在某处

2010年对于电影行业来说真是个低迷悲催的年份，据统计全美观影人次仅1.29亿，创14年来新低，毫无悬念的提名为2011年的头盘金球奖与开春礼炮奥斯卡都埋下了让人兴趣缺缺的祸根。

失去反思与评判精神的影片在一片回暖的经济中显得格外苍白，卖座不卖奖与卖奖不卖座的两大阵营势必纷争不断，然而暂时令人欣慰的，是在这一片硝烟中能再次看见女性电影工作者的曙光。

继去年奥斯卡将最佳导演奖破天荒的颁给了Kathryn Bigelow，使她成为第一位获得该奖项的女性之后，年初金球奖又将最佳外语片奖颁给了执导《更好的世界》的丹麦女导演Susanne Bier，而Lisa Cholodenko笔调诙谐的《孩子们都很好》除却获得最佳音乐/喜剧片之外，还为老牌好莱坞女星Annette Bening拿下最佳女主角一奖，彻底洗清6年无大奖的纪录，但不知该片在83届奥斯卡提名后的命运如何？

事实上在电影编剧的行业中，女性从业者的比例相对要高出许多，尤其在20世纪初格外生机勃勃，甚至有超出半数的历史。

但同样看看女导演的生存地位，则令人难以乐观，尽管努力与抗争不断，从政治地位的争夺到经济地位的攀比，电影行业中的男女比例似乎永远停留在九一开或者八二开的阶段，电影投资中的残酷与名利对女性而言本身就场考验心力、耐力和火力的战争，斗智斗勇斗技术斗人脉斗资金斗国籍，甚至还得斗青春斗时间，加之电影圈内部惺惺作态的男性势力操纵，票房与奖杯对于有政府扶持的丹麦、荷兰等小国来说相对显得轻松一些，但对于勇闯好莱坞的女导演们，更像是个海市蜃楼般的奇迹。

“女性电影导演之所以这么少，显然是因为好莱坞这个系统的顶层就是个男子俱乐部，永远是男人们在操纵。

尽管在学校时我们可以一直玩那个叫做‘男女平等’的游戏，一旦毕业，事情就不一样了。

”——Jane Campion然而，奇迹创造者总是前仆后继而来的，Sofia Coppola便是一朵奇葩。

这个自小生长于美国加州的70后女孩雄厚的家族史大约许多人都有所耳闻，简略的画个近代Coppola族谱大概是这样的：祖父Carmine Coppola（美国作曲家）生下三个儿子，分别是老大August Coppola、老二Francis Ford Coppola和小女儿Talia Shire。

老大的主要功劳在于生了享誉全球的超级明星Nicolas Cage，另外两个孩子Marc Coppola 和 Christopher Coppola也栖身于电影事业中；老二是名震影坛的“教父”，也是Sofia Coppola常伴左右出镜的老爸，另外两个儿子Gian-Carlo Coppola与Roman Coppola在电影圈小有成就；至于三姑娘则是先后嫁过好莱坞知名作曲家David Shire与制片人Jack Schwartzman的知名演员，她的两个孩子也曾在多部影片中扮演过角色。

每次罗嗦完族谱都要长长叹一口气，一家子雄心壮志全在电影事业上且成绩斐然，对于许多人来说这可怕犹如暗黑势力般的庞大电影家族产业和父兄光环足以让任何一个家族后人胸口发闷，尤其是对于Sofia Coppola这一类渴望在世界电影舞台上占有一席之地的女性导演们，家族里每一个闪闪发光的勋章——例如老爸和堂兄，就是她闯荡生涯里的泰山华山喜玛拉雅山，媒体舆论如影随形，人人都在等着看笑话，就像人们爱看Paris Hilton怎么挥霍青春糟蹋家族产业勾三搭四扮演金发无脑女，看Alison Eastwood（好莱坞著名演员、导演Clint Eastwood之女）拍《花花公子》的香艳封面一样，在这个高科技新传媒年代，最擅长的就是让糗事半秒传千里，丝毫不在乎她们创造出来的新世界——除非那真的能让人大吃一惊。

