自上一部《蜘蛛侠：平行宇宙》开始，最先撬走漫威IP的索尼就开始了这种本性复原的工作：回到动画，回到这种自由度更高的创作。

这显然比真人电影更能打通次元壁，不但能够将古早的手绘和现代的CGI这些异质性媒介融合在一起，也能在不同宇宙的场景中展现多元的美学风格。

画师们被淹没的才能，如今又可以尽情地挥洒在电影当中，到《蜘蛛侠：纵横宇宙》，索尼希望打造出更为极致的多元美学风貌，因此以1000多名画师的庞大团队联合作业，打造出这部涉及6个平行宇宙和240多个角色的作品。

面对这种漫画电影的“文艺复兴”，影评人西恩·奥康纳在Cinema Blend给出了至高的评价：“电影的每一帧都值得挂在博物馆的墙上。

”没错，它就像一个珍奇屋、万花筒，复原了现代性的那种难忘的冲击，展现了高饱和的视觉密度，如同在当代博物馆的圆形大厅里虚体遨游。

《纵横宇宙》中的第一场动作戏，选在古根海姆博物馆也绝非偶然，这是纽约博物馆一条街中的地标，它的螺旋上升式设计被视为现代建筑艺术中绝对典范。

就如美弟奇家族主导了佛罗伦萨的文艺复兴一样，如果没有上世纪古根海姆家族的一系列翻云覆雨（尤其是希拉·李贝和佩吉·古根海姆），现代艺术能不能发展到今天的辉煌还是个未知数。

佩吉·古根海姆有一句豪言：“我不是艺术家，我本人就是一座博物馆。

”如果电影公司有这样的美学自信，在这种藏品数字化，可以随时撷取、征用和再创造的时代，就完全可以成为今天的美弟奇或古根海姆家族。

在索尼对超英的回炉重造中，我们很容易看到这种收藏家的眼光。

比如达芬奇的秃鹫飞行器在历史上属于未竟的器械发明（其真实图纸可以参考多米尼克·劳伦查的《达芬奇的飞行器》），今天就会成为复古的装置艺术。

而在古根海姆博物馆被这只秃鹫搅动而遭殃的《气球狗》，则是杰夫·昆斯1994年设计的现代装置艺术，因此这一美术馆的动作戏不光是一种动作的旋风，也是一种背景的旋风，是装置艺术跨越500年的历史。

古根海姆博物馆的弧形墙壁设计曾经惹恼过很多当代画家，其前提是对平板画框的不尊重，但在今天谁还坚持一种“平框主义”几乎会笑掉大牙。

绘画经过过去一个世纪的耕耘，已然进入了多元共产的时期，甚至包括插画、漫画这种流变形态很强的绘画形式也具备了艺术地位。

我们或许更熟悉集英社的黑白日式漫画，它们带着一致性的风格和强烈的蒙太奇特征，在煽情和世界观方面享誉全球。

但那些边缘锐利、色彩浓郁、擅长无厘头或富于硬派特征的美漫，则代表着另外一种路线。

如果日漫在某种程度上受惠于浮世绘，那么美漫就更多和西方当代艺术的发展并行，比如拼贴、泼墨、色块主义、嬉皮风、抽象派和波普艺术等等。

美漫比日漫更讲求画面的“流变”，它们的彩色效果总能幻化无穷。

《蜘蛛侠：纵横宇宙》就此承接起《平行宇宙》的未竟责任，那就是扩展漫画艺术自身的视觉长廊，影片当中出现了不下十种的画风，从最初的手绘到当代的CGI，从老式的线条风到今天的赛博朋克风，从波普艺术的色块到更现代的故障艺术，影片将自身复活（animate）成一本漫画书。

就观众的角度而言，风格化的漫画总有一种强大的吸引力，对此最有代表性的可能是《罪恶之城》与《守望者》，它们虽然都是真人电影，但并没有放弃漫画的视觉特性。

这也让作品展现出一种格外真诚的艺术品质，至今都是漫改电影当中的巅峰之作。

你当然可以说，是弗兰克·米勒这位兼任制作人的漫画天才在为上述作品保驾护航，现实当中如其这样兼通两个媒介、两种领域的人也少之又少。

因此，如果抛开真人作品的实拍制约（这就像超级英雄的紧身衣），动画肯定就是最有效、最纯粹的手段，因为动画本身就是电影和漫画之间的媒介，它既在艺术手工维度和漫画一脉相承，也能容纳各种真人影视中难以兼容的异质风格。

比如说，你很难想象在真人版电影中制作出多个平行世界的不同风格，因为在写实路线下这些世界只能呈现出地理风貌的差异。

但在动画当中，画师就可以自由形式各种艺术流派的权限，《纵横宇宙》便是以此奠基了不同的空间，构造出非稳态的平行宇宙，它在本质上可以看做当代艺术并置和碰撞的产物。

影片从格温的乐队幻想开始，展现的就是一种普遍的现代艺术：从康定斯基、杜尚到汉斯·李希特、维京·艾格林、沃尔特·鲁特曼的实验图形交响曲。

这些艺术家曾经活跃于1920-1930年代，也是佩吉·古根海姆巡游欧洲捧红现代艺术的时期。

抽象画、装置、摄影、实验电影和动画电影在那个时代曾经不分彼此，存在于一个共生的艺术宇宙当中。

而一旦格温回到现实，她回到的并非一种写实的空间，而是水彩的空间。

水彩才是这个世界（65号宇宙）的现实，这种“现实”赋予了女性以柔美，赋予了情感以波动的节奏。

渐欲融化的色彩构造出这个世界的绝对非稳态，是精神世界外化后的极度脆弱。

迈尔斯的世界（1610号宇宙）则是一种“正统漫画现实”，这种画风粗放、写实的世界是美漫的基底，象征着平行宇宙中的正统叙事，或者说是整体景观中的“地平线”。

就此来说其中的主题变奏就值得玩味了——影片中的精彩时刻就是所谓的“逆转地平线”，这一逆转不仅吻合蜘蛛的特性，也暗示着越出常规世界或常规的美学思路，因而不同的艺术风格就成了蜘蛛侠们穿越的宇宙图景。

这种“造访”，在现实当中自然是绝对虚构，但也不妨比喻成从一个展厅跨越到另外一个展厅。

在印度蜘蛛侠帕维塔所在的50101号宇宙，是曼哈顿与孟买的结合体，或者是纽约规整的几何风格和印度曼陀罗风格的结合体，一如他的面具是泰亚姆舞脸部彩绘和蜘蛛几何学的集合体。

