波西米亚狂想曲

摇滚，作为一种只可意会不可言传的音乐类型，一直体现出旺盛的生命力，而原因就在于它实际上是诸多音乐风格的总和，鼓励实验和创新，因而极具生命力。

与此同时，每一年都会有人感慨，如今的摇滚不行了，音乐模式化了，现在这些小屁孩听的都什么音乐啊，想当年。。。

作为对各类音乐风格还算Open的我，一直觉得这些摆谱的人很好笑，一方面热情歌颂摇滚的自由、叛逆、包容和不拘一格，另一方面又说摇滚应该这样，音乐应该那样，一副自以为是的精分样子实在可笑。

但是，我也确实感叹，摇滚最具影响力，感召力的时代还是上世纪60到80年代，在一个躁动的年代，一群躁动的人捣鼓音乐，五花八门，英雄辈出，而皇后乐队无疑是其中最耀眼的创造者之一。

2018年，聚焦皇后乐队主唱弗雷迪的传记电影《波西米亚狂想曲》横空出世，再现了这位天才摇滚大师与皇后乐队的瑰丽人生，也让主演拉米·马雷克拿下了奥斯卡最佳男主。

在大银幕上，摇滚电影很多，但是归类起来基本可以分类两类，一类是传记题材，从某个角度切入摇滚历史人物的经历，唤起曾经因为他们音乐而沉醉的观众的共鸣。

这类电影的成功通常要避开流水账似的人生全景描述，一定要从传主人生的一个特别角度切入方能打动人心。

还有一类则是于平常人等的摇滚梦想挖掘，弘扬每个人心中都有摇滚之火种的精神，以激情澎湃的故事点燃观众心中的火种，比如《海盗电台》、《摇滚校园》。

显然，《波西米亚狂想曲》属于前者，那么问题来了，弗雷迪的音乐生涯如此成功，人生经历在当时又有些争议，该从哪里下手？

事实上，电影的片名已经体现了这点，《波西米亚狂想曲》（Bohemian Rhapsody）是皇后乐队的代表作，但是与时常伴随更大众的体育主题响起，曲调风格也听上去更带感的《We Will Rock You》和《We Are the Champions》相比，全球性流行度又稍弱了一些。

但是，将这首歌的歌名作为片名正体现了导演的切入角度，那就是音乐依然是影片的主线，而开放而包容的精神则成了影片打动人心的情感线索，至于弗雷迪的个人情感生活以及其中的争议性，导演也并不回避，但是也只是穿插于主线之间。

《波西米亚狂想曲》这首歌体现的其实真是皇后乐队的一种开放性的音乐态度，听过这首歌的人都知道，这首歌很难描述，因为这首歌也只是近六分钟，但是让你感觉实际时间更长。

这首歌同时融入了多种音乐风格，形成了几个层次的风格切换，切换时让你乍一听感到突然，但是最后听完又感到无比自然，这简直就不是一首歌曲，更像一部六分钟的歌剧，皇后乐队的天才之处在本曲体现的淋漓尽致。

而弗雷迪和皇后乐队也正如这首《波西米亚狂想曲》一样，在音乐上一直秉承着一种博采众长的开放性和探索性，他们乐于尝试新的东西，也愿意去世界各地展示他们的音乐，甚至在上世纪80年代与中国观众擦肩而过。

而本片也充分体现了皇后乐队在这方面的探索，尽管这部电影的主人公是弗雷迪的，但也没有把他神话，片中常见的是整个乐队对各种风格和形式的探索，事实上皇后乐队本身就是素质极高的乐队，这里不光是说他们的学历，更是每个人几乎都有可以独当一面的能力。

比如片中揭示《We Will Rock You》的诞生就源于乐队成员试图寻找一种让观众更方便的互动，更尽情释放的方式，于是伴随经典的节奏击掌声，观众得以重温这首令人下意识的举手点头的金曲。

不断再现皇后乐队舞台上经典时刻是本片的一大亮点，这需要导演对整部影片的主题明了，节奏掌控得当。

毕竟，观众看的是一部电影，不是一场演唱会，但是作为一部摇滚电影不来些让观众沉醉其中的音乐也说不过去。

《波西米亚狂想曲》的模式是交代前因，再现结果，就如《We Will Rock You》的诞生，如《Bohemian Rhapsody》的编排过程，整部电影你会时刻感觉音乐是其中的主角，而弗雷迪的爱情与同性生活，以及身患绝症都自然的伴随其中，但是并不“抢戏”。

你可以感受到弗雷迪的焦灼、迷失、困惑，但是整部影片的人际矛盾冲突并不激烈，常常刚刚要爆发就又在皇后乐队一段音乐伟大时刻的光芒中淡去，在音乐的包容中人与人的不同和矛盾显得就不那么重要了。

终于到了影片结尾的时刻，那最经典的向经典的致敬，那影片的20分钟，那摇滚史上最经典的时刻之一，弗雷迪在那场Live Aid的现场留下了永恒。

对于皇后乐队的死忠，或许还在纠结对经典时刻的再现是否到位，或许还感觉马雷克扮演的那时的弗雷迪的身材还有些瘦小。

但是，对于更多观众来说，这部电影已经在这20分钟中淋漓尽致的展现了摇滚精神，弗雷迪已经深知自己身患绝症，但是他依然投入和沉醉，依然发出最有力的歌声，振臂一呼带出全场最震撼的呼喊。

所谓摇滚精神并不是刻意的叛逆，刻意的特立独行，事实上伟大的摇滚乐队始终入世，他们从人民群众中来，到人民群众中去，时刻吸收着生活大地的养料，然后以爱谁谁的态度将其谱写成首先属于自己，接着属于中意于这种风格的乐迷的乐章。

他们从不拒绝掌声和金钱，但是也从不刻意迎合世俗的标准，因为一旦他们放下身段也就意味着迷失自我，意味着一种风格的衰落，而真正伟大的乐队不会迎合流行，他们创造流行。

一如弗雷迪和皇后乐队，也曾迷失，也曾困惑，也曾矛盾重重，但是他们的伟大就在于始终能回到摇滚精神的脉络之上，因为他们是Queen，伟大的Queen！

《波西尼亚狂想曲》的好就在于它时刻洋溢属于音乐的精神，不刻意称颂什么，也不有意猎奇去迎合什么，来自音乐和自由灵魂的感动永远在片中流淌。

我非常喜欢本片的结尾，并未贯穿到弗雷迪生命终点，而是在那伟大的摇滚时刻之后，面对台下的山呼海啸弗雷迪回头望着同伴，宛如即将走入天堂的精灵，而这定格的一刻值得摇滚乐迷永远铭记，永远欢呼！

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写在前面：我可以说是一个很彻底的音乐盲，因为我平时很少听歌，所以对皇后乐队的了解知之甚少，在观影前甚至不知道这个乐队的成员都有谁，唯一有印象的只有《we will rock you》这首歌的高潮部分，得益于此，反而能以一种初遇的眼光去看待这部电影或者说这个乐队。

观影后我看了一些影评，也从b站上面看了皇后乐队的演出录像，弗雷迪的采访，以及主演拉米的采访片段，传记类的电影如何做到出彩是很难的，因为总有那么多的“史料”影像供你反复比照，不够还原会失去许多共鸣的点，而过分删改又会套上不够尊重的帽子。

在一些乐迷的影评中出现的一个批评就是，电影中大篇幅的对于过去演唱会的复刻，使得电影变成了一个大型mv剪辑现场，我想其中有些道理，但是对于我这种无知的观众来说，这样也有一些好处，就是能把乐队最经典的现场重新再现，进行魅力狙击，很显然我中弹了。

对于影片中的乐曲和创作过程，我没有办法做些评论，大概也只会夸赞“这首歌真好听”这样的浅薄的话，让我想要写下一些东西的是关于弗雷迪的同性恋身份。

因为论文准备写苏珊·桑塔格，同性恋和艾滋是绕不过去的敏感话题，在开题答辩的时候一位老师对我说他不怎么喜欢桑塔格，因为她是个疯狂的女人，但我把这句话理解为一个夸赞，因为我想老师看见了桑塔格那肆意张扬的生命力，正如她的儿子戴维·里夫所形容的那样桑塔格身上有着“热忱”这个词，“她想体验一切，品尝一切，去一切地方，做一切事情。

”而弗雷迪同样让我感受到了这个词的力量，对于音乐的热忱“I’m going to be what I was bornto be. A performer...”如同桑塔格从小就笃定自己将成为一名作家，写作是她参与现实的方式”我所热爱的，同时很大程度上吸引我投身写作的，是关注这个世界的方式。

你就是尽可能与现实合奏的乐器。

“而弗雷迪所坚信的他是一个天生的表演者，音乐真正成为了他认知世界的方式。

但是尽管他们对自己的想要投身的领域如此笃定，但是对自己天生的性向却一直徘徊。

作为先锋斗士的桑塔格从来没有公开表明自己同性恋的身份曾被人诟病她不够坦诚，但我认为她爱过男人也爱过女人，她所爱的不是性别。

同样弗雷迪有他的一生挚爱——玛丽，尽管影片中有删减的片段：弗雷迪问玛丽自己是不是双，但玛丽笃定的说他是gay，因此性向的流动使得性别变得模糊不清。

在上个世纪六七十年代，出柜显然要面临巨大的痛苦和压力，在影片中保罗为得到脆弱的费雷迪的信任，自曝自己作为酷儿的痛苦获得了费雷迪的共鸣，酷儿（queer）文化与lgbt息息相关，不过因为我以桑塔格作为观照，这里换成“坎普”（camp）来写一点自己的想法。

