维塔利娜·瓦雷拉

依然清简却未曾慢待。真相包裹在黑魆魆的暗夜里，难觅光亮。科斯塔于本片之用光可谓穷究极考。丈夫之死离奇却也平常，坟茔上不见碑文与姓名，只有一块卒于何年的薄铁片。木熏熏的人们木讷地接纳承受，甚乎忘了去祈祷或乞讨。方泰尼亚未曾消失，老破小脏乱差总有一席之地。

静谧的固镜与环境音，精心设计的光影效果值满分，只是故事内容实在太少，基本没有推进，全靠台词在撑着

2020005 三星好片。 美学越来越追求极致 但是叙事依靠了大量对白 有点割裂。让观众看到比让观众听到更好。或许为了美学完全放弃叙事也行。Costa美学和叙事比较协调的是《旺妲的房间》 因为是一个现代故事。

做作的恶心 一切画面都透露着导演自以为是的情感 蔑视观众似的强行喂食 演员沦为工具人 灯光摄影更是龌龊的帮凶

潜在年度最佳。非常有意思的电影，4：3复古画幅；固定镜头；斜穿画面而无所作为的“漫游-影像”；极其风格化的打光。大块大块的浓重阴影和逼仄的空间（水泥墙、狭廊）完全隔断全景空间的立体延伸（不同于浮雕中运用阴影制造密实体量，此处的阴影恰恰是对体积的消解），原本在广角镜下非常强的景深被蓄意压缩至一个平面，通过极端反幻觉的技艺唤起对情境本身（而非叙事元素）的注意，将人、物、景形式化为仅由光影勾画的异质共同体（让人想起马列维奇“白上之白”和巴迪欧与齐泽克的“最小差异”），揉进絮絮独白的回忆（海德格尔主义的本真语言与在世劳作），镌刻上时间物件（包括肉身）的纹理（一种唯灵的唯物主义？），构建出后殖民语境下的流散者时空。

苦难太容易被美化了，你当然可以认为乐观同样是苦难的一种表达，但乐不乐观该是由角色决定的，他们如何面对苦难，笑或者不笑，容不得他人置喙，镜头需要的是批判力，真诚、坦率，这个时代的批判力远远不够，不刈除其他光线，你永远不会关注里斯本下飞机时瓦雷拉那对脏兮兮的赤脚，你不会明白社会底层的暗无天日，不会看清所有人的表情，偶尔会有一丝宽慰，更多的是哀伤，接连不断的哀伤，不会知道有的命运的毫无希望是彻底的，活的羞耻和死的无声都是一片暗黑的呜咽。你可以提后殖民时代的女性主义，可以提宗教与伦理，可以堆砌一大堆电影论述，却不可回避自己观感的不适，视线的逼仄，对片刻的回光返照的美的渴求，从愁云惨雾中挣脱的企盼，你也知道不会有了。事实是你会失望，知道他们不会真正抬起头来了。你只能倔强地忍到最后几秒，一个最后的结果。

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奇妙的取光方式，油画般的质感，讲什么都不重要了，能感受到悲伤在画布上流淌。

非运动性镜头，靠光影、构图和人物丰富镜头语言，很极致的美学。好像看了一场展览，有关光与暗，关于留驻和搭建。但是从故事和电影角度来看它，寡淡，而沉重

每个电影节主竞赛都会出现的一部故作深沉的“摄影作品集式”长片，空有溢出荧幕的情绪显然无法弥补影片灵魂的缺失。如果说60分钟的《春暖花开》在文本和情节方面尚且还有少许的趣味性可言，比它整整长了一倍的《Vitalina Varela》对观众来说应该算是一个彻彻底底的观影灾难。

油画般得打光与构图。人物仿佛鬼魅在画布上游走。

Vitalina Varela

极致的黑白光影，局部画面呈现与油画般凝固不动的表演下，电影所表达的母题完全脱离故事/叙事，让位于画面的主导，葡式电影人对超越形式的形式主义痴迷可见一斑。

适合摄影爱好者观看，取光的b格很高，片子很沉闷。

1，看科斯塔是看什么？就是看他且独属于他的布光和构图。2，这种“用静止的镜头长时间拍摄静止的物体”的拍摄方式可以一直追溯到《大地在波动》，尤其将科斯塔同维斯康蒂联系起来，他们同享一致的美学立场——善于创造、捕捉拍摄主体固有的高贵特质。文图拉在片中显然被塑造成为耶稣基督一般的存在，尤其当他斜倚在地上，一边因病痛而手抖着，一边念出那句，“当基督感到自己，大限将至，肃穆、沉着又安详……”正是科斯塔对角色的一种自反性描述。3，今年为人所津津乐道的是柏林电影节的“列夫朗道宇宙”，但科斯塔难道不是正创造着他的“方泰尼亚宇宙”？拍摄的主体从旺妲到文图拉再到本片的维塔利娜，还将继续延续下去……

一定要看这部先锋的独到布光调度摄影女主从姿态表情甚至到眼白都满满的戏 这不源自表演源自人世间

数字摄影确保了黑暗的纯粹，Vitalina撞到门框的那个镜头动作，好似用手将布在脸上的阴影抹去，可能是用阴影在银幕上作画的最高一层境界。

Costa最sensitive的、纯粹极了的电影，回应光线成了人们唯一要做的，因为忘却肉身的人只剩下灵魂了。这种单纯的动机也不自觉填补了最原始思路与最精致形式之间的隐秘丘壑，是不可拆解的作品

极致美学

太缓慢了