这种视觉既现代又抽离，是现代艺术杂凑主义的表率。

当然也不能忽视蜘蛛侠2099所在的那个无菌般空虚的未来派宇宙（928号）以及朋克蜘蛛侠霍比·布朗所在的朋克宇宙（138号宇宙），它们本身都有着富于政治含义的艺术源头，一个指向乌托邦，一个指向反乌托邦，但巧合的是他们又可以纳入同一个联盟。

由此，跨越不同蜘蛛侠的宇宙，就是跨越不同艺术的宇宙。

在这一制作原则下，观众的视觉能够被充分调动，漫画师也都可以极尽潜能，因为它重现了艺术和视觉之间的无限张力渊源，造成持久的震颤。

就如影片的制片人菲尔·罗德和克里斯托弗·米勒曾经在接受采访时所说：我们会在不同的宇宙中使用不同的绘画与艺术风格。

每一个维度，每一个平行世界都将是全新的。

这会让观众在一部电影中找到不同的维度。

而且这些绘画，像是出自不同的动画师之手。

在围绕蜘蛛侠剧集起来的漫威宇宙中，确实存在来自不同地域、种族，源自不同风格、流派的画师。

他们的画风并不统一，因此呈现出传统和现代、欧陆和其他地域的异质性共存，他们当中有的喜欢用电脑设计，有的坚持传统的手绘，使用马克笔、铅笔、钢笔、油漆刷、刮刀、丝网这些形形色色的硬件工具。

就此而言，这版动画确实以自身的方式还原了这种“漫画创作的宇宙”。

除此之外，《纵横宇宙》还纳入了最新的第九艺术——电子游戏。

玛戈·凯斯这位极客蜘蛛侠是一个堪比《头号玩家》的角色，她的出现或许代表艺术的潜在未来，这也是索尼近三十年来通过PS主机推出和工作室收购（如顽皮狗娱乐）等等奠基的核心生产领域。

索尼游戏成功的经验已经告诉世界，这个世界上的实拍已经沦为某种打底制作（动作捕捉），只不过是进一步动画化的原料而已。

正是在这些艺术生命过热饱和的世界里，传统的、代表着真人实拍的彼得·帕克显得魅力不存，成为慵懒的中年大叔，而他怀里的女儿梅黛，则代表着下一代的主流艺术未来。

几位历史上的“实拍侠”：托比·马奎尔、安德鲁·加菲尔德和荷兰弟曾经是漫威真人电影里三侠同框的奇迹，如今就只能成为记忆。

索尼缔造的这个漫画文艺复兴的世界，当然容得下现实的场景，比如《毒液》中的唐人街超市老板娘陈太太就出现在“斑点”穿越的世界里。

“斑点”作为一个周身白色且有无数黑斑游动的角色，可以视为20世纪极简艺术或概念艺术的绝对化身，他的无限穿越能力来自他的艺术先锋性以及理论可阐释性的前提。

从美学复兴上说，《蜘蛛侠：纵横宇宙》必然是打破漫威腐朽传统，且树立全新方向的成功尝试。

这一路线的概念当然来自对漫画媒介、风格和自身艺术来源的重重反思，并以此克服真人电影的不足。

比如从严格的原理上说，无论《蜘蛛侠》还是DC的《闪电侠》都不适合真人改编，因为它们的核心视觉是角色动作高速运动中的流畅丝滑，这意味着既要保证人物风驰电掣的高速运行，又要看清人物的动作细节，这在实拍帧率限制的前提下几乎是不可能的。

至于那种为营造快速感而反向设计的“真人慢镜”，又只会拖慢场景中的节奏，换句话说，就连《黑客帝国》的“子弹时间”也是个徒有虚名的昏招。

通过以动画模式来整合上述风格、美学的历史脉络，且做到了对漫画自身的深度反思，《纵横宇宙》担得起“文艺复兴”之名，它的视觉层面比《平行宇宙》也有着典型的提升。

但关键的问题也在于，这样的模式仍然是一种工业模式，而非艺术本身，即便你能暂时称它是一种情境艺术或总体艺术，但这类艺术也是拒绝重复的，它不可能具有续集模式下的无限生命，因为艺术的永恒总归是基于某种单体的永恒。

理想的情况是，索尼在制作完第三部《超越宇宙》后就停止这一项目，做到善始善终、急流勇退。

否则围绕故事内核的争议、形式大于内容的指控、强行植入的政治正确以及强度过剩的光学污染的问题会接踵而来，潜在的恶评终将会盖过目前因为艺术堆叠的爽酷而产生的诸多欢呼。

【虹膜】

《纵横宇宙》的失控是全方位的。

从Miles的宇宙扩展到复数的蜘蛛宇宙，动画顺势引入了全新复数的角色故事，视觉风格，但失败的执行使得这些繁复的角色变体没能凝聚成一部复调乐曲。

更糟糕的是，这些变体甚至不是朋克蜘蛛侠口中那些去中心化的各显神通，而只是嘈杂的噪音。

我无意讨论本片在叙事和视觉上的不尽人意，更希望聚焦本片的反叛主题是如何在一种创造奇观的自恋中涣散和分崩离析的。

如同本片用一个粗糙的“经典事件”元叙事设定将各路蜘蛛侠汇集，主要的群像人物：Miles, Gwen, Peter, Miguel也共享了一个超英题材中陈词滥调的人物母题：Daddy Issue，或将这一问题宽泛化：责任规训与个人反叛。

所有蜘蛛侠都受制于一个牵强自恋的规则：即宇宙中关于蜘蛛侠的特定事件必须发生，否则其宇宙必将坍塌。

他们也都服务于一个大家长式的蜘蛛侠：Miguel。

这位宿命性地失去女儿的蜘蛛侠被脸谱化地塑造成了一位邪恶的父权符号，管控了蜘蛛社会的宿命规则。

主角Miles作为这一规则中的“意外”，则被置于一个经典的火车难题矩阵中，并做出了逆天改命，既要又要的破坏性选择。

并非说daddy issue或反叛无法形成一个成功的作品主题，甚至本片已经通过引入当前社会议题的方式为daddy issue注入了新的Gen-Z活力。

无论是面对父母的身份认同危机，还是隐约关乎移民叙事的一句 “You don’t belong here”，都是Gen-Z最感同身受的主题。

可惜的是，这种反叛主题的可信需要基于拥有主体的、真实可信的角色，而这恰恰是《纵横宇宙》主题乐园和漫画式的叙事中最为缺失的部分。

兴许是《英雄无归》的主题乐园粉丝狂欢和《瞬息全宇宙》的广告片病毒式成功给了本片信心，《纵横宇宙》的人物大多时刻都像极了了无生气的提线木偶，只为略显疲态的叙事服务，只为酷炫的视觉（和文化，包括但不限于印度，西部，日本二次元）奇观服务。