影片中对于弗雷迪性向改变描写的很隐喻，穿白色背心的发福中年人，赤裸裸的眼神交流，以及挂着“men“标志的公厕，虽然我不知道真实的过程是 如何，但我不太喜欢这个角度去表现，因为很显然一个常识：公厕是男同快餐性交的一个惯常场所，这样显得过于肉欲，我更希望弗雷迪对自己性向的确认是超于原始冲动，但影片中似乎直到最后才从吉姆身上做了一个升华，弗雷迪找到了“真爱”。

不过演员拉米把弗雷迪转变的过程表现的很好，从初尝试的不安和对玛丽的负罪感，到后来默认助理安排男妓以及开始敷衍玛丽，再到与本朋友们小范围的半公开的性向后，有些“肆无忌惮”地沉湎其中。

在观影之前我并不知道弗雷迪的同性恋身份，在开头，玛丽给弗雷迪穿上女装画上眼线，弗雷迪身上带有装饰性的动作：抿嘴，手势等。

（这里夸一下拉米，尽管他刻意的加入了一些”阴柔“，但抓住了某些特质）乐队去见经纪人时所穿蜥蜴装时，我感受到了熟悉的东西：夸张的，矫饰的，风格化的坎普趣味。

“坎普趣味显露出了一种大体上未被认可的趣味的真相：一个人的性吸引力的最精致的形式（以及性快感的最精致的形式）在于与他性别相反的东西；在那些颇有男子气概的男子身上，最美的东西是某种具有女性色彩的东西；在那些颇有女子味的女子身上，最美的东西是某种具有男性色彩的东西……与坎普对男性化的女子或女性化男子的趣味相类似的，是某种看起来完全不同的、然而其实不然的东西：一种对夸张性特征和个性风格的爱好。

“这是桑塔格在《关于坎普的札记》第九小节中对于坎普趣味的描述，风格化的形成总是需要夸张某种个性，从而使其上升外化，因而与这种趣味与同性恋特别的契合（有时候我会看到一些同志的主页，他们有非常强烈的表现欲和个人风格，但不是全部）：间于两性之间的感受力。

而这种强烈的个性是一个icon所必须的，因为他的个人风格越明显，就越能吸引别人，而无论弗雷迪的舞台表演还是服装造型，都体现出他能够抓住成为一个中心人物的关键：特别。

有时我们会发现很多时尚界或者文艺界的人有同性恋的身份，但是我不认为这是一个可以浪漫化的符号，尽管它还没有洗脱污名。

虽然无论是《绿皮书》还是《波西米亚狂想曲》都有人认为因为某种政治正确，才加入了黑人或者同性恋的元素，但我还是觉得这是一种进步，至少这是一种“正确”。

因为无论是雪利博士在暴雨中喊出的那段自白，还是弗雷迪对队友们发泄的那一段，都直指他们无法获得认同感，而不同的是雪利博士选择极度自律拒绝他人，而弗雷迪选择纵情声色麻痹自我。

弗雷迪的迷失，从最根本的源头家庭来说是父亲的缺席，在拉康看来“父之名”的指向失败，导致了主体自我认同的丢失，而弗雷迪在最后才返回家庭与父亲和解，也是他在生命尽头与自己的和解，（也许可以将同性恋的一部分原因用此来分析，但是我觉得有些牵强，因为我还是觉得大部分同性恋应该是天生的）。

#还没写完，我真的废话太多了，下次补上

看到Queen 的经纪人是 Elton John 的经纪人的一刻，我发出了少女的尖叫，很多歌曲，即便过去了40年也依然能戳到心底。

所以在Queen前后还有什么伟大的摇滚乐队吗？

本文中会涉及的摇滚乐队Logo翻着看《银河护卫队》启蒙并保存下来的摇滚歌单，我打开了搜索引擎，发现，妈啊，今年真的是一个大年份！

摇滚这个概念竟然出现了有足足70年！

几百个乐队和上千首歌在这70年回荡，182年的宝洁都退市了啊，真难想象70年后的豆瓣会在哪里。

摇滚不死。

1949 摇滚元年摇滚起源于美国，其中里程碑作品已经无从考究。

但鼻祖级别但作品还是有的，Rock Awile 和 Rock the Joint 这两首发布在1949年的歌提出了ROOOOOCK 的概念。

Rock Awile无论最终的争议之下的元老级摇滚歌曲到底是谁，这一年很重要就对了！

代表作已经早到无法找到链接。

1950s这时候的摇滚还有一股舞厅气，起源于Jazz 的摇滚在这时还没完全脱离Jazz的影响。

1955 - Speedo （The Cadillacs）1956 - Long Tall Sally (Little Richard)

Speedo （The Cadillacs）1960s 出口转内销，英国摇滚入侵60年代和70年代早期，在英伦摇滚流传回到美国之后，出现了很多分支流派，例如重金属（heavy metal），轻柔满摇（soft rock），前卫摇滚（progressive rock）这一个年代也是我自己最爱的年代。

The Beatles没错，Beatles 在这一个十年出现，但是他们太红了，就不逐一播放了。

1963 - She Loves You (The Beatles)1964 - I want to hold your hand (The Beatles)1965 - My Generation（The Who）Wouldn't It Be Nice1966 - Wouldn‘t it be nice （Beach Boys）这首歌在太多电影中出现过了，曾经一度是我的精神支柱1967 - Somebody to Love （Jefferson Airplane）1968 - 爱用人名做歌名，是1968年的一股妖风。

之前大火的《极盗车神》 和《银河护卫队》里都有这个时期的作品，从《海盗电台》片头使用的《Elenore》到再到《极盗车神》用过的《Debora》清一色的女孩名都来自1968年，完全不考虑后人搜索的难度！

1968 - Debora1968 - (The_Turtles) - Elenore_《海盗电台》1968 - Born to be wild （Steppenwolf）这首的异域风情太抓耳朵了，没忍住放进来了1968 - Kashmir (Zeppelin)1968 - Kashmir (Zeppelin)1969 - Don't let me down (Beatles)1970s - Queen1970s 是属于 Queen 的摇滚元年，整个摇滚乐队或许为人所知作品最多的时期恐怕也要集中在这10年。

1971 - Riders On the Storm (The Doors)1971 - Riders On the Storm (The Doors)1971 - Iron Man (Black Sabbath)1972 - Smoker on the water (Deep Purple)1973 - Money (Pink Floyd) 真的是火了很久的一个团

Pink Floyd1973 - Dream On (Aerosmith)

Aerosmith1975 - Bohemian Rhapsody (Queen)1975 - Bohemian Rhapsody (Queen)1976 - More than a feeling (Boston)1976 - Somebody to love (Jefferson Airplane) 这首歌可以说是 酸性摇滚（Acid Rock）的代表作品。

酸性摇滚是一种主要依赖变奏的吉它、柔美的歌声和长时间的即兴表演完成的摇滚类型，很适合女性主唱完成。

1977 - We will rock you (Queen)1977 - We will rock you (Queen) 现场1977 - Hotel California (The Eagles) 1977 - Hotel California (The Eagles) 美国也不认输就是了，《波西米亚狂想曲》好歹只有5分56秒，就已经和经纪人吵架吵到砸玻璃，《加州旅馆》却可以做到6分30秒，整整50秒后才进入主题，但是却火到即使过去40年，只要是学过英文的人至少一半听过，70年代，妙啊。

1978 - Don't stop me now (Queen)1978 - Don't stop me now (Queen) 这首是本片的，片尾曲了，最喜欢的一次使用还要数《僵尸肖恩》里配乐时用到它，2016年的作品《硬核亨利》中也使用过这首歌，太适合配打架的场景。

1979 - Hold the line （Toto）1979 - I was made for Loving you（Kiss）1980s朋克少年和朋克少女在这一年出现，非主流摇滚（alternative rock）也称另类摇滚在80年和90年代逐渐传播开，包括工业摇滚，哥特摇滚都是对于之前摇滚音乐的反叛和不服气。

这十年过后，音乐界才后知后觉地发现，非主流摇滚不仅是小朋友的打打闹闹，还可以拿来卖钱的商业价值被音乐界重视了起来，因而在1990年代会涌现大批量的工业摇滚，走红乐队包括了Jane's Addiction, Red Hot Chili Peppers, Dinosaur Jr., Firehose, 和Nirvana。

1980 - Ace of shades （Motorhead）1980 - Back in Black （AC/DC）1981 - Dont Stop Believing （Journey）1982 - Eye of the Tiger (Survivor)1983 - Sweet Dreams （Marliyn Manson）1983 - Sweet Dreams （Marliyn Manson）1983 - Beat it (Michael Jackson)1984 - Turn up the Radio (Autograph)1984 - Footloose (Kenny Loggins)1984 - Footloose (Kenny Loggins)1985 - No easy way out (Robert Tepper)1986 - The final countdown （Europe）1987 - Wake me up when September end （Green Day）1990s不修边幅的油渍摇滚（Grunge Rock）是这十年兴起的流派，风头盖过重金属。