因而，过多的遭到传播媒体的关注，对于一个试图塑造自己风格的文艺片电影导演来说，可能是致命的负面影响，因为你做的每一件事情都会使舆论瞬间发挥智能搜索引擎，联想到你那无所不能的亲戚们。

然而Sofia Coppola似乎很享受这一切，从婴儿时期便被老爸拉进《教父》剧组里的她，三部曲见证了她演员生涯的开始与成长，许是少女时期遭遇的影迷太过苛刻，导致她毅然投身导演行列。

在尝试性的两部短片过后，1999年，一部以第一人称的回忆叙事手法讲述5个女孩自杀故事的《处女之死》开始让好莱坞对她有所期待，新颖的故事选材与迷样的表述方式令这部影片格外突出，美丽与残酷并存，昔日女孩的影象与挥洒不尽的阳光似在男孩们阴郁而迷恋的思维尽头游荡，充满了飘忽、迷惘却眷恋的意味。

尽管这部影片没有为她赢得更多的奖项和呼声，但却是她导演生涯最完美的起点。

因为一切都是那么与众不同，她关注男孩与女孩的内心，给最微弱、最容易被忽视的情感以生存的力量，你能从中看见青春破灭的过程，单纯，美丽，寂静，迷幻，自私，糜烂，病态，连死亡都像是微笑的嘲弄。

至今这部影片还被认为是能代表美国新人类生活观的影片。

Sofia Coppola所拍摄的每部影片都是带着关于女人的诉求而生存的，2003年拍摄的《迷失东京》令她名利双收，也成为她迄今拍摄影片最成功的代表作，她在影片中竭力挖掘“自我意识”，用平淡的手法描绘人性的隔膜与孤独，也许是与她的情感历程有关，在其中投射了过多自己的影子，令有故事的人变得愈发饱满而真实，也正因此，她也逐渐了解到自己婚姻生活中无法跨越的障碍，在影片拍摄结束上映后，便与老公宣布离婚。

而同样搀杂了私人记忆的原创剧本影片《在某处》也不出意料的拿下了第67届威尼斯电影节金狮奖，影片讲述一个挥金如土纸醉金迷的浪荡子忽遇私生女寻父的故事，尽管题材稍显老套，但Sofia擅用的长镜头与含蓄的隐喻结合得如此天衣无缝，那种充满了迷惘的等待和不安，进退维谷于是破罐子破摔的心态，变成每个在等待与消耗生命路途中的人的真实写照，这种细腻而质感丰富的触觉并非每一名男性导演可以做到，但作为女性来说，琢磨感性是与生俱来的天分，甚至不需要琢磨，只需要灵感和天分。

Sofia导演历程中饱受差评的《绝代艳后》，尽管被人们打上了低俗而浅薄的标签，但仍旧通过每轮美焕的服饰、场景、出色的美术设计，展示了她身为一名女性服装设计师和艺术家的审美品位。

也许正因大多数宫廷斗争片所表露出的情欲纠葛、政治丑闻和严肃话题过多，于是她将一段众所周知的熟悉历史拍得如此瑰丽精致、显赫华美，将这刚成年的时尚传奇Marie-Antoinette变得如此活色生香，令波旁王朝的繁华与荒淫、奢靡与艳丽跃然于荧幕之上，像是奶油蛋糕上的樱桃与草莓，像是每个女孩心底最柔软的公主梦，Sofia要说的不是大家都知道的历史，而是这段历史坍塌前最为明媚招摇、垂涎欲滴的春色。

这大抵是逻辑思维能力缜密的男导演们所无法企及的。

不是因为审美品位或投资有限，而是因为着力点的不同，有时候人们需要的不是庞大的线索链以及精密周全的布局，不是人性上的缺憾和英雄主义的完美，仅仅是一点发自最平实生活的温柔的触感，看上去一地散沙，但却能深切感受到她传达的关于女性需要的共鸣。