“AI写的剧本”之所以成为一个我们的时代常见的批评话语，正是因为作为有主体的观众，我们清晰地意识到片中情节的符号性和功能性已然从合理的叙事性中溢出：一切情节只为满足观众对故事的猎奇和娱乐欲望；我们意识到片中的人物只是供给观众消费的傀儡：被故事绑架，上演似是而非的闹剧。

Gwen的故事线显然是片中的高光，她的宇宙特有的水彩视觉风格也赋予了影片独特的情感力量。

作为片中可能是最好的视听和人物呈现，Gwen被送回自己的宇宙与父亲和解的情节贡献了本片为数不多的人性时刻。

这些真正有效的传达就在不断出现的Peter的中年危机嘴炮和Miles对一个悬浮自恋的“经典事件”的反应中被埋没了。

如同Miles既要救爹又要救世界的幼稚行径，本片对人物呈现的野心也过度膨胀。

我们很少能窥视到任何一个角色的动机，而只是疲倦地追逐着表面的台词和情节。

《纵横宇宙》的叙事是如此空洞，即便如此它仍贪婪地将叙事节奏拉长，甚至在影片接近高潮时戛然而止，只为呈现更多的蜘蛛侠打打杀杀的闹剧。

《纵横宇宙》的反叛主题基于“成为不被定义的任何人”的想象，而片中呆板无聊的角色塑造已然让这份反叛精神处于一种自相矛盾的境地：刻板角色的主体缺失使得角色根本缺乏一种“成为”的能力，Miles终究只是一个耍酷的小男孩，片中逆天改命的允诺也不过是消费社会中虚构的景观。

毕竟在这个兜售幻想的主题乐园中，朋克蜘蛛侠的字字珠玑早已成为了消费品。

俺曾经构思过一个故事，主角一个不入流的小说家，创作某部作品时，其笔下的人物突然从书中蹦出来，告诉主角说你丫水平太差了，怪不得书卖不动，你不能这么写我，我要自己写我的结局……不过这个故事，仅停留在构思阶段。

如今类似的设定在《蜘蛛侠：纵横宇宙》里找到了，好家伙，我的概念还没想好就被他们抄走了！

开个玩笑，不过《蜘蛛侠：纵横宇宙》（如下简称《纵横宇宙》），跟蜘蛛侠一起进入各种《蜘蛛侠》世界里，并势要改变自己宿命的设定，值得一说。

《蜘蛛侠》系列作品，自从2002年托比版问世以来，无论重启了几次，或是什么宇宙，一直遵循了一个不成文的规律——第二部要比第一部好。

《蜘蛛侠2》、《超凡蜘蛛侠2》、《蜘蛛侠：英雄远征》，这些“头文字2”的作品，甚至有机会成为系列最佳，当然这个规律也是适用于《纵横宇宙》。

但本片会不会成为系列最佳，在第三部《超越宇宙》出现之前，我们不会轻易下结论。

但至少本片延续系列规律——超越第一部。

简单来说，如果你是蜘蛛侠的粉丝，本片是小虫粉丝的狂欢，有着大量让人忍不住鼓掌叫好的惊喜元素；如果你只是一个普通观众，该片高超的娱乐性和视觉效果，绝对会让你一本满足，这是顶级的爆米花商业大片。

如果要挑一个毛病的话，那就是意犹未尽，没看够，还想看后续故事。

故事：我命由我不由天第一部《平行宇宙》，当年击败了迪士尼和皮克斯拿下了奥斯卡最佳动画，收获了无数赞誉。

我非常喜欢该片，不过在我看来，电影最厉害的是技术手段和趣味性，故事性相对没那么惊喜，说白了就是少年英雄成长的老路子（没错，蜘蛛侠起源的故事我们又看了一遍，20年内第四次了），融入了平行宇宙的概念（捎带脚的倾诉了一下蜘蛛侠的中年危机），脑洞其实可以开着再大一些。

《纵横宇宙》，从某种程度上符合我对“开脑洞”的预期，那就是比起前作不到10个平行宇宙的蜘蛛侠，这次小虫绝对管够，毕竟蜘蛛侠联盟都出现了，只有你想不到，没有看不到的蜘蛛侠，连托比和加菲的蜘蛛侠宇宙都涉及到了。

而故事本源，其实延续《蜘蛛侠2》/《超凡蜘蛛侠2》的特性——小蜘蛛功成名就之后的身份认证和存在感。

当年《蜘蛛侠2》的经典之处在于，电影描述主人公“是否要做一个英雄”的内心斗争。

电影不遗余力地展示蜘蛛侠的苦恼，因为要做英雄，没有精力完成学业、连累自己的家人、被最好的朋友误解、也不敢向心爱的人表白，各种负面连锁反应，导致超能力不但没能让小虫更强大反而变成了累赘。

《纵横宇宙》对上述论点都有展示，并且进一步探索这个命题。

而正是这个“进一步”成为本片最大的亮点。

★所谓的英雄成长之路，竟然是难逃的宿命？

更离谱的是，迈尔斯发现如果没有那次（第一集）意外，自己宇宙的彼得·帕克不会死，自己也不会变成蜘蛛侠，更不会进入宿命的旋涡……按照常理，小迈尔斯的设定应该会进入到那种自暴自弃的状态，就是再琢磨“要是没有我该多好啊”“我要是不出现就好了”……但本片并没有，因为这个套路，在《蜘蛛侠：英雄无归》里已经玩过一次了。

所以本片不再刻意渲染之下“小人物的失意”的蜘蛛侠特性，毕竟大银幕上的三代蜘蛛侠，乃至漫画书里的标准人设，都是将小虫英雄还原成普通人这么简单。

★《纵横宇宙》来了一个急转弯——就是“我命由我不由天”。

超能力没有成为我的负担，虽然在行侠仗义和现实生活之间有些顾此失彼，但超能力是我的优势，我要努力抵消现实与英雄之间的冲突，不但要打击罪犯，还要保护自己的家人，更要打破宿命。