当中最有代表性的乐队涅槃（Nirvana），就连起名字都已经不考虑读者的文化水平了！

很酷！

1991 - Smell Like Teen Spirit (Nivana)1991 - Smell Like Teen Spirit (Nivana)Metallica-Enter Sandman 1991年莫斯科_腾讯视频1991 - Enter Sandman （Metallica）1981年成立的Metallica在10年后推出了自己最受欢迎的作品1993- Zombie （The Cranberries）很多人都知道这首歌的反战背景。

1993年3月20日，爱尔兰共和军在英国沃灵顿市中心引爆垃圾桶中的炸弹，导致12岁少年帕里（Tim Parry）和3岁儿童鲍尔（Jonathan Ball）身亡，并造成数十人受伤。

《Zombie》就是对这起惨案的悲愤回应。

独自在公寓中完成创作的多洛丝在歌词中写下了自己对于战争的愤怒与痛苦。

1993- Zombie （The Cranberries）现场 1995 - Wonderwall （Oasis）这首可以说是英式摇滚（Britpop）在90年代的代表作品，90年代英国摇滚卷土重来，这种音乐类型，发展成为对抗美国的油渍要给（Grunge）的一种潮流。

此间，Suede、Oasis、Pulp、Supergrass 和 SleeperBlur都是90年代版本英伦摇滚的重要乐队。

1997 - No Surprise （Radiohead）1997 - No Surprise （Radiohead）1998 - Fly Away （Lenny Kravitz）放客摇滚（funk rock）卷土重来的比较有代表性的作品，这种乐派起源在1960，由David Bowie等灵魂人物祖传了30年，是各大音乐节的常客。

那么为什么不在1960介绍他们呢——因为那边插了视频所以写不下了。

1999 - Everything will flow （Suede）1999 - Everything will flow （Suede）2016现场2000s2001 - Feuer Frei （Rammstein）工业摇滚（industrial metal），这个派别也是起源于1970s，很硬，1970写不下，反正现在也没失传，去听听看，很硬。

有多硬呢，你妈听到了会说“吵死了，快关掉”这么硬。

2005 - Monster （Skillet）基督摇滚（Christian Rock），倒不是因为节奏或者乐器分的类型，而是因为歌词更加注重信仰和教义，这个概念在1950-1960就火起来过，但是那个时候大环境太拥挤，这种派系存活不下去。

就像人工智能的概念也是1960s 就提出了，但却在2010年重新被提起一样，很有趣了。

反倒是在互联网时代，基督摇滚繁衍起来了，内核有点类似今天流行的“佛系”概念。

2010s2012 - Burn it down （Linkin Park）电子摇滚（electronic rock）好听！

不解释了！

你们比我懂得多！

2014 - Shut up and dance (Walk the moon) “ 今天不蹦迪，明天变垃圾“，舞曲摇滚（dance rock）就是一个1980年代蹦迪时期的小类型，但是一样的，80年代好作品太多了，因而2010之后又有人拿出来翻炒，大概周杰伦2020年又回小火一波，这事吧，就像股价，有周期性波动。

之前放过一首footloose 就是这个风格，请回到1984篇。

2015 - The Sound of Silence (Disturbed)NOW

还是没填完……希望这个礼拜能把这个坑填完，很喜欢这种拉一个大纲总复习的感觉，去吃饭了，欢迎提名你喜欢的乐队。

15年前，我觉得自己喜欢读书；10年前，我觉得自己喜欢音乐；5年前，我觉得也许自己会一辈子喜欢电影，很遗憾的是，目前我觉得这一切都是无足轻重的事情。

至于到底什么是重要的，我还没想明白，这大概就是我一事无成的症结所在——我已经丧失了将心血和精神凝聚在一件事物上的能力。

这是从小养成的恶习，忘记了是什么时候开始有的习惯性发呆的毛病，把自己放逐在一个全凭自己脑力编排的世界里，这个习惯是我的精神鸦片，它导致我的脑子十二个时辰里不停的运转，杂念纷飞，永远无法得到真正的休息。

后来我“生理性”的长大了，开始不再幻想出现一个白胡子老头带我走入一个未知的世界并因为我的天赋异禀而赠送我一些可以在这个世界里纵横的各种宝贝儿，遗憾的是这并不能改变我仍然是一个表情冷漠、思想肮脏的巨婴的现实。

我开始降低对于幻想的期待，白胡子老神仙怕是遇不到了，来几个流氓不过分吧？

让他们出现在一个我喜欢的姑娘面前。

我拳术还未有所成，但毕竟身上还流着一半草原民族的血液，我的祖先为了追赶丢失的马匹绕着赤道打了一圈，我想我有这个基因去应对一次危险。

我需要这样一个事件证明给她看我除了平时被她一眼看穿的龌龊之外还有其它东西，然而随即想到为了证明这个在我的幻想里竟不惜让她涉险，我果然是太龌龊了。

我本不该成为这么龌龊的一个人的。

影片里Freddie Mercury说“我如今成为了我生来就要成为的那个人”，但我想显然艾滋肺炎永失挚爱这些事情都不属于他要成为的那个人。

人生真的很美好，除了当你觉得某件事XX则这件事一定会向着相反的方向绝尘而去这一定律。

我甚至还不知道我要成为一个什么样的人，因为我所有的念头全都被扼杀在摇篮里。

Freddie Mercury在 1991年11月24日结束了灿烂夺目的传奇一生，倒退三百六十余天，在中国北方某一个寒冷的城市，我人生的万古长夜刚刚开始。

对于Freddie Mercury而言，至少他曾经拥有过；对于我而言，我安慰自己我没什么可以失去。

说起英国的摇滚音乐史，绕不开两支传奇乐队的名字：披头士（The Beatles)和皇后乐队（Queen）。

前者不用过多介绍，披头士和他们的摇滚乐早已成为现代流行文化史上的一座高峰，而后者则凭借多元风格的“摇滚歌剧”而影响了之后的摇滚乐和流行音乐。

皇后乐队究竟有多火？

这支成立于上世纪七十年代的摇滚乐队，曾对世界乐坛留下深远影响，尤其是在英国国内有着无与伦比的影响力。

英国史上专辑畅销榜的前10名中，他们占了两个名额，分别是第一和第七，唱片销量在1.5亿到3亿张之间。

同时他们还创造了英国史上专辑畅销最久的纪录，销售榜周数总计达1322周，长达27年之久，为史上第一。

即使你并非英国摇滚乐迷，也一定听过他们那些耳熟能详的经典旋律。

当那首经典的“WE WILL WE WILL ROCK YOU！

”响起的时候，你有没有一种不由自主想跺脚的冲动；当体育赛场上的运动员赛场拼搏之后，响起夺冠专属BGM“WeAretheChampions”的时候，你也曾为之激动泪目吧。

如今这些经典名曲早已脍炙人口，但却少有人了解这些创作出风靡半个世纪的伟大音乐家背后的故事，而就在最近的好莱坞颁奖季，一部讲述皇后乐队生平的传记片引发了热议。

这部电影就是——波西米亚狂想曲Bohemian Rhapsody

这部传记电影自去年北美上映以来，便引发了轰动。

不仅在全球收获了高达7.5亿美金的惊人票房，更是凭借18万人打出IMDb8.3的评分，强势杀入IMDb影史TOP250的第137位。

而在国内的豆瓣上，影片也拿下了8.9的高分。

在前不久刚刚结束的金球奖颁奖礼上，影片更是揽活了最佳影片和最佳男主角两项大奖。

不过，尽管影片票房喜人观众口碑也不错，可该片却在主流媒体上饱受批评，烂番茄新鲜度仅有62%。

一边是普通观众盛赞力捧，一边是主流媒体批评质疑。

这种两极化的口碑证明了影片并非是一部想要挖掘出人物深度的艺术电影，而是一部以致敬怀念为目的的音乐传记片。

换句话说，这部电影其实也是一部“粉丝向”电影。

导演的创作意图很纯粹——就是要将电影院变成演唱会的现场，用那种摇滚乐的激情与疯狂感染每一个观众。

影片最初由曾经执导过《非常嫌疑犯》、《X战警》系列的布莱恩·辛格执导，然而在拍摄期间，却因为被曝出性侵丑闻而不得不临时找来另一位导演德克斯特·弗莱彻接手完成制作。