——已刊载，勿转

等整个片子放完，才回过味儿来。

第一镜头和最后一个的契合。

开篇只是同一辆车画着圆圈。

我完全被科波拉大姐的预告片给骗了。

或者说那个美丽的loli。

主角扔掉车然后兴高采烈的奔跑，好像已经甩掉了一切。

然后，一切戛然而止。

好吧，你选择了在最后一秒中贴题。

你没跑偏。

但是，用了无生趣的98分钟影像来讲述这样一个人生路的故事难道是一种浪费吗？

而且对最关键的也是最后的主题的表达却是如此的模糊。

更糟糕的是，整个电影的表达方式，叙述手法，气质和情绪，和迷失东京并无二致。

以至于这像是一个糟糕版的迷失东京。

如果这是一个40到60分钟的一个短片，那么他会很不错。

成功人士的中年危机，父与女生疏关系的体现。

哎，越说越像了——父女的关系简直就是迷失东京里比尔和斯嘉丽关系的翻版。

中年演员的迷失也和比尔如出一辙。

这样想简直让人绝望，科波拉在毫无意义的重复了一遍自己。

把一个人扔到一个陌生的环境，内因的困惑以及一个突如其来的积极的外因的干扰。

片子里到处都是迷失东京的影子。

她甚至懒得改动，不过是用同一个脚本来讲述不同的两种情绪。

这到底有多么的懒惰。

但是，就算是在如此缓慢的节奏中，你都能感觉到导演有些自恋的对美国某一阶层的描写。

忧虑，苦恼，烦闷，生活失去了信心等等等等。

但是却不会让你有种明星也是人的感同身受的感觉。

只有在主角最后的奔跑让你模模糊糊的大概摸清了他想表达什么的想法。

然后，结束了。

在人生的旅途中目标缺失后的自我放逐，对自身价值的迷失，寻找，以及重新定位的再次上路。

这应该是科波拉想带给我们的。

但可惜这个主题显得太过朦胧，或者被前作迷失东京的影子笼罩的过于明显。

让这个主题失去了他应有的魅力所在。

至于何方，我希望我终究会知道。

我喜欢这样的主题，如果不是有这样不尽如人意的表现的。

会好的多。

一成不变的生活无聊、单调，就像一锅不断加温的水，烹煮着我们这些蛤蟆。

我们舒适的游啊游啊，一圈一圈，分毫不差，甚至都不知道最初选择游动的起因。

一切就是那么平淡的顺其自然，我们不闻不问，自顾自的游啊游啊，一圈一圈，分毫不差。

水开了，那些蛤蟆就一个个的抱着团，蜷缩着，随着沸腾的水上下翻舞，起起伏伏，骨头上带着絮状的皮肉，继续着翻舞，然后，悄悄的无影无踪……我们从没想过去改变，《僵尸肖恩》中的那些僵尸就是一个个无聊至极的人的化身。

城市就是一座墓场，葬送所有的喷薄的新生，美丽的幻想，天真的笑容，如果你不明白这道理，你已经是僵尸的一员，你明白了，你就即将是僵尸的一员。

没人能逃出升天，永远的走着同样的路，看着同样的人，说着同样的“今天天气不错”和“有时间，一起吃饭”，连笑容都那么标准，扭头之后，迅速收殓，冷酷的像条鲨鱼。

我们喜欢一成不变，这对于我们来说，驾轻就熟，去熟悉的小店买东西，和熟悉的朋友看球赛，点熟悉的餐，坐熟悉的座，不必考虑任何的“意外”情况。

每天，像极了生活中的任何一天，对着镜子，对着机器，对着电脑，对着方向盘，对着电梯按钮，对着窗外，对着对面那个你自认为熟悉或者不熟悉的人，身在其中，乐此不疲。

《在某处》里强尼看到的各种各样的穿着或者裸着的妖艳女人，他睡着或者醒着，逃开她们或者和她们上床，那些不是激情，而仅仅是下半身和荷尔蒙联合起来开的一个蹩脚玩笑。

就像这个被诅咒的城市每天晚上都会上演的觥筹交错和兴意阑珊，那些置身其中的红男绿女，指尖和胸口的不是激情，那是加温生活之水的干柴烈火，时光就像个卑鄙小人般躲在莫名其妙的某处，看尽这些蛤蟆的千姿百态。