简单而言，电影的人设和故事动机，把“能力越大，责任越大”的因果关系给反转了，变成了“责任很大，所以能力要更大”。

也就出现了电影里迈尔斯单挑蜘蛛联盟的场面。

如此设定，符合青少年叛逆、激进的个性，也让蜘蛛侠，这个在大银幕上、在观众心目中定型的角色，变成有些不一样。

这是本片故事上的进步。

同理，《纵横宇宙》里无论是迈尔斯还是格温，都有着极为复杂的内心世界，故事走向的变化与人设可谓是相辅相成，互相成就。

PS。

还记得几年前DC大事件《黑暗之夜：金属》吗，就是狂笑之蝠领衔的一堆蝙蝠侠组成的“黑暗骑士团”那个，各种平行宇宙的蝙蝠侠层出不穷。

如今看到《纵横宇宙》，让我这个蜘蛛侠与蝙蝠侠的双料粉丝，那是双厨狂喜啊。

技术：走进漫画书《纵横宇宙》的技术水平，绝对是本片最大的看点，且比第一部更加进化，连同第一部的风格，称之为艺术品也不为过。

电影的视觉风格也跟情节脑洞一样绚烂，不要小看动画电影，动画特有的活力，会打造超越真人电影的视觉风格。

无论是拟真的动作效果还是夸张的漫画风格，加上高速摄影、打斗特效和环境变化，并完全无视物理空间的限制。

单凭这一点，CG动画某些时候就会塑造出比真人电影更加夸张的视觉效果。

正如电影里五彩缤纷的色块溢满每一个角落，让漫威那些真人电影显得像是冲奥斯卡而去的写实大片。

正如之前的宣传那样，《纵横宇宙》最大的特色，就是依照不同平行宇宙，打造出了不同的艺术风格，官方宣传有“六重画风”，但其实不仅仅六种，非常多。

★Earth-65：格温的主世界，非常典型的“印象派”水彩画，也是我最喜欢的画风，灵感来源于曼哈顿切尔西社区在20世纪90年代未经繁荣前的艺术场景。

最明显的特征，是世界颜色，会随着格温的心情而发生变化，跟看MV一样，不知道各位发现这个噱头没有。

★Earth-50101：印度蜘蛛侠，曼陀罗绘画风格，来源于印度传统插画，再加上神秘深邃的佛教纹饰镶边，成就了如此非常鲜明的画风。

严格意义上来说，印度蜘蛛侠不是漫威原创，而是一家叫做哥谭漫画（Gotham comics）的漫画公司创作的，这是一家在美国成立，面向印度地区发行漫画的公司，与漫威、DC都有过合作。

“印度蜘蛛侠”是他们在2004年创作，当然也是得到了漫威漫画的授权，属于正版。

有点类似我们《变形金刚大战哪吒》这种官方合作的产物。

★Earth-928：蜘蛛侠2099的主场，有点像《大都会》或者《银翼杀手》，不过按照维基百科上的说法，这部分的画风属于新未来主义，以高科技外表和技术元素为特征，比如上海环球金融中心，就是非常典型的新未来主义风格。

迈尔斯与众蜘蛛侠在云端列车上的打斗，让我想起了《流浪地球2》里的太空电梯。

★Earth-138；朋克蜘蛛侠，暂时还未透露他的世界观（仅知道的他来自伦敦），但这位街头涂鸦+贴画拼图的风格，倒是非常抢眼拉风，过于炫目了，这位出场的镜头，眼花缭乱。

其实这个造型也算大名鼎鼎了，得益于PS主机游戏《漫威蜘蛛侠》，朋克蜘蛛战衣是玩具可获得的战衣之一，特殊技能是“用电吉他声波轰炸敌人”。

玩具厂商hottoys也出过这个造型的玩具，非常经典。

★其余风格：蜘蛛侠联盟场景，你可以看到各种各样的化作风格。

比如猩红蜘蛛本·莱利，是90年代漫画风格，特别像托德·麦克法兰在漫威就职时，1990年8月出版的《蜘蛛侠》画风。

还有开场的秃鹰，来自自15世纪末的意大利，其风格是参考了著名画家达·芬奇高发明创造时留下的那些泛黄草纸上的设计图，且碳笔线条浓重。

再加上1994年的动画版、1967古早动画版、PS游戏蜘蛛侠、黑白色的负空间蜘蛛侠……太多了，不胜枚举。

★Earth-1610,：最后当然要说迈尔斯·莫拉莱斯的主世界了——经典漫画风。

这是两部“宇宙”系列蜘蛛侠创作的动机——以3D建模为背景，2D渲染为方式，目的是使电影的每一帧“看起来像漫画”，让观众走进漫画书，或者让漫画形象动起来。

如漫画场景一般的景深，静态墨水印刷效果，故意错位的颜色（模拟轻微印刷错误），模拟色调渐变、交叉线来创建纹理和阴影，以及漫画分镜、象声词、图像上的对话框等元素……然后将这一切，运用到了动态的电影中。

文字再多也是苍白的，还是眼见为实。

片中最爱的两个场面——其一就是迈尔斯与格温在自己的世界里，边聊边飞跃高楼大厦的场面，其二就是在未来纽约，从蜘蛛侠联盟总部到云端列车上的打斗，带来炫目的视觉享受。

这一次必须表扬一下索尼影业……旗下的特效公司：Sony Pictures Imageworks，简称SPI。

这是一家索尼自营的特效公司，成立于1992年，制作了大部分索尼出品电影的特效，当然包括了全部《蜘蛛侠》电影。

为什么要单独说一家特效公司呢？

因为这家公司比较任性，大概也跟母公司索尼集团的风格有关。

简单说，这家公司喜欢搞研发，在泛特效时代的好莱坞，SPI的特点就是不跟随。

在自家很多电影里都独立研发技术，有的还与其他公司不兼容。

比如2012年的《超凡蜘蛛侠》，当时《阿凡达》引领的3D电影技术正值风靡，但电影并没有采用现成的3D，而是硬生生的研发了一套5K 3D技术，甚至比詹姆斯卡梅隆在他的电影中使用的3D技术更进一步。