电影的剧情是依据皇后乐队灵魂人物主唱弗雷迪·默丘里的生平所改编，片名正是来自于皇后乐队的一首经典代表作。

《波西米亚狂想曲》（Bohemian Rhapsody）这首歌并不像皇后乐队其他名作那样广为人知，却被业界公认为皇后乐队最精湛音乐技艺的发挥。

而这首歌诞生之初，因其新颖前卫的风格，一度被人低估，但最终却被证明了其无与伦比的艺术表达。

所以电影才直接用这首歌作名，因为它最能代表这个乐队和主唱弗雷迪的一生。

叛逆、极富创造力、 独一无二。

为了还原弗雷迪这位伟大的摇滚乐手，电影找来了曾经凭借《黑客军团》而走红的好莱坞实力派男星拉米·马雷克来出演。

他本人不仅外形与默丘里神似，再加上电影中带上了龅牙的造型，更是高度还原了牙叔标志性的大门牙造型，加上马雷克的精彩演绎，堪称惟妙惟肖。

电影遵循了传记片的标准剧情模式，聚焦男主角弗雷迪·默丘里从一名籍籍无名的机场搬运工到成为皇后乐队的主唱走向巅峰的传奇生涯，时间跨度达15年。

影片一开场便采用了倒叙的模式，跟随着主角弗雷迪从幕后走向舞台的背影，将观众拉回到了1985年的LIVE AID演唱会的彩排现场。

倘若你熟悉欧美流行音乐史，就会知道1985年的这场LIVE AID演唱会绝对是人类历史上最伟大的，甚至是没有之一的演唱会。

这场空前绝后的演唱会旨在为发生在埃塞俄比亚的饥荒筹集资金，所以名称定为LIVE AID，翻译过来就是，拯救生命。

演唱会在太平洋两岸的伦敦和费城同时举行，时间长达16个小时，从白天一直唱到晚上，在现场约有9万名歌迷，全球大约有15亿观众收看了电视直播。

在当时，共有100位摇滚巨星参加了这场慈善演唱会，演出嘉宾包括了迈克尔·杰克逊，麦当娜，U2，披头士的保罗.麦卡特尼，鲍勃·迪伦，出席嘉宾则有当时的戴安娜王妃和查尔斯王子。

在这样规模的演唱会上，明星大腕如同走马灯一样的登场，但皇后乐队却在这场演唱会上留下了最辉煌灿烂的一次表演。

故事开始于1970年代的伦敦。

年轻的佛洛克出身于一个保守的英属印度家庭当中，因为家族观念，父亲对他管教严厉，总是不断要求儿子要有“崇高的思想，美好的语言，有意义的行为”。

但对于叛逆的佛洛克来说，他不满家庭的约束，自己将名字改成了弗雷迪（拉米·马雷克 饰）。

他热爱充满激情的摇滚乐，经常会去酒吧听一支名叫Smile的乐队的表演，因为乐队的原主唱决定离开乐队，这让弗雷迪有了毛遂自荐的机会。

起初，乐队其他成员对这个还很青涩的龅牙小哥一脸不屑，但却被弗雷迪之后张口就来的一首歌曲给折服，从而决定让他加入乐队成为新主唱。

乐队重组之后，启用了新的名字变成了“皇后乐队”，并在弗雷迪的带领下，砸锅卖铁筹钱出了一张专辑，并引起了一位经纪人的注意。

可受限于当时乐坛的保守风气，加上他们又是初出茅庐的新人根本得不到重视，专辑销量自然是平平，甚至就连上电视节目都被要求必须“假唱”。

因为在制作人眼中，没人关心他们是不是真唱。

直到他们发行第四张专辑，弗雷迪决定打破当下的摇滚乐曲风限制，大胆加入各种在此前摇滚里听不到的歌剧等元素。

这在当时看来是相当大胆的行为，尤其是对于一支入不敷出濒临解散的乐队而言，无疑于一场赌博。

幸运的是，皇后乐队这次赌对了，这张名为 A Night at the Opera 的专辑一经推出，立刻便引发轰动，也令这支摇滚乐队从此开启了事业巅峰。

而电影除了讲述弗雷迪的传奇崛起生涯之外，也同样没有放过弗雷迪的私生活，尤其是他复杂的感情经历。

费雷迪曾经有过一位妻子，名叫玛丽·奥斯汀（露西·宝通饰），两人相识于微时。

在乐队成立初期，穷困潦倒的弗雷迪一度要靠女友玛丽来赚钱补贴，但这种生活艰辛却没有阻碍两人的感情。

很快，他们见了家长并订婚。

然而费雷迪其实一名同性恋者，因为自己的助理保罗（艾伦·里奇饰）的一个主动的吻而被掰弯。

从此，弗雷迪便开始与妻子关系疏远，直到引起妻子的怀疑之后，才选择坦承自己的性取向，两人宣布分手。

可难得的是两人却都很尊重理解对方，并视对方为一生挚友，而且弗莱迪死后也将大部分财产留给她。

电影并没有展示过多弗雷迪人生中的负面生涯，但还是通过一些台词和简单的细节展现了那段人生低谷带给他的打击和折磨。

成名之后的他私生活混乱，沉迷嗑药滥交，而且一度膨胀的他开始想要单飞，导致乐队成员的不满，就连音乐创作也陷入了瓶颈。

偏偏被八卦媒体和负面新闻缠身的他，又得知了噩耗，自己感染了艾滋病。

也正是因为罹患绝症之后，弗雷迪才开始意识到自己已经在纸醉金迷中沉沦了太久，早已忘记了自己曾经的梦想与初衷。

所以得知时日无多的他，重新找到了乐队的其他三位成员，希望能借LIVE AID演唱会的舞台完成一次合体。

电影的最后20分钟，导演费尽心思地重现了当年皇后乐队在那场演唱会上的盛况，在各种摄影机运镜调度下，让观众仿佛置身于当年那场演唱会现场。

可以说，电影此前的100分钟全部是为了这最后一幕而做的铺垫，以至于当演员马雷克站在舞台上，摆出皇后乐队的经典pose时就足以令人激动泪目。

在宿命和悲情之下，弗雷迪在舞台上唱完了最伟大的20分钟，这应该是表姐看过的传记片里最燃的一幕了吧！

当然，电影毕竟是戏剧改编，《波西米亚狂想曲》并没有深入描写角色关系和挖掘人物内心，因而显得故事层面较为薄弱，在剧作上稍显差强人意。

不过，男主角拉米·马雷克的演技却为影片加分不少，他相当卖力的表演将这位传奇歌王的成长史诠释得相当到位。

1991年11月24日，一代传奇摇滚乐手弗雷迪·默丘里因为爱滋病引发的肺炎在伦敦家中猝然离世。

弗雷迪生前曾经遭受过太多争议，但他留下的音乐却被传唱至今，这或许就是音乐的魅力。

正如弗雷迪本人所说：亲爱的，人生最重要的是活得精彩。

只要活得精彩，我不在乎活多久。

本文发表于公众号【迷影映画】（ID：miying1994）

1985年夏天，伦敦的温布利大球场，汇聚了超过7万名热切的观众，但平日里的足球圣地此刻属于摇滚乐。

U2、皇后乐队、鲍勃·迪伦、保罗·麦卡特尼、麦当娜、齐柏林飞艇......人群欢唱高呼的热浪从白天开始，到夜间结束，超过100个摇滚明星、乐队不间断地登台演出。

演出通过全球通信卫星网络向140多个国家播出实况，共吸引了近15亿的电视观众。

©Live Aid 1985而在这场为非洲饥荒筹集资金的义演Live Aid上，皇后乐队用20分钟的表演生生夺去了所有人的光彩，将自己送上了“摇滚之神”的地位。

你可以不喜欢这部传记片[波西米亚狂想曲]，但绝不会不喜欢电影里最后这20分钟近乎完美的复刻演出时间。

©[波西米亚狂想曲]海报弗雷迪·默丘里，那个留着小胡子的男人，穿着白背心，用一曲曲经典《Bohemian Rhapsody》、《We Are The Champions》、《We Will Rock You》带领着皇后被载入史册。

就像他所说的，“我们要歌唱震动天空”，他做到了，留下了那么多传奇故事。

Freddie Mercury，Mercury是水星的名字，也是古罗马神话中神的使者的名字，那是个自由飞翔在神山和人间，传递着众神信息的使者。

成名之际，他把自己的姓氏改成了Mercury，弗雷迪从一开始就知道自己想要什么，也知道自己将会成为什么。

他出生在东非的英属地，身上有着正统的波斯血统，在印度上小学、中学，7岁开始学钢琴，12岁就组建了自己的第一支校园乐队。

17岁时，他随家人搬到了伦敦，在艺术学院学习艺术设计，后来皇后的logo也是他自己设计的。

©弗雷迪小时候那之后，他又辗转浪迹在不同的小乐队间，加入过利物浦的Ibex、和Sour Milk Sea，也和女友玛丽一起卖过二手衣服、在机场打过工。

当时的朋友回忆起那时的他时常说“他是一个有些安静害羞、但对音乐又有着强烈兴趣的年轻人”。

直到遇到皇后，那时候，皇后还叫做“Smile”，吉他手布赖恩·梅是物理学硕士、鼓手罗杰·泰勒学牙科专业，而高学历的两人却一心放在捣鼓搞乐队上。

最开始Smile是有主唱的，弗雷迪只是到处追随Smile的一个小粉丝而已，契机是原主唱的离队。

弗雷迪自告奋勇加入了Smile，在他的坚持下，乐队名字也终于定下了Queen。

©Queen早期造型，左起鼓手罗杰·泰勒、主唱弗雷迪、吉他手布赖恩·梅、贝斯手约翰·迪肯一个流传甚广的轶事是说，弗雷迪曾经对很多熟人都说过这样一句话：“我是有一天要成为流行巨星(pop star)的人”。