生活之水，不会劝阻你，不会提示你，不会怜惜你。

只等那些真正让你痛彻心扉或醍醐灌顶的天使飞来你身边，踢翻那一锅温吞吞的水，为你打开通往另一个不同寻常的世界的大门。

那扇门后，没有季节，没有问候，没有生死，有的仅仅是真实的你。

索菲亚·科波拉的新片《在某处》（Somewhere）在一定程度几乎复制了她的成名作《迷失东京》（Lost in Translation）的全部情节氛围与技巧，但对我来说，效果却完全相反，整部电影简直就是一个人的无聊呓语，从头至尾完全不见高潮，节奏单调琐碎，散沙一盘，近100分钟的观影让人几乎是从头挨到尾，无情无趣，痛苦非凡。

为什么会这样？

如果我喜爱《迷失东京》，那就不存在我无法接受索菲亚·科波拉摄影及叙事风格的问题。

但视角从一个住在异乡旅馆里的中年演员（Bill Murray）身上挪到好莱坞夏特蒙特酒店的偶像明星，为什么先前的幽默与心酸转个身就变作了枯燥无聊呢？

这大概得从主角强尼（Stephen Dorff）的明星生活片段讲起。

索菲亚·科波拉在片中用了很多长达数分钟的客观长镜，比如开篇强尼驾驶着他的黑色敞篷法拉利在洛杉矶郊外沙地上独自一圈一圈的兜巡，或者强尼叫了钢管舞姐妹花来自己房间进行私人表演。

强尼的法拉利很拉风，钢管舞姐妹花的表演也十分卖力，但单机位+重复不变的单一动作，使镜头所带出的信息量十分有限，它所主要传达的是一种情绪——强尼生活的沉闷乏味。

至此，影片的节奏与它的情绪是相吻合的。

强尼生活的改变从女儿克里奥（Elle Fanning）的出场开始。

按照一般叙事行进惯例，如果电影开始节奏缓慢、沉闷，那么后面便必须出现惊喜，或者是节奏的加快，或者是突发事件的震撼，相应的，也多少会在摄影手法上出现改变，由长镜过渡至更加频繁的视角切换，增加镜头信息量，造成鲜明对比的效果。

但《在某处》偏偏都没有。

克里奥与强尼的互动依然是克制的，就是日常生活琐事的自然堆积，没有什么戏剧夸张，更没有激荡的父女情大爆发。

这样平淡随性的片段非常难在大屏幕上散发出光彩来，因为它们几乎就如生活本身一样晦暗压抑，没有聚光灯，没有欢呼者，导演的视角选择就是全部关键。

在这种情况下，如果依然采取以长镜头为主的剪辑方法，怎么才能吸引观众的目光，让人感激、感动于一段表面看似波澜不惊的故事呢？

索菲亚·科波拉的《迷失东京》是个绝好的例子。

故事中的中年演员鲍勃人在异乡，美国人在东京这个设定本身就新奇有趣，笑料不请自来；Bill Murray满脸都是戏，搭配美女Scarlett Jonhansson上演一场若有若无的男女之情，与观众共鸣的基础比较广泛。

在镜头手法乏于变化的情况下，故事内容本身的引人变得极为重要，这其中以抖包袱添笑料的方法来调节长镜头的缓慢节奏，能起到剪辑所带来的镜头韵律感，形成一种自然的张弛有序的叙事节奏，不会拖拽得难受；而为了凸显旅人乡愁的寂寞，很多场景的安排又都是群戏，无形中增加了镜头所传达的信息量。

在这样的设定下，长镜头的短处被故事内容的长处所弥补，而其刻画情绪氛围的长处则得到了充分发挥，结果便是一部动人心弦的好作品，淡雅脱俗，文艺却不造作。

《在某处》则很可惜的相反。

索菲亚·科波拉在电影的后半部采取了与前半部分完全一致的“第三只眼”长镜手法，但强尼与克里奥的父女互动之间却没什么自然而然的引人之处。

不管是意大利之旅还是好莱坞夏特蒙特酒店，强尼都像个游离于环境之外的陌生人，他与外界既没有文化的冲撞，也谈不上真情的交流，就连自己的生活他也几乎是个陌生看客，一切都淡得褪色。