同时为了革新蜘蛛侠小虫用蜘蛛丝在楼林之间的飞荡效果，SPI开发出一套CG动态模型。

采样了无数跳远、跳高、撑杆跳运动员的动态特征，然后模拟出蜘蛛侠完全拟真的飞荡效果——飞荡至最高点的临界速度、下落中的加速度、小虫在蛛丝拉拽下逼真的物理效果。

当然，这些技术，也完全应用到了后期包括本片在内的所有《蜘蛛侠》电影里。

比如电影里迈尔斯这个飞荡镜头，是小虫的经典psse，并在《超凡蜘蛛侠》里首次也有过出现。

所以也就明白了《纵横宇宙》里，那些让漫画书“动起来”、不同艺术风格同框的视觉效果，背后究竟蕴含了怎样的技术含量了。

反正索尼集团主业是干这个的，搞图像技术的科研他们在行。

结语：瞬息全宇宙少年蜘蛛逆天改命，小虫人设急转弯，以调侃和颠覆为己任，忧郁和叛逆并存，一个惊喜接着一个意外，漫画二次元电光火石，如蛛丝交织的多元宇宙，跨次元的无限联通，好似盘丝洞一般蜘蛛侠联盟，还有眼花缭乱的视觉美学，以及数不过来的彩蛋。

这就是《蜘蛛侠：纵横宇宙》，激动人心的英雄之路，虽然殊途同归，但过程各不相同。

去反转宿命吧，你会成为命运的一部分，如果不在这个时空，那就在另一个宇宙，总有一款适合你。

彩蛋？

还用说嘛，只看了一遍，我反正数不过来，肯定要再来一次。

对了，只说一位，就是蜘蛛侠联盟里，被囚禁的那位真人“徘徊者”。

由喜剧演员唐纳德·格洛弗饰演这个角色，估计很多人面熟，也有想不起来的，这位就是2017年的《蜘蛛侠：英雄归来》那个，二百五小混混，就是本来想买个吓唬人的小道具结果卖到了大杀器，第二次出场让荷兰弟粘在汽车后盖上，袋子里还有冰淇淋的那位，他提到过我有个侄子住在这里。

在电影的删减片段里证实，其侄子叫迈尔斯。

至少，《纵横宇宙》里，多元宇宙联通了托比、加菲两大蜘蛛侠真人宇宙，以及《毒液》宇宙、乐高宇宙之后，也串起了漫威电影宇宙MCU。

（原载于虹膜公众号）《蜘蛛侠：纵横宇宙》上映，摆在观众面前的一大疑问是，它究竟还能怎样纵横，或者说，当房间里的水位已经逼近天花板，还剩什么空间去发挥？

毕竟五年前的《蜘蛛侠：平行宇宙》在最佳动画奖项上，已经横扫奥斯卡、金球、安妮等等，IMDb高分榜上位列六十五……不过答案很简单：撞破天花板，在更大的房间，甚或是无限的宇宙，驰骋纵横。

前些天外网口碑解禁，IMDb超越前作，高达9.1，烂番茄媒体口碑97%，MTC总评86，如今豆瓣9.0，各种数据无非印证了它在升级，并且是以我们难以想象的级别在进化。

《平行宇宙》已经对CG电影进行了一次革新。

简单说来，这系列的画风就主打一个超级酷炫的多元混搭。

那到了第二部，则玩得更加淋漓尽致。

每一个蜘蛛侠的宇宙，都有独一无二的美学风格与艺术气质，不仅对应不同国家、地域、种族的文化，而且彰显了创作本身的无界限，以及多元性、融通性，最终汇聚成极具开创性的视觉冲击。

具体说来，不只是电脑鼠标，油漆刷、钢笔、铅笔，什么都可以成为这部电影的绘图工具，然后带着自身风格，通过索尼研发的能够缩小风格化2D外观和最先进CG视觉特效差距的新技术，不受限制地融入三维空间，或者像贾斯汀·K·汤普森所形容的，「一本由各种材料制成的漫画书」。

能够迅速衔接前作情感入口并且再度致敬经典漫画的，是迈尔斯1610号宇宙的布鲁克林、曼哈顿。

本戴点和半色调展现清晰纹理，色彩错位制明显景深，再借反派斑点的轨迹，把已有的缤纷动感再推高一层。

格温的65号宇宙则是基于《蜘蛛女侠》早期漫画封面设计，有许多色块与条纹剪影，而且，周遭世界会随着她心情而变化，这一幕有自然主义风格颜色在招摇，下一幕又是表现视野收窄的极简色条背景，在情感，尤其是温柔、敏感的情绪，可以得到巧妙呼应。

印度蜘蛛侠帕维塔·帕拉巴哈卡的引入，带来一个由图案和色彩构成的曼陀罗世界，亦古亦今，本身就是传统与现代、信仰与现实的混搭，一如导演乔伊姆·多斯·桑托斯所说，这是孟买与曼哈顿的混合。

这些世界本身色彩的富丽，呈现出契合角色本身的明亮，而在迈尔斯误闯自家对面的空间时，霓虹色彩一再变得阴森、压抑，构筑罪恶都市的截面。

至于具有一定反派属性的米格尔·奥哈拉，他那个928号宇宙的新纽约，过分的干净整洁映衬出作为蜘蛛侠联盟领导者本身的严肃，而无从看透的景象又预示他黑暗的往事与秘密，为了表达这种意图，蓝色铅笔草稿、马克笔合成草图以及丙烯酸颜料画风，有对未来世界「银翼杀手」般的黑暗设想。

除此以外，还有水彩风、赛博朋克风、英伦涂鸦拼贴风、中世纪复古手稿风、二次元风、乐高风，以及真实影像与人物的介入，林林总总，毫无违和地宣示多元宇宙令人咋舌的包容与狂想。

这些风格的冲撞与交融，依托不同宇宙的蜘蛛侠的汇合，反过来看，正是这些千差万别的蜘蛛侠，使得种种视觉风格有了真正的生命力和不可或缺的差异性。

上一部通过几个蜘蛛侠的拼贴展现、相互补位，故事就已经足够动人，这次两百多个角色的杂糅，惊为天人之余，是世界观极大拓展后的故事野心。

当先一个非常特别的变动，是《平行宇宙》的绝对主角迈尔斯，这次位置和相应的叙述作用已经在更好的方向上实现了跳跃。

《纵横宇宙》首先登场的是蜘蛛格温，在回顾前情的开头平分甚至超过了迈尔斯的姿彩，而她在组建团队，抗击黑暗，完成蜕变的事之后，实际上是接了迈尔斯在前作里的班。

那故事精妙的地方在于，迈尔斯非但没有因此而被削弱，反而因为「错误」成为蜘蛛侠这一事实被强调，而背负了自我觉醒并逆天改命的抗争任务，他是整个故事反叛性与正义性在自由、自我、自重的格局里的本源与指向，相当于把故事的格调往上推了一层。