但那时也没人在意，大家只是笑笑，附和道“你会的，你会的”。

后来有一天，有人看到他在桌前用双手遮着脸，一脸闷闷的样子，人家问他怎么了，他却突然站起来大声说道：我可能成不了流行巨星了，我将成为一个传奇！

在他的规划里，皇后的成名有一个“十年计划”，不过，也用不了十年，在第二张专辑《Queen II》发布后，他们就已经开始走红了。

三专中的单曲《Killer Queen》一举拿到了英国单曲榜的亚军，他们很快开始踏上了去往美国、日本巡演的道路。

之后，1975年的神专《A Night at the Opera》彻底奠定了他们摇滚巨星的地位，其中的一首《Bohemian Rhapsody》融合了歌剧、硬摇滚、民谣和金属，长达6分钟的时间里既有古典元素，又有磅礴的吉他独奏，还有华丽的曲调和癫狂的热情和诗意。

©《A Night at the Opera》是皇后最有分量的一张专辑电影[波西米亚狂想曲]片名即取自这首歌名字，电影里也描写到了关于这首歌发行前乐队和公司产生的巨大分歧和风波。

最终，听众对乐队的坚持给予了盛大回报，《Bohemian Rhapsody》在英国单曲排行榜冠军位置上停留了9个星期，打破了最长时间记录。

还有什么能阻挡他们呢？

《We Are The Champions》、《We Will Rock You》等等代表作频出，这是属于皇后的时代。

1981年，皇后的代表作精选集《Greatest Hits》发行，它至今仍是英国销量最高的专辑。

而在这张精选集的17首热单中，其中有10首都出自弗雷迪之手，他的创作可以自由融合各类音乐风格，金属、迷幻、福音、古典、前卫摇滚，在他手里和嗓音里都可以被演绎到绚烂极致。

也难怪人们提起皇后，常常称它是各类融合的完美综艺大厅。

除了音乐风格，皇后另一个为人称道的便是他们华丽的舞台表演风格。

即使你只看过这部[波西米亚狂想曲]，也很容易从中窥见弗雷迪那一呼百应的舞台感染力和非凡的舞台艺术。

他的现场风格高度戏剧化，喜欢在舞台上和观众互动，带领他们合唱，让观众参与其中。

这也是85年Live Aid上皇后的20分钟表演能长久占据着摇滚乐史最伟大现场的原因之一：他带动了7万多观众一起拍手、摇摆、合唱和狂欢。

©Live Aid

©[波西米亚狂想曲]还原的Live Aid有人甚至评论他是“以酒神戴奥尼索斯式的表现证明最接近神的人”，而乐队吉他手布赖恩·梅直接说他“能让体育场最后一排的最后一个人感到和他联系在一起”。

舞台上，他时常会手拿一杆话筒，时而挥动，时而旋转跳跃，或边唱边扭动腰肢和屁股，或伏地和吉他手和吉他互动，或高举拳头、激情昂扬。

©舞台互动再搭配上他从各方汲取灵感而来的视觉化风格，从最早的影星玛琳·黛德丽、到丽莎·明奈利，再到70年代初的华丽摇滚风潮，以及同志和酷儿文化。

弗雷迪是gay，或者说是双性恋，稍微对他有过了解的人对此都再熟悉不过。

[波西米亚狂想曲]里出现了两次玛琳·黛德丽的海报并不是偶然，这个在30年代开创了中性风潮的著名影星便是弗雷迪的偶像之一。

黛德丽是第一位将裤装穿到好莱坞银幕上的女演员，1930年的[摩洛哥]里，她身着燕尾服、头戴大礼帽，扮着男装、手拿着烟，既诱惑着女人，又让男人难以忘怀。

©[摩洛哥]里的玛琳·黛德丽而弗雷迪的另一个偶像丽莎·明奈利在72年的歌舞片[歌厅]里，演一个像猫一样的俱乐部舞女。

齐眉短发，淡蓝色眼妆、贴着长长的睫毛、狡黠而美丽的眼睛，灵动美妙。

©[歌厅]里的丽莎·明奈利弗雷迪在舞台上也常常以浓重的笔墨勾画眼影和眼线，搭配上亮闪闪的从华丽摇滚风潮里“偷”来的亮片紧身衣，或纯白色连体服。

后期，他又以自己流连在同志酒吧和浴室的经历为灵感，将更具情色色彩的皮革服穿上了舞台。

包括他在80年代标志性的短发、小胡子，白色T恤或直接露出胸毛的装扮，都是当时同志色彩浓厚的流行装扮。

©各种舞台装扮曾有尖酸的美国乐评人讽刺他在舞台的形象“就像是长了蛋蛋的默片艳星”。

但更客观的《旁观者》则赞美他是“用各种夸张放肆版本的自己去戏弄观众、震惊观众，最终迷住观众的表演者”。

曾和他合作过一曲《Under Pressure》的大卫·鲍伊称赞他说：在所有戏剧摇滚歌手中，弗雷迪远远超过了其他所有人，他超越了极限。

我只亲眼见过演唱中的他一次，结果，确实就像传说中的，他是一个能将观众掌握在手心里的男人。

[波西米亚狂想曲]里虽然没有太多地展现他的同志夜生活，但那些充斥着药与性、放纵与疯狂的夜晚无疑是他音乐来源的一部分。

而且是皇后音乐里很重要的一部分。

©[波西米亚狂想曲]剧照他自己一生选择生活在主流文化和酷儿文化的十字路口，即使有着艰难和孤独的一面，但他并不曾后悔。

他自己说过：我不会成为伊娃·贝隆，我不想因为“天哪，我希望他们意识到，在我死后，我创造了某种东西，或者我曾经是某种东西”而被载入史册。

我玩得很开心。

就足够了。

忠于内心，一生如此。

弗雷迪·默丘里的名字的确成为后世的传奇，就像他当初预言的那样，但更重要的，能用“我玩得很开心”概括这一生，就已经足够了。

-作者/卷卷毛本文首发于微信公众号【破词儿】

看完电影对 Freddie 和Mary的故事很好奇，所以动手搜索了一下相关资料，也顺便分享给感兴趣的同道。

这篇文是根据几篇外网新闻和杂志文章翻译而来的，因为我着急睡觉，所以草翻了一下，不是很流畅，感兴趣可以看原文https://www.elle.com/culture/movies-tv/a26449346/who-is-mary-austin-freddie-mercury-fiance/https://www.thevintagenews.com/2018/11/22/mary-austin-freddie-mercury/https://spinditty.com/industry/Mary-Austin-Her-Epic-Romance-with-Freddie-Mercury微时相遇玛丽·奥斯汀（Mary Austin）于1951年出生于伦敦西区富勒姆的一个普通的工薪阶层家庭。

她的父亲是一个壁纸修剪师（wallpaper trimmer），她的母亲是一名女仆。

父母双方都是聋哑人，因此，这个家庭的日常交流都采用手语和嘴唇（影片中也有细节体现这一背景信息）。

为了帮助家庭维持生计，玛丽15岁时就辍学并成为一名接待员。

不久之后，她进入了高级时装行业，并在保罗·麦卡特尼和米克·贾格尔等超级明星经常光顾的精品时装店Biba工作。

年轻时的玛丽，19701969年，玛丽·奥斯汀和弗雷迪·摩克瑞（Freddie Mercury）相遇，这一年，她19岁，他24岁，而他们独一无二的亲密关系从此将持续终生。

在玛丽与弗雷迪相遇之前，她和女王吉他手布莱恩曾经有过短暂的约会。

但他们在还未正式交往时，便友好地分道扬镳了。

因为布莱恩的缘故，玛丽结识了当时他所在的一个初出茅庐的乐队——这将成为音乐史上最伟大的乐队之一：女王乐队。

而与此同时，他们的主唱弗雷迪被她迷住了。

24岁的弗雷迪此时刚刚从艺术学院毕业，成为了皇后乐队的主唱，业余时间也和女王鼓手罗杰·泰勒在Biba附近的肯辛顿市场经营着一个衣服摊位，在那里他们售卖着旧爱德华时代的各色衣服和围巾。