被生活推着不得已的时候强尼就向前迈一步，没人推那就懒着，懒到看钢管舞都能看到睡着。

即使加入了女儿克里奥，一些本可戏剧化处理的紧张关系（克里奥与强尼走马灯似的床上情人，或者强尼与克里奥母亲间的关系）与情感宣泄在索菲亚·科波拉的视角中也全部点到即止，要理解这些人物的内心世界，观众自己得拼命填补空白才行；但很可惜，至少对我来说，《在某处》的整体设定以及强尼这个无聊透顶的人物，都让我提不起兴趣来投入感情。

在这个风雨飘摇百万人失业的大环境下，强尼那点无聊的寂寞与失去人生方向感的困惑显得那么轻飘飘，让人怎么共鸣？

因此，对我而言，这部《在某处》实在难看得要命——节奏单调、信息稀薄、形态乏味，即使清新脱俗的Elle Fanning也挽回不了片子整体缓慢呻吟的基调。

但我想这并不是长镜头本身的错，也不是索菲亚·科波拉的风格运用出了问题，而是长镜用错了对象，风格选错了时机。

这是一部长镜头运用的反面教材。

我的一个朋友曾形容看Eric Rohmer的片子就像是跟着一个老朋友走你跟着他走 就像顺着水流一路上最好的风景他不用多废话 一个手势你就都明白而最后 那个目的地永远不会让你失望Sofia Coppola就是我的Eric Rohmer！

我爱她我爱她我爱她我爱她我爱她我爱她虽然有人反映此片题材脱离人民大众 情绪私人而琐碎更有人反映 她从Virgin Suicide开始就一次又一次复制“一段无处遁逃的人生”的主题虽然这些都是实话。

但能总结出来她所有作品共同的大主题，并不意味着它们都是一样的。

因为每个伟大的艺术家一生都是在重复一个主题，比如Edward Albee、Tony Kushner……因为这个主题对他们来说太重要了，如果不把心里的犹疑和恐惧倾吐出来，会死的。

但这些作品每一部其实都是不一样，因为作者的阅历功力风格都在发生变化。

关于题材脱离人民大众这件事呢，Sofia Coppola的确是很私人化的，但将心比心，要是我有一个拍出了全民膜拜的黑帮悍片的父亲，我肯定受够“很Man”的元素了，而且也只有走私人化这条路来超过他了。

其实她的每个片子在阴柔中都透着一股劲道。

Sofia的电影主题看了没感觉的人就是没感觉，但有感觉的人看到简直像是在茫茫无尽大海里独自游泳，快淹死的时候突然看到了一个同类一样的感动。

而且Sofia最可贵的一点是她一直都真诚而敏感，不像是很多人一听她的出身就想当然的那种无病呻吟。

而且这些“无处遁逃的人生”的电影并不是表面上所展现的小小的忧伤情绪，她也从不作出结论（虽然每部片子都拍得很唯美，但她绝对不是治愈系），她通过一个个个体的极度空虚来追问人生。

我对人生的概念就是她电影的结构：无头也无尾，中间是一段茫茫无涯的人生，没有解决方案，也没有方向，所有的只是不断出现的点点萤火，和一层粉红色的光晕，像是情欲，又像是母体记忆的延伸。

张爱玲说：无产阶级的故事，我写不来，至多也就是家里阿妈的故事，我还知道点。

索非亚.科波拉和张大小姐作品的气质一脉相承，她会拍的也仅只是好莱坞明星的故事（迷失东京，在某处，法国艳后虽然不是好莱坞明星，但也差不多,都是上流社会闪闪发光的人）。