二人关系的亲疏远近，有少年人初长成时从懵懂到启智的过程，不同人生阶段的蜘蛛侠轮番出现，比如刚刚当上父亲的彼得，怀孕了的蜘蛛女侠，是对他们未来的推演，也在以导师/楷模姿态指引他们选择真正想要走的道路。

而在这个看清偶像，更看清自己的过程中，他们的挣扎与抉择，又承载了正邪人心的辨析，甚或还可以望向更高一级，规则、秩序的价值与危害，强调的还是个体在旁人目光甚至僵死要求下的扭曲和苦痛，那么这时候，孤军奋战的迈尔斯与率队弥补的格温，对得起英雄的真正称号。

新角色朋克蜘蛛侠，在以一种先锋、不羁的属性来扩写两位年轻蜘蛛侠的英勇。

电影里第一个反权威、反霸权的就是他，无愧精神图腾一座。

极客蜘蛛侠对应时新潮流，印度蜘蛛侠对应特色地域，时与空的格局建成，队伍里填充进其他蜘蛛侠，就有在坐标上持续扩展的霸气。

《平行宇宙》的老队员在片尾亮相，而蜘蛛女侠等角色想必也会在第三部调转枪头，我们看蜘蛛侠抗衡蜘蛛侠，也是在看自我对抗自我，人性摇摆、塑造的复杂过程，就在这样的譬喻中得到表达。

这些都是这一系列的核心。

正因为有如此坚实的基础，我们不难在这务必宏达的故事体量里，发现各式主题和情感，能够无限蔓生。

最直白的一点，就是眼花缭乱的角色可以代表诸多不同群体，无形中就撑大了指涉的多样性。

也因此，他们能够承载更多情感的探索，生发在蜘蛛侠之间的友情、爱情，还有蜘蛛侠与家人之间的亲情，在篇幅不断加长后，有着相当细腻的表述。

于是我们看格温和迈尔斯一度不由自主的疏远，能够强烈感受到话语权之于初出茅庐者的伤害；看他们试图与上一辈亲近却又不得不背负沉重的身份秘密，又难免体会到亲情长久以来的矛盾表现。

我们能够看到各自成长，彼此沟通，看到人的抱负以及打击，看到人的欲望以及变异，看到正义的艰难与伟大，看到牺牲的悲壮与希望……极为丰富的内涵持续在篇章段落中渗出，还是很让人赞叹，仿如高速列车的画面冲击中，主创团队还能持续做出表达。

特别是，这一切的源生，是至少在新世纪最为长青的超级英雄蜘蛛侠。

关于这一英雄的系列接连不断地产出，蜘蛛侠家喻户晓的人生轨迹，已经在不同漫画、电影、电视剧、游戏里进行了一遍又一遍的复述，本身留给他的叙述空间已经屈指可数。

但也正因为是蜘蛛侠，在不同宇宙中相似经历的一再重复，才能放大宿命二字的惨烈，也才能让他们想要奋起改命的斗心，足以激荡情怀。

再下一步，才是同样被束手束脚的蜘蛛侠模版，激越地实现了对蜘蛛侠故事、超英故事、特效电影、动画作品等不同维度的创作拓展。

说了这么多，《纵横宇宙》固然是极尽繁复之能事的炫技巨作，但在普通观众与影迷、粉丝的门槛设置上，又有十分妥帖的拿捏，即关于友情、亲情与个人成长的通俗故事，可以让所有人毫无障碍地进入甚或代入，那对于老粉，又持续回馈相应彩蛋。

托比·马奎尔、安德鲁·加菲尔德、汤姆·赫兰德三代蜘蛛侠再度出现在同一部作品里，有别于上回三蛛同框的情怀，他们连同《毒液》系列的陈太太，连接了真人电影与动画电影在多个层面的亲厚。

更不用说关于蜘蛛侠的多部漫画，也被反复提及与展现。

比如米格尔的跟班本·莱利，就是九十年代漫画在视觉上的中再生。

迷影的内容，还有《银翼杀手》《电子世界争霸战》《阿基拉》《盗火线》等多部电影被致敬的桥段、场景。

这也不奇怪，主创团队有太多被经典科幻片、动作片、动画片滋养的电影人，像是创作出米格尔928号宇宙新纽约城的赛得·米德，就是参与过《星际旅行1：无限太空》《银翼杀手》等电影的未来主义设计师。

《银翼杀手》贯通这些，在看这部一刷无法赏鉴所有细节的电影，当然是乐趣加倍。

毕竟，《纵横宇宙》值得。

《帝国》杂志曾把《平行宇宙》奉为「影史最佳动画」，现在看来，超越自己的，还得是自己。

再保守，我们都可以把《纵横宇宙》视为「最强蜘蛛侠电影」，甚至是「最强超英电影」之一。

而它的意义显然不止于同一赛道的争雄，单凭惊人的想象力、馥郁的创作力，就已经全方位跳出了所有标签的窠臼，并且雷霆万钧地革新、指引多种类型的现行创作。

明年以及后年，它与续集《超越宇宙》蝉联两次奥斯卡最佳动画长片奖，也未必是多么出人意表的佳绩。

这次画了《纵横宇宙》。

片子在美术上已经登峰造极，鬼知道这么多风格怎么能毫无违和的融合在一起。

不过花哨的画面也并没喧宾夺主，故事也足够有趣和出彩（虽然没人喜欢在最高潮阶段嘎然而止）。

观影感受及其良好，毕竟没有一处无聊，动画作为载体带来的好处是，即便是角色们开始大唠家常和老生常谈的成长故事，也能用画面补足张力。

留下的结局虽然让人更期待下一部，但是在电影院里可就只想骂娘了。

刚看完电影，有些话不吐不快。

说实话，我一开始是抱着很高的期待去看这部作品的，因为第一部优美的视觉效果和不错的剧情让我对这一部有了比较高的期待，但是看完之后我发现我错了。

这这部剧的剧情可以说是言之无物，非常粉丝向的一部作品，对于剧中出现的第一部的人物，如果没看过第一部的人很难带入他们之间的感情，因为几乎没有介绍，小黑蛛和格温他们两个之间发生过的事情基本上都没有提及，对于第一次观影的观众来说十分的不友好，而我第一部也忘得差不多了，就跟新观众也没什么区别，对于他们之间的感情很难代入，包括后面抱着孩子的彼得，我只觉得他很摆烂并且不明白为啥他说他生女儿想让她像小黑蛛一样的原因是什么，而前面也没回顾小黑蛛区别于其他蜘蛛侠的特质，感情首先就很难代入，关于这一点粉丝向味道就很浓重。