对玛丽的迷恋促使着弗雷迪长期徘徊在Biba，用行动表达着他沉默的爱意。

但是整整六个月之后，这个在舞台上看起来热情而桀骜的歌手才鼓起勇气向玛丽发出了约会的邀请。

生命之爱即使在那时，弗雷迪就散发出一种癫狂与耀眼的气质，尽管他生活里害羞而内向，而这与玛丽静谧却又包容一切的风度相得益彰。

在短暂的约会后，他们很快坠入爱河，并在一个狭窄的公寓里开始了同居生活。

这时的日子还很甜蜜，他们在外人看起来就像新婚夫妻。

弗雷迪的妈妈，博尔萨拉夫人在多年后回忆起对玛丽的印象：“她很惹人喜爱，常常来我们家吃饭，我当时很希望他们能够结婚。

”与此同时，女王乐队的人气在1970年起蓬勃发展，并获得了在海外演出的机会，弗雷迪也随乐团辗转于世界各地。

这几年里，弗莱迪的舞台风格相较从前更为夸张炫目，并且也在尝试后来被人指责为异装癖的服装，但由于玛丽在他身边，没有人质疑他的性取向。

1973年，他将歌曲“我的生命之爱”（Love Of my Life)献给她。

恋爱时的弗莱迪和玛丽，1974在交往了四年后，玛丽迎来了弗莱迪的求婚。

在1973年的圣诞节，玛丽收到了来自弗莱迪的礼物——一个大盒子。

多年以后，玛丽还能清晰地回忆起当时的情景，“（盒子）里面是另一个盒子，然后又嵌套另一个盒子，这就像一个有趣的游戏。

最后，我在最后一个小盒子里找到了一个可爱的玉戒指。

”奥斯汀说，“我看着它，一下子愣住了，因此这是我此前从未预料到的。

所以我问他，‘我应该把它放在哪一只手上？

'他说，'左手，无名指。

'然后他继续说，'你愿意嫁给我吗？

'我脑子里一片空白，只是低声说'是的，我会。

是的，我会(Yes, I do)”一朝变故 求婚仪式令人印象深刻。

然而，日子一天天过去，结婚却久久没有下文。

玛丽心底疑虑，却从来没有直接向弗莱迪问起，只是偶尔用一些别的方式提醒这件事情的存在。

一次，她在小商店里发现了一件漂亮的古董婚纱，就询问弗莱迪，“我是时候买这件衣服了吗？

”但他说“不”。

这样的否认似乎就暗示了弗莱迪没有了结婚的打算。

玛丽对他的反应感到很失望，她此前从未想过这样的对话会在他们之间出现。

事情似乎朝一个复杂的方向发展起来，两个人的关系变得微妙而紧张。

最终，当弗莱迪向她坦言自己的性取向时，玛丽所有的不安、疑虑和怪异感才有了可以名状的根源。

虽然他们在一起已经七年了，但直到那天她才最终了解到眼前这个男人的性向。

“有点天真，我花了一段时间才意识到真相。

后来他终于告诉我他是双性恋，他感觉很好。

”玛丽回忆道。

她还记得她当时回答他的内容，“不，弗雷迪，我不认为你是双性恋。

我觉得你是同性恋。

”（No,Freddie. I don’t think you are a bi-sexual, you are a gay.)终身相依走到这一步，两人只能分手，但他们的关系仍然非常亲密。

玛丽搬进了弗莱迪住所附近的公寓，这由他的音乐出版公司为她出资购买。

虽然他们已经不是名义上的恋人，但却形成了一种更加亲密的关系。

玛丽成为了乐队团队的一员，在20世纪80年代，她经常与女王一起巡回演出，担任出版业务的秘书。

并且，当弗莱迪陷于毒品、滥交和精神孤独时，他总能从玛丽那里找到强大的精神支持。

80年代的弗莱迪和玛丽玛丽于弗雷迪之重要，可以从他1985年的一段访谈中得知一二，“我所有的恋人都问我为什么不能取代玛丽，但这就不可能。

我唯一的、真正的朋友是玛丽，我不想要任何其他人。

对我来说，她是我的合法妻子。

对我而言，我们的关系是一场婚姻......我们彼此相信对方，对我而言，这就已经足够了。

我不能像爱玛丽一样再爱上其他任何一个人。

”的确，弗莱迪在玛丽之后还有过不少恋人。

其中跟他关系最为密切的是吉姆·赫顿，一位来自卡洛郡的理发师，他们从1985年开始交往，直至1991年弗莱迪因病逝世吉姆仍旧守在他的身边。

奥斯汀后来则和画家皮尔斯·卡梅隆交往并结婚，诞下了两个儿子理查德和杰米，弗雷迪还是玛丽长子的教父，她的第二个孩子则在他去世后不久出生。

弗莱迪和玛丽的大儿子未亡之人1987年，弗雷迪被诊断身患艾滋病，并在第一时间将这个消息告诉了玛丽，在伤心欲绝的同时，玛丽也和弗莱迪的男友、助理、佣人和朋友投身于对他的照顾。

在1991年弗莱迪去世后，根据他的遗嘱，玛丽继承了他的一半现金资产(1000万英镑）、他在肯辛顿的花园别墅、两栋房子和他未来的音乐版权。

他另外一半现金资产则留给了父母和妹妹，而他的厨师、私人助理和男友则每人分得了50万英镑。

据说，他的母亲批准了他的决定，声称玛丽和她一样是家人。

弗莱迪在遗嘱中对玛丽写道，“如果事情曾会有不同，你早就是我的妻子，这些无论如何都早已是你的了。

” （If things had been different,。

you would have been my wife, and this would have been yours anyway.）

玛丽和乐队成员参加弗莱迪的葬礼，1991同时，弗莱迪在临终前也嘱托玛丽处理他的骨灰，希望能让他安葬在一个无名之所。

为避免记者的关注，她在弗莱迪逝世两年后，才在某一天悄悄出门，将他的骨灰埋在一个无人知晓的位置——这是她至今仍保留的秘密。

如今的玛丽，仍住在弗雷迪生前长住的肯辛顿别墅。

Mary has told the Daily Mail. ““I lost my family, really, when Freddie died,he was everything to me, apart from my sons. He was like no one I had met before.” And the most important and definitive statement of Freddie Mercury speaking about his love life is perhaps this: “I couldn’t fall in love with a man the way I could with a girl. Love is the hardest thing to achieve and the one thing in this business that can let you down the most. I have built up an immense bond with Mary. She has gone through just about everything and always been there for me.”

《波西米亚狂想曲》是我最近最喜欢的电影。

然而，我会告诉你：“别看《波西米亚狂想曲》，如果你不想一不小心掉进皇后乐队的‘大坑‘”！

如果你好奇我为什么这么说，请听我慢慢道来。

波西米亚狂想曲 (2018)8.62018 / 英国 美国 / 剧情 同性 音乐 传记 / 布莱恩·辛格 / 拉米·马雷克 本·哈迪 一、 电影《波西米亚狂想曲》：一部好看的平庸之作？

（一）起初，在办公楼里看到这部电影的海报：紫色的背景上，是一个留着小胡子的方脸型陌生男子的大半张脸，脸上还带着大大的太阳镜，遮住了眼睛和表情，英文标题是Bohemian Rhapsody, 第2个英文单词我都不认识，所以完全没有兴趣去看。

这是这张海报。

后来，有朋友向我推荐这部电影，才上网查了一下，发现是关于Queen（皇后）乐队的电影，男主演的是其主唱Freddie Mercury 。

皇后乐队？

好像听说过。

唱过什么歌？

不知道呀。

不知道没关系，问Google呀。

于是找到了他们1985年在Live Aid演唱会上表演的视频。

哇，歌好像还挺好听，其中只有We Will Rock You 和We Are the Champions肯定是听过，但不确定是不是别人翻唱的。

嗯，就是大方脸、龅牙、留着小胡子的主唱不怎么好看呦。

我还这样跟我的文艺范儿朋友说。

Freddie Mercury 本尊。

听过之后，一些歌曲的旋律，萦绕不去，于是去看了电影。

很好看。

非常感人。

然而，要是依影评的思路，去评价故事如何深刻，手法怎么新奇，有什么革命性的突破，却是一样都没有的。

故事基本就是平铺直叙，流水账一样讲皇后乐队（我觉得Queen应该翻译成女王，但就约定俗成叫吧）成员的相遇、成名，他们在Live Aid演唱会上的精彩表演是高潮也是结尾。

焦点无疑在主唱Freddie Mercury身上，讲他加入乐队、创作成名曲《波西米亚狂想曲》的过程，与乐队成员的友谊、冲突，与女友Mary Austin和男友Jim Hutton（是的，他既有女友又有男友）的爱情，以及成名后的迷失和回归。

对他接受自己是同性恋的心路历程，还有不幸染上艾滋病的事实，都有表现，然而没有深挖，这也是专业影评对此片诟病的一个主要原因。

（二）这样一部听起来平淡无奇的电影，为什么还好看呢？

为什么以5000多万美元的投资，能够全球票房狂收8亿多美元，成为有史以来票房最高的传记类电影？

为什么在专业影评给分很低的情况下，全球电影观众却打出了高分，并用实际行动（就是买票去电影院看，并且很多观众说看了不只一次）支持？

我觉得： 首先，主演埃及裔的美国演员Rami Malek简直是Freddie Mercury附体。

Rami Malek和Freddie外形其实不算像。

倒是演乐队其他三名成员的演员，与本尊长得很像。

然而，Rami Malek把Freddie的激情、自信、霸气、妩媚、癫狂、迷失、孤独表现得出神入化。

电影最先拍的镜头，反而是结尾处皇后乐队在Live Aid演唱会的表演，简直是神还原。

Bohemian Rhapsody, Radio Ga Ga, Hammer to Fall, Crazy Little Thing Called Love, We Will Rock You, We Are the Champions, 几首歌曲的表演，让观众看得热血沸腾，被Rami Malek演的Freddie的舞台魅力深深震撼。

Rami在采访中半开玩笑说，先从结尾的Live Aid拍，目的就是，如果这段他演不好，电影就不必拍下去了，5000万美元就省了，大家可以各自回家了。

结果他演得是真好。

这拍摄顺序，可能无意中有助于演员的表演，因为拍好了Live Aid的表演，想必Rami Malek和其他三位乐队成员的演员，就都找到了做摇滚明星的感觉。

因为在这部电影中的出色表演，Rami Malek已经获得了金球奖、美国演员工会奖（Screen Actors Guild）、还有英国的“奥斯卡“（BAFTA）三项重要电影奖项的最佳男主角奖，并且已被提名奥斯卡最佳男主。