贵族出身的她们，有的是时间去细腻，去琐碎。

张爱玲用绮丽的文字描述着主人公旗袍上的金丝银线，窗外的黄月亮，香炉里的香和屑。

科波拉用沉默的长镜头展示着主人公奢侈的无聊和苦闷，那分钟秒钟无尽的百无聊赖啊。

不用奔波于生计，才女们在加州明媚的太阳下或者上海皎洁的月光下展露着令人窒息的才华。

如果你喜欢这部《在某处》，至少能证明一件事：你要么是她们（贵族）中的一员（你对男主人公百无聊赖的生活有认同感）。

要么，你向往成为她们，过同样的生活（你觉得那种不差钱的生活有种不羁的自由和颓废的美）。

既然我已经做出了这样的结论，就得赶紧把自己先摘出去，我鄙视这部滥情的文艺片，科波拉大小姐，这位好莱坞的文艺一姐，写下一篇美丽的私密日记，晒出来与普罗大众分享，希望获得喜爱和赞誉，小姐，你拥有的已经很多了，你的苦闷和无聊对我来说都太奢侈。

你拍了美丽的长镜头，长镜头里有风走过，有叹息飘过，但是我没有被感动却只觉得你真够矫情。

你歌颂了人类伦理关系中的某种暧昧的爱情与亲情，可是电影中的父女情总是让人联想起现实里你和你那位著名的父亲的关系，40岁的女人依然停留在青春期，没有长大。

你本可以以一名优秀女性的姿态成为令人尊敬的独立个体，但你却沉溺于你身旁男人的伟岸身影里，你像个小女孩一样坐在他的阴影里玩着小石子，偶尔抬头看到那个男人的威严气势，你觉得无比安全。

你想跟全世界宣布，我有他，我爱他。

至于那遭人诟病的金狮奖，我即使用了最大的宽容也只能当作是你与你那著名的前男友的一个爱情轶事。

我看懂了。

该片男主，可能影射2010年巨大牌的一个男演员，1994-1998年之间的生活，这人拍动作戏很敬业，自己做自己的替身，酷爱飙车，不过他的车是一辆黑色保时捷，更爱飙摩托。

平时衣着有点随便，烟不离手，有时胡子拉碴，经常用寂寞的眼神来看世界。

为啥片中他那么受女人欢迎？

因为现实生活中这演员长得巨帅啊！

天神在他眉宇间啊有没有！

他从来没追过女生，从五岁开始就被女生追到烦好不好！

他的好基友开玩笑说他当时有全球五亿女粉，一点都不夸张啊！

1996-2001年间，他没有正式的女朋友。

他住在片子里面那个高级酒店，他处处留情，中央空调，喝酒party，经常摔跤摔断腿啊胳膊啊脖子啊，甚至有一次拍一部跨世纪科幻巨制的时候，差点摔到他那张英俊的脸。

1992年，他因为拍一部吸血鬼戏成了大导演的女儿的男朋友，这大导演姓科波拉。

从此出双入对，十九岁的少女Sofia成了他摩托后座的常客。

他曾经当时对记者说：“索菲亚对这段关系很认真很严肃，一点都不像我。

”然后，像和他无数的前女友绯闻前女友各种女伴炮友一样，他们分手了。

但是！

影射前男友可以，为啥要设定这个11岁的女儿啊！

1999年，他的女儿生下来没多久就过世了，2010年，如果他的女儿不死，她正好是11岁啊！

电影一上映，美国记者就马上知道在影射谁了，太明显了！

去采访了这个大牌男演员，问：“索菲亚有没有通知你拍这部片啊？

”他说：“我不是她的Muse，她有一部分是取材于她和她父亲的关系吧。

”这回答也是蛮狠的。

当然，以上只是推测，也许也融合了一些别的原型。

这男演员的名字你如果还不知道，《迷失东京》开记者招待会那女演员，她说她跟谁合作新片来着？

而跟Johnny合作那女演员的扮演者，跟这男演员也合作过一部早期DC片对了，为啥男主叫Johnny，他演了8个John，是John专业户，经常有人说他改名叫John算了