对于新观众来说主线的话更是扯淡，就是就有一种感觉，编剧有很多的任务，其中包括这部必须出现这么多个蜘蛛侠、蜘蛛侠之间必须产生内斗等，这是他写这个剧本的前提，也是这个这个电影的很大一个卖点。

但是对于路人观众来说，他们看到的剧情就是一群蜘蛛侠逼迫小黑蛛去接受他父亲必须死的这个命运，然而小黑蛛父亲现在还没有死，就因为其他的蜘蛛侠告诉他这是必须要发生的事情，不发生的话蜘蛛宇宙就要毁灭，可是重点是他父亲现在还没有死，他还没有死啊！！！

你要让他们都袖手旁观？

这是一个英雄该做的事情吗？

这是要毁了其他蜘蛛侠的人设去衬托主角小黑蛛？

说句不好听的，就算是一个普通的正常人，他也不可能知道他父亲要死了而袖手旁观！！

而不去救他！！！

我就想问问编剧，你是没有父母吗？

拿别人的父母来开这种玩笑？

还是你想说要成为蜘蛛侠，就必须要死这些人才能获得成长是吗？

你是想说成为一位英雄，必须要达成这个成就是吗？

所以一位英雄的父母的死在编剧你眼里就是一个成就罢了是不是？

没有这个成就游戏就没办法进行下去？

我只能说这是编剧无能的体现，没有办法去写一个更加让人信服、更加合理的一个理由，让蜘蛛侠发生内斗，让所有的多元宇宙的蜘蛛侠汇聚到一起，而随便写了这样一个剧本，这怎么能服众呢。

这一部真的让人很高血压，谁看到这样的剧情能够接受呢？

我去的这一场有观众直接大声说这个剧情怎么这样，怎么怎么不合理，并且非常言辞非常激烈，其实我的内心也是这样想的。

为什么就不能好好打磨一下剧本？

这个剧情真的不值得、也浪费了这么好的特效，去陪编剧讲一个如此荒唐的故事。

有一个绿外套小青年，无意中被一只异时空的能量蜘蛛咬了一口，成了一个编外的蜘蛛侠--高大上的蜘蛛侠联盟里没有他的席位。

被咬了之后，他所在的时空线立即产生了分叉：没有蜘蛛侠的时空和有他这个蜘蛛侠的时空，他在这个新时空里行公义，成了一个坏博士的挡路人。

这个坏博士的超能力能穿梭各时空宇宙，让它们不断产生黑洞，可以瞬间坍塌瞬间重构，让世界非常不稳定。

因为绿外套小青年意外成了蜘蛛侠，虽然蜘蛛侠联盟不承认他，但不得不面对他这个新时空已连到织网成为“命运共同体”一个织点的事实，蜘蛛侠联盟的算法认为世界的平衡需要局部的既定牺牲，小青年与坏博士的斗争已经穿透时空线，所有的宇宙都陷入崩溃的边缘，尤其坏博士能够使他们的能源枯竭。

因此他们要求小青年不要再听从公义的召唤，甚至不要解救”命定被害“的亲人。

但问题是，谁可以证明蜘蛛侠联盟的算法？

为了维系这个未经证明的算法而放弃蜘蛛侠世界秉持的基本价值，哪个的代价更大？

放弃解救就可以停止坏博士不断失控的野心吗？

不！

感召和集结吧！

未来的战斗也许很艰难，既要局部解救也要从根本上遏制坏博士的做法，现实的答案远未揭晓！

在《蜘蛛侠：平行宇宙》之后，相信大部分影迷，都已经把这部《蜘蛛侠：纵横宇宙》视为“年度必看电影”，会怀着很高的期待入场。

而在看完后，只能说——能超越蜘蛛侠的只有蜘蛛侠，这是今年最好的院线片之一！

本片延续并精良化了首部的视觉风格，持续打破拼贴的界限。

大银幕的视听体验，几乎是每半分钟就会有一个惊艳的点闪现到眼前。

待你没缓过神，下一个点就又炸了开来。

其次，本片在设定、剧情上也超越了首部。

《蜘蛛侠：平行宇宙》中所体现的，是蜘蛛侠起源故事的励志性与家庭情感，把蜘蛛侠系列一贯的“邻家英雄（It always fits）”主题，以反套路的方式诠释而出。

而《蜘蛛侠：纵横宇宙》则在此基础上，奏起一曲宏大的命运交响——它关注到了每个蜘蛛侠故事共通的悲剧性，深度挖掘“我是谁”、“能否打破必然命运”、“救一人还是救世界”等命题，因此让整部电影的反转更为跌宕、更为震慑人心。

上千蜘蛛侠新出场，画风小盘点《蜘蛛侠：纵横宇宙》的主角仍是“小黑蛛”迈尔斯，几年过去，他已从男孩长成15岁的少年，到了选大学专业的年纪。

由于前作的金并超级对撞机事故，科学家乔纳森·奥恩获得了创造跨维度传送门的能力，成为本次的大反派“斑点”。

起初他只像一个笨手笨脚的“喜剧人反派”，观众容易当他只是道“前菜”。

没想到随着剧情的发展，他身上跨越多元宇宙的能力愈发强化。

他不但威胁到迈尔斯及其父母的生命安危，甚至会影响到整个蜘蛛侠宇宙的崩坏。

与格温重聚后，追击“斑点”的迈尔斯得以穿越到多元宇宙中。

在“蜘蛛联盟大本营”，他打开了全新的视野。

首部的几位配角，“女蜘蛛”格温·史黛西、“大叔版”彼得·帕克，仍是本片的重要角色，在大本营中继续支持着迈尔斯。

故事的开场回溯了因为65号宇宙成为蜥蜴人的彼得·帕克去世，格温与警长父亲结下误会的过往。

前作的导师大叔彼得则因为辅导迈尔斯的经历，产生了带娃的想法，有了一个女儿梅黛（蜘蛛宝宝）。

千蛛互指名场面而新登场的蜘蛛侠们，则进一步占据了我们的目光。

毕竟在这部的设定里，存在一座“蜘蛛联盟大本营”，成千上万的蜘蛛侠在此汇聚一堂。

首部的“六蛛同框”，直接进化到了“千蛛同框”。

为了超越首部的视觉效果，每个蜘蛛侠及他们的宇宙，都有专属的画风——比如格温随情感变化的水彩风、迈尔斯的正统漫画风、朋克蜘蛛侠的拼贴风、印度蜘蛛侠的本土风、中世纪秃鹫的达芬奇手稿风……