除了主演之外，其他乐队三名成员的演员，甚至于其他配角，演得也非常出色。

Rami为演Freddie下了很大功夫，研究Freddie的演唱会，学习模仿他的口音、动作，学唱歌和弹钢琴。

在做好”功课“之外，表演的成功，更多的还是归因于Rami的灵性吧。

表演这种事，想必下功夫只是必要但不充分条件。

演好Freddie并不是模仿秀那么简单。

Rami的表演是有灵魂的。

电影中的Live Aid镜头。

神还原。

其次，电影讲故事的节奏很好。

两个小时的电影，充满了英式小幽默，笑点不断，就没有无聊的时候。

比如，最开始Freddie 毛遂自荐要成为Smile乐队的主唱，鼓手Roger Taylor说：“Not with these teeth！

“ 因为Freddie天生长着四颗让人无法忽视的大龅牙（演员Rami Malek全程戴着一副假牙出演），而Roger是学牙科的学生。

录Freddy创作的《波西米亚狂想曲》时，鼓手Roger负责唱一个词儿” galileo“很多遍，Freddie要求唱很高的音。

Roger一遍一遍越唱越高，说要再高点，就只有狗能听到了。

而且唱了好多遍才想起来问：“who is even this Galileo?” 还有，唱片公司老板不喜欢《波西米亚狂想曲》，其中一个原因是，这首歌长达6分钟，一般歌曲必须在3分钟之内，当时的电台才给播。

Freddie说：I pity your wife if you think 6 minutes is forever. 还有很多。

我这么讲，可能你听着没感觉，在电影里很好笑的。

不是那种靠夸张来搞笑，而是很轻松自然的。

这些台词已经成为喜爱这部电影的观众的”接头暗号“，就是我们所说的”梗“了。

还有，贯穿整个电影的、很多首皇后乐队的热门歌曲，配上表演场景，真是又好看又好听。

录制《波希米亚狂想曲》。

第三，这部电影确实没有去挖掘Freddie Mercury复杂的性格，没有去更多表现他混乱的私生活，没有拍成一部无所顾及的限制级电影。

仔细品味, 电影却有一个明显的主题：爱。

Freddie 对音乐、对生活的激情、热爱，他对Mary的爱和后来的信赖、友情，他与乐队成员之间如同家庭成员一样的关爱，彼此才华的碰撞，还有他和父母之间没有用言语去表达的亲情，非常自然地表现了出来。

观众就好像在旁观他的人生，分享他和其他乐队成员的悲喜，感受他们对音乐的热爱、彼此之间割舍不开的友情。

电影中的乐队小伙伴。

一部关于摇滚明星的电影，没有暗黑，没有激烈的冲突，却很有爱，简直有点小清新，确实听着有点不寻常。

也许这和这部电影最起初的创意有关。

2010年九月，乐队的吉他手Brian May开始计划拍一部关于皇后乐队的电影，中间因为创意分歧和其他意外，经过了很多波折，包括换演员和在最后阶段换导演，可以说这部电影是个多灾多难的项目。

Brian May 和Roger Taylor（鼓手）作为艺术顾问，参与了电影的拍摄工作。

Brian和Roger眼中的Freddie，并不是媒体笔下同一个人。

他是他们的可爱的、充满生活热情的、幽默温和的好朋友。

在Freddie于1991年11月24日，因艾滋病引起的肺炎去世后仅仅一周，Brian和Roger就为了澄清当时媒体对他的很不堪的不实报道，在悲伤中接受电视采访。

Roger在采访中说，我们必须要站出来为Freddie发声, 因为他再也不能为自己发声了。

这么多年后，已经有70岁的两个人，还是在一如既往地维护他们最好的朋友Freddie。

Freddie Mercury是很复杂一个天才，或许没有人真的了解他， 或许从另外的角度讲他的故事会更深刻。

然而，从爱的角度来诠释他的人生，也是一个精彩的角度，正如这部电影证明的一样。

第四，皇后乐队本身的故事就非常精彩。

我其实不确定这该是第四，还是根本就应该是第一点。

因为这部被不少评论称为“虽然好看，但很平庸”的电影，更像是一个媒介，由它引起了很多原先并不知道皇后乐队、或虽然知道却并不了解他们的电影观众对他们（尤其是Freddie Mercury）去了解的兴趣，并且随后深深地迷上了他们，爱上了他们的音乐。

比如，我就是其中一个。

Rami Malek在获金球奖之后，第一个反应是拥抱在场的Brian May和Roger Taylor，并且在获奖致辞中向Freddie Mercury致敬。

我想他很理解皇后乐队，也清楚影片成功的关键。

金球奖颁奖典礼上，Rami Malek与Brian May 和Roger Taylor。

二、皇后乐队：请君“入坑“ 我觉得， Freddie Mercury和乐队的其他三名成员（吉他手Brian May, 鼓手Roger Taylor, 和贝斯手John Deacon），简直就是美好人类的样本。

他们用自己的人生，展现给世人，全情投入地做自己爱做的事情，成为自己注定要成为的那个人，生命就能最大限度地绽放。

这个史上最有名的摇滚乐队之一（我对摇滚乐队总体缺乏了解，所以得加上“之一“），来自英国。

他们最活跃的时间是在1970年到80年代，所以很多年轻人并不了解他们。

不年轻的比如我也不了解。

他们好像是沉入海底的璀璨宝石，随着时光的流逝渐渐被人遗忘，借由这部电影而浮出水面，重现光芒。

（一）摇滚之神Freddie Mercury 很有意思的是，Freddie Mercury, 这个英国摇滚乐队的传奇主唱，其实是亚裔。

他1946年出生于当时被称为Zanzibar的坦桑尼亚，父母是波斯裔印度人，在印度长大，十多岁才随父母搬到英国。

他的家庭很保守，跟摇滚乐完全不沾边。

上天在分派天才的时候，显得颇为随意。

Freddie是公认的 “摇滚大神” (Rock God) 。

他声音清亮，音域宽广，可以随意自如地演唱不同风格的歌曲，并且具有非凡的创作才华。

他于1974年创作的Bohemian Rhapsody（就是和电影同名的歌曲），堪称神曲。

我怎么说也没法说出这首歌多好听、多特别，你需要自己去听。

然而，我还是忍不住说几句。

歌曲开始，仿佛喃喃自语 “Is this the real life? Is this just fantasy? …” 然后，有一段清丽的钢琴独奏，Freddy 很纯净的声音开唱“Mama, just killed a man/Put a gun against his head/Pulled my trigger, now he's dead…” 尤其是”Carry on, carry on, as if nothing really matters“这句，深情婉转。

接下来 “Mama, I don't want to die/Sometimes wish I'd never been born at all”，情绪激昂。

然后，有两段意外的歌剧唱段一样、歌词奇怪的“I see a little silhouetto of a man/Scaramouch, Scaramouch will you do the Fandango/Thunderbolt and lightning very very frightening me/Gallileo, Gallileo, Gallileo, Gallileo, Gallileo, figaro, magnifico”。

结尾仿佛一段歌剧演完，大幕徐徐落下之际，歌声渐渐终止于“Nothing really matters to me/Anyway the wind blows”，而听的人还恍恍惚惚，不知置身何处一样。

一首摇滚歌曲，长达6分钟，没有重复的副歌部分，融合了几种不同风格，妙不妙呀！

绝不绝呀！

看资料，这首歌推出后，取得了巨大的商业成功：连续九周登顶英国单曲排行榜，截止1976年1月在英国国内销售超过100万张，创下当时英国史上销售最高单曲纪录；在1991年Freddie去世后再次连续五周登顶，最终成为英国史上最畅销单曲第三 。

电影中表现了Freddie创作、还有以他能逼疯其他人的处女座的完美主义录制这首歌的过程。

除了罕见的才华和独特好声音之外，尽管龅牙（Freddie人称“龅牙叔”）、方脸，Freddie还是个超级美男子。

他是越看越好看。

尤其是眼睛，眼神里有热情和光彩，既霸气又妩媚，非常美。

Rami的眼神和他的很像。

他上大学是学艺术与设计的，品味极佳，可以hold住各种奇特的造型：穿亮闪闪的紧身连体裤；穿军装式样的制服；留着胡子穿上妖娆的女装；赤脚半裸仅仅穿一条紧身白运动短裤；披上斗篷，戴上道具皇冠；穿米老鼠图案的大T恤衫；穿简单的牛仔裤和白色背心，各种造型都好看，身材也很好。

他的演唱会现场，仅仅靠拿着一只带长柄的话筒，在舞台上走来走去唱歌，能把几千甚至几万名观众的情绪调动起来，全场大合唱，简直是神了！

最妙的地方在于，他的唱歌和台风，看起来毫不刻意，随随便便，任性而为，只能说人家就是天才呀!