在出字幕的前几分钟，镜头中出现的是一辆黑色法拉利跑车独自高速转着圈，一圈双一圈，一圈又一圈……从始至终，镜头就一直维持在中景，一动不动！

就在观众以为是不是放映机坏掉的时候，车子终于tmd停了下来，车中走出一个衣着“低调时尚”的年轻男子。

其实这片看到这里大家也就可以离场了。

因为后面的故事就是这个场景的不断重复和延伸——苦闷的大明星在光环之下空虚无聊寂寞的生活，就像一个转不出去的跑道，就像那个一直不动的镜头。

而讲述这个故事的目的就是让好端端的观众也度过苦闷空虚无聊寂寞的一个半小时。

我很讨厌Coppola，对老的就没有好感，对小的干脆嗤之以鼻——从她的第一部电影开始，就可以很明显的感觉出这个人是没有过过什么寻常生活的，所以她当一次又一次地借用电影哭喊“我好寂寞我好难过我好冷”的时候，我一次又一次在屏幕前喝着可乐翻着白眼“大小姐你够了吧你！

你就是要作麻烦也作出点水平来好吧！

”你说老娘一界平民，为什么要花一个半小时的时间（对于某些其他同学来说还要加电影票价），去看一个大明星及其女儿的无病呻吟——我真觉得这男的是tmd吃饱了撑的……你丫真过得这么苦闷去跳海好了）？

这tmd关老娘P事啊！

老娘为毛要像个傻冒一样枯着看你吃饭睡觉拉稀？

你丫去跳海我帮你绑石头都没问题！

——而且还拍得这么难看！

喜欢用长镜头的导演很多，其中有几个也在我的心水名单上，但是这种完全不讲构图不取景深不管光线没有技术含量的长镜头，其存在的唯一目的不就是为了让观众觉得”难熬“吗？

我明白了，所谓”实验性“是指”如何使用电影sm观众“这样的实验吧！

这部电影的拍摄手法，用狗腿的或者是特意想要颁奖给伊的语气说就是“使用单调的镜头表现出了主人公好像死水一般的内心世界”，用实诚的普通人的角度说就是“这假如不是在偷懒的话，那就是拍电影的人才根本还没从学校毕业吧！

”其道理等同于某“艺术家”拿原子笔在一张白纸中间画了一根线，你可以对这根线解释出宇宙的奥义来然后给拍卖出天价，也可以“哼”一声毫不留情的一脚踩过去——前一种做法比较不伤”艺术家“这个头衔，后一种做法比较不伤”艺术“这两个字——当然如果你后来变成更牛X的艺术家，那后人很可能对你踩的那个脚印解释出宇宙更深的奥义来。

我自然是选择毫不犹豫地从Coppola女士的脸上踩过去。

但是各位自知没有美学构图的天赋，自问编不出引人入胜的故事，自晓写不出言之有物的台词，自明塑造不到充实真切的人物，自份不懂起承转合的节奏，对乃们来说，Coppola姐姐是个极好的榜样，你们就学她这样，不会构图没有节奏么全部使用固定不动的长镜头好了（当小姑娘溜冰，电影中的镜头终于开始滑动的时候，老娘的瞌睡醒了一下，然后立刻发现这个拍摄水平……），没有故事搞不掂台词想不出人物么，找个一般观众不大熟悉的行业然后去拍伊吃喝拉撒睡就行了。

如果最后发现时间撑不到长片的规范，也没关系，用钢管舞，电子游戏，溜冰之类的场景拖个几十分钟绝对没问题！

相信我，只要你是一个智商超过70的正常人类，都能办到上述事情当然，像这样一部无情节无人物无台词无美感无社会意义无个人认同性的N无电影怎么能找到资金开拍如何能进入大院线从观众荷包里敲出银子，还让其中某些天生受虐体质的人在熬过这100分钟之后为这种任何人都能拍出来的作撒花鼓掌赞美其揭露的各种宇宙奥义（如果这tmd就是“值得鼓励的创新”的话，我们普通观众以后还要不要看电影了？