格温的65号宇宙，采用了情绪化的水彩处理。

她的世界被颜料所包裹，完全由自身的心理感受，组成周遭的颜色变化。

印象特别深的，就是她与父亲从争吵到和解，不同的颜色流动着、溶解在她的背景中，达成视觉的通感。

印度蜘蛛侠帕维塔的50101号宇宙，融合了印度本土的文化。

这里拥有大量的曼陀罗纹饰，挤满了人流车流。

色彩斑斓的古典建筑与摩天大楼并立在一起，仿佛一个万花筒式的大都市。

主创将其视作“曼哈顿和孟买的混合体”，充斥着狂野而又未来的设计。

他们从七十年代的印度漫画中寻找风格，融汇了多元化的印度本土文化，并再现了那种古早印刷感。

帕维塔的印式口音，更是生动演绎了一个“印度小哥”版的蜘蛛侠。

928号宇宙的蜘蛛侠2099米格尔·奥哈拉，可能是最不苟言笑、最严肃的蜘蛛侠。

他曾经一次想挑战命运的决定，改变了多元宇宙的戒律，并导致了一个世界的消失。

在极大的痛苦中，他创建了蜘蛛联盟组织，下定决心不再让类似的悲剧事件出现。

他所处的未来纽约，像一个蜘蛛侠的乌托邦。

蜘蛛侠们生活在直耸云端的未来感建筑中，干净、明亮、一丝不苟，甚至还有太空电梯可以直通月球。

但在其地表之下，却隐藏着一个黑暗的地下城。

这也喻示了联盟组织的深层次问题所在。

朋克蜘蛛侠霍比·布朗，应该会是本片上映后“圈粉最多”的新蜘蛛侠。

他的画风源自七十年代英国伦敦的摇滚流行潮。

挥舞着一把电吉他，梳着典型的朋克头，身上的拼贴色彩与介质会隔几秒就变换一次，一个情绪不稳定的狂野摇滚青年。

之前评论《蜘蛛侠：平行宇宙》时，我提到它创造了一种与以往的动画电影完全不同的视觉动态体验——通过混合各种不同的画风，不断拼贴和融合，并保留下对话框、漫画分格、字幕特效，再加上炸裂的分镜，让人看得目不暇接。

那么《蜘蛛侠：纵横宇宙》则是把“目不暇接”的程度直接翻了个倍。

上述这些世界观纵横交错、互相穿越，让影片在视听层面的轰炸效应飙升。

织网事件：蜘蛛侠的“必然命运”下面再以不剧透的形式，聊聊本片的另一个优点。

我认为它的情节深度、主题表达，不输画风的呈现，宏大而又戳心。

《蜘蛛侠》系列每一任蜘蛛侠的故事，在我看来都有共通的元素，那就是思考哀伤的成长，思考死亡，思考悲剧下的英雄主义。

托比版、加菲版、荷兰弟版、动画版，版本各不相同，但关键情绪点是相似的。

蜘蛛侠的魅力，源于他与观众的情感联结。

他是超级英雄，同时还是个普通人。

围绕后者展开的情节，能让人持续对这一形象产生更为深厚的情感。

因为平凡，才是我们的真实写照。

本片中，上述母题被进一步放大。

视听的欢闹，反而突显出内核的严肃。

迈尔斯那份直面家人的胆怯、内疚，直面蜘蛛侠的“必然命运”时的激烈反抗，传递出了浓重的情绪震慑力。

“斑点”的出场，让多元宇宙里的“织网”遭到破坏。

片中引入了“织网事件”的概念，是个相当残酷的设定。

在每一个蜘蛛侠的故事中，都有关键性的节点：死亡，或是至亲之死，或是爱人之死，本片则是警长的牺牲。

这是链接所有蜘蛛侠多元宇宙的纽带。

一旦死亡没有发生，那么相应宇宙的故事就会被改写，相应的世界也会因此崩塌。

直面死亡，成了每个蜘蛛侠的“必然命运”。

蜘蛛侠总是救不了自己最爱的人，鱼和熊掌不可兼得。

“拯救一个人，还是拯救一个世界？

”当新生代蜘蛛侠迈尔斯面对这道经典的电车难题，他选择了最少年意气的解法：不顾一切地去反抗所有宇宙的蜘蛛侠，挣脱上千同类的束缚，去寻找属于自己的答案，成为那个唯一的自己。

在米格尔眼中，迈尔斯是异次元体的源头。

本不该是蜘蛛侠的他，被42号宇宙的蜘蛛咬了，成为了蜘蛛侠，才导致“织网事件”发生变数。

但实际上，蜘蛛侠并非命定。

蜘蛛侠真正的英雄之处，在于面对挑战、生死、亲人时触发的行动。

《蜘蛛侠》最经典的台词是“能力越大，责任越大”。

这句话其实还有下半句——“这是我的恩赐，也是我的诅咒。

”每一任蜘蛛侠的命运，都像是在与世界进行一场不公平的交易。

在迈尔斯身上，更是把“诅咒”体现到了极致。

如果你知道成为蜘蛛侠，父亲就会必然去世，而一旦救他，就有可能让自己所处的世界崩塌，该做何抉择？

这种两难的困境，以及后续出人意料的情节设计，让人能直观感受到《纵横宇宙》在剧情创作上的勇气和野心。

电影团队不只是想要打造出一部“好看”的续集，他们是想从《蜘蛛侠》IP的历史、对观众的意义入手，回到我们爱上《蜘蛛侠》的源点：那些成长里的哀伤与痛楚，对父母难以言说的秘密，必然面对的岔路选择，亲人与朋友的一个个离去……我们喜欢蜘蛛侠这个“邻家英雄”，内心深处的原因，或多或少是因为他鼓舞过、安慰过，曾在黑夜里迷茫的自己。

这是《纵横宇宙》最令人动容的地方：在“必然命运”的跟前，选择不顺从，追随内心，岔开原有的轨迹，才能书写新的故事。

迈尔斯就是迈尔斯，他不是彼得，也不是其他人。

他是全新意义的蜘蛛侠。