地下那些为剪辑为叙事为构图做出“创新”的先辈们还要不要安息了？

），甚至到大电影节上去拿一两个奖呢？

这就涉及到一个极其严肃并且非常高难度的技术问题了——请务必好好投胎！

你知道的，只要有个好爸爸，拍出什么都不怕！

（请试想一下假如coppola小姐是朱研平先生的女儿，再拍出这种货色来只怕永世别想翻身了）最后友情提醒：切记切记，这种类型的电影不怕多拍，越拍得多越有人夸你“艺术”，但千万别被夸昏了头一时脑热真把自己当根葱去拍有情节和人物需要驾驭的电影，这样一来非但会在那些不买账的观众面前进一步的自曝其短，且会失去那些因为你只会使用不动的长镜头拍无故事情节的闷片而赞美你的天生M体质的观众的心

其实讲的真的是一个很简单的故事，可现在我才明白讲的是什么。

早晨看新闻，一个富二代，很有钱，保时捷什么的，名表什么的，腰带西服什么应有尽有，可是却骗女子吸毒，然后强奸，抢钱什么？

公安问为什么，他说：我不缺钱，只是寻求刺激。

片中的主人公何尝不是这样，看得东西多了，知道的东西多了，世界这么大在心里不过是一个村庄，没有了追求，浑浑噩噩的活。

如果心里没有的新的追求和新鲜的东西，活在哪里也就都一样了。

Somewhere一部带有记录片味道的生活片，不算是真正意义上的剧情片。

片子一开头就是一个长长的镜头，一辆法拉利在荒郊的赛道上绕着圈，越来越快，恐怕这也暗示男主角Johnny的生活就是这样，每天只是惯性作用下的混沌活着，没有方向，围着同一个圈绕着。

时间是生命最大的敌人，慢慢吞噬着他，也许曾经的有为思想青年。

终于他的指南针出现了——他的女儿Cleo。

她妈妈把她抛给她父亲一段时间，就是这段父女的二人世界，让Johnny感受到家庭的重要性。

经典朴实的长镜头记录着这段时光的点点滴滴，真实的就不像是电影，是家庭录像机拍下来的。

前半段都没有像普通电影一样直接表述感情，而是通过他们的活动，他们在一起玩、一起参加电影节、一起打乒乓球。。。。

足够了，可能有人觉得片子乏味冗长，可是这就是真实的生活。

在一起还需要过多的言语吗？

父母对子女的爱，孩子对父母的眷恋就是体现在平时的言语、行动的细节里的。

我爱死电影里那部法拉力了，一直觉得红色是法拉利的代表，现在才觉得黑色，真正的王者风范，低调、大气、庄重！

这个道具一直出现在电影中，因为这是Johnny身份的标识，也说明他现在是个只有物质没有精神的病人，空虚的正常人。

其中一个在车上的片段，压抑的情绪终于爆发了，Cleo哭了怕妈妈不管她了，她害怕就这样在幸福和孤独中游荡。

Johnny就开车从西部到拉斯维加斯，带她去赌场，其实在赌场那段，也是给她讲述人生的道理，贪婪是人生病的根结。

最后女儿要走了，去露营，Johnny说了再见，但是在他回头，满脸的伤感可以感受到他当时的心痛，没有勇气说带着她生活，因为他的生活一片混乱，只能在巨大噪音背景下，喃喃的自责。

最后Johnny终于作出了让人激动人心的决定，有个细节很微妙，主人公走进自己的旅馆住房，但是看周围无聊龌龊的一切时，那个眼光都不一样了。

他退了房间，永远的带着行李走了，没有方向，就是在一条通向任何方向的路上开着，法拉利在加速着，他要摆脱过去，摆脱自己。

我想起毕业生的结尾，手法一样，但未来却完全不一样。

想想自己，生活需要激情，要有方向，否则一个风筝永远只是孤独的城市掠影。

只能在高空看着下面貌似拥有，实际虚无的一切。

有时候，能像Johnny那样作出这样一个人生决定很不容易，当局者迷，并且要真正摆脱过去的自己，我们有时候确实要拥有这样的勇气。

PS：喜欢艾丽范宁，以后的娜塔莉波特曼哈！