以上是照片是各种风格的Freddie 。

当然，远远不是全部。

Freddie忠于自我，热爱生活和音乐，有不同寻常的巨大能量。

可以看到的信息是，在他确诊艾滋病之后，他没有消沉、自怨自怜，而是接受了现实，把剩下的有限时间，投入到工作中去。

在1991年3月录制的由他创作的I'm Going Slightly Mad的MTV里，他已经病得挺重，还是和乐队小伙伴还有一只企鹅（是的，活的真企鹅，还在他们坐的皮沙发上上了个厕所）一起搞怪，幽默风趣。

1991年5月，他穿着印着猫图案的马甲（他是个猫奴），为These Are the Days of Our Lives录制了他最后一个MTV，说完最后一句I Still Love You，Freddie 投向镜头饱含深情的目光，然后淡出画面，像是留给世人的遗言。

原本很健壮的他，此时瘦得形销骨立，明显不久于人世，但眼睛里还是有光，声音还是很有力量。

I’m Going Slightly Mad拍摄照片。

还是I’m Going Slightly Mad。

Freddie 与Roger。

或许这种级别的天才很难逃脱英年早逝的宿命，就是不许人间见白头。

1991年11月24日，他永远地离开了这个世界，年仅45岁。

这距离他向外界确认自己被确诊患有艾滋病只有一天时间。

猫奴Freddie穿着有猫咪图案的马甲，拍摄最后一只MTV，为歌曲These Are Days of Our Lives。

Freddie把他巨额遗产的大半，包括在伦敦的豪宅，留给了他一生挚爱的早年女友Mary Austin，并请她把他的骨灰洒在秘密的处所，永远不要告诉世人。

Freddie的音乐生涯，万众瞩目，然而他最希望能够长眠于安静之中。

他的男友（或者说是husband，虽然当时同性婚姻在英国不合法）Jim Hutton在他生命最后几年，一直守护在他身边。

据报道，Mary Austin仍住在Freddie留给她的房子里，至今遵守了保守秘密的诺言。

Jim Hutton 于2010年1月1日（61岁）因癌症去世。

他因为写了一本关于Freddie和他的私生活的书，被很多Freddie的乐迷非议。

Freddie和Mary。

Freddie和Jim。

如今，所有的是是非非，真真假假，扑簌迷离，没人能够说得清楚。

天才陨落，留下很多的影音资料， 还有传说。

有的人活着，可是已经死了；有的人死了，可是仍然活着—活在世人的心中，直到未知的永远。

Freddie的英年早逝，当然是个令人悲伤和惋惜的事。

但是，他的人生，并不是悲剧。

他非常投入地活过、爱过，做了自己爱做的事，完成上天交给的使命，燃烧自己的全部，绽放出生命灿烂的烟火。

宛如金风玉露，胜过人间无数。

Freddie在瑞士蒙特勒湖边的雕像。

乐队在这里有录音室，经常去工作。

Freddie很享受这里的宁静。

照片来自网络。

（二) 一起摇滚 Freddie无疑是皇后乐队最耀眼的成员。

但其他三位成员也是难得的天才。

如同电影中说的那样，他们都是传奇。

吉他手Brian May博士: 乐队的吉他手Brian May，生于1947年，巨蟹座。

Brian是个一流的吉他手，年轻的时候是个古典型美男，现在依然留着摇滚范儿的银白长卷发（这个年纪头发还那么多的英国男人，简直是个奇迹，老天偏心啊），是个帅气、有型大叔。

在采访里，Brian说话总是轻声细语，彬彬有礼，非常有条理，大概他是乐队最理性的成员。

他大学是伦敦帝国学院(Imperial College London) 学物理和数学的。

顺便提一下，皇后乐队是个全部由高学历成员组成的乐队，既有才华又有头脑。

他于1970到1974年期间在读物理学（天文物理方向）博士，业余时间弹弹吉他，搞搞乐队。

因为皇后乐队在1974年取得了很大成功，他中止了学业，全心投入音乐领域。

直到2006的10月, 他重新继续了他的学业， 并在2007年9月，取得了天文物理学博士学位。

所以，吉他手也是天文物理学家Dr. Brian May。

古典型男Brian May。

吉他大神。

Brian自己唱歌也很好听，要是在一般的乐队，完全可以做主唱的。

他在Freddie去世后的明星致敬演唱会上，边弹钢琴（是的，不是吉他，是钢琴！

），边唱他自己写的Too Much Love Will Kill You，声音干净、舒缓，语调凄凉、忧伤，真的能把人听哭了。

加上帅气的脸、忧郁的眼神、飘飘的长发，绝对是枚大大的耀眼男神。

除了依然活跃在乐坛，与Roger Taylor和Adam Lambert （主唱）组成Queen and Adam Lambert乐队，巡回演出之外, Brian May博士还与人一起著书、进行科学项目、关注动物保护、玩儿自拍、陪老婆演出（他的第二任妻子Anita是挺有名的英国舞台剧演员），是个非常有活力的跨界大叔。

Brian和他的妻子近照。

天使鼓手Roger Taylor: 乐队的鼓手Roger Taylor，生于1949年，狮子座。

Roger是个顶级鼓手，唱歌也很好，是那种有些沙哑的重金属气质嗓音，很有特色，唱起高音假声来很厉害。

Freddie唱歌的时候，Roger经常一边打鼓，一边做高音假声伴唱，或者直接唱某些部分。

在Somebody to Love这首歌里，有一段他打鼓的Solo，真是非常强有力的节奏感，听得人热血沸腾了。

他自己组过乐队Cross，做吉他手（是的，这次是吉他手，不是鼓手了！

）和主唱，而且取得了很不错的成绩。

打鼓的Roger。

Roger年轻的时候一头柔软的金长卷发，大大的蓝眼睛，身形苗条，表情无辜，漂亮得如同古典油画里的小天使一样。

在打鼓、唱歌的时候，又很狂野奔放，形象非常迷人。

巧合的是，电影里演他的Ben Hardy, 也在电影《X战警：天启》里演过天使。

不是我一个人说他像天使，网上的英文资料很多处评价他有天使一样的baby face。

像不像古典油画里的小天使？

这枚落入凡间的天使并不只是有漂亮的脸。

Roger是医学院学牙科的，后来转学生物。

电影里也有拿他的牙科学生背景开玩笑。

如果没有成为摇滚明星，他可能就成为帅牙医或药剂师之类的了。

虽然是个美男， Roger却不是扮酷那一类型，而是经常搞怪，尤其是和Freddie一起。

从留下来的很多视频看，他和Freddie好像是最爱玩闹的两个，像小孩子一样，一起做怪动作，飙高音，兴高采烈地穿女装拍MTV。

在歌曲“I Want to Break Free” 的MTV里，Roger的女装样子，被称为是比大多数女孩都漂亮，还获得了一个女性化的昵称Rogerina。

年纪大了之后的Roger，身形不再纤细，留起胡子，头发剪短，须发皆白，很像圣诞老人。

有一首他自己创作并且主唱的歌曲Journey’ s End, 很好听，也很伤感。

在这首歌的MTV里，是现在优雅老去的Roger, 依然帅气，却深沉了，眼睛里有很多故事，跟年轻时轻松搞怪的漂亮Roger反差很大。

不禁感慨，舞榭歌台，风流总被雨打风吹去呀！

当然，已经70岁的他现在状态很好，仍然热爱音乐，经常参加演出，很有活力。

假装雕像。

和妻子近照。

安静的天才贝斯手John Deacon: 乐队的贝斯手John Deacon, 是最年轻的一个，生于1951年，也是狮子座。

所以他们四个人一个处女座，一个巨蟹座，两个狮子座，Freddie自己设计的乐队标志有这三个星座的图案。

John是后加入乐队的。

乐队在面试了6个贝斯手后，发现了John。

Roger在采访里说，他们面试过的贝斯手里，不是贝斯弹得很好但性格与其他成员不合，就是性格很好，但是弹得不好，直到发现 “that“（手指着旁边的John）, John就在边上腼腆地笑着，被夸得很开心的样子。

青葱时代的John Deacon。

John也是个帅哥，很斯文的那种，不像摇滚明星，倒像个学者。

他是乐队里内向的一个，不怎么说话，总是笑。

他写的歌Another One Bites the Dust获得了一个奖项，他谦虚地说，从来没想到会得奖，并且深深地鞠躬致谢，真是太绅士了。

在接受采访的时候，其他的乐队成员，经常鼓励他多说话。

然而，据说John要是偶尔开起玩笑，能把人乐得受不了。

John Deacon有个可爱的外号叫” Disco Deaky”，因为他在舞台上经常边演奏贝斯，边跳来跳去，写的歌还是挺Disco风的那种。

John是学电子工程的，在乐队排练的间隙，还偷空去考了个试，获得了学位。

他用自己的电子工程学知识，和科学家Brian一起设计了一种音乐设备，据说很厉害。

学理科的摇滚明星，一不小心就搞个小发明什么的，真是不服不行。

John于1975年结婚，与同一个妻子一直生活在一起，有六个子女。

在Freddie去世后，他已经淡出公众视野多年。

Disco Deaky。

摇滚小伙伴的友谊： 这四个伙伴，可以算是相识于微时。

Freddie和Roger在1960年代，曾是室友，还一起在伦敦的Kensington 市场合伙开过一个卖艺术品和古董服装的摊位，赚钱维生。

在采访视频里，Freddie 开玩笑说，他们可以把任何东西卖给任何人。

而Brian 曾说他俩都不知道从哪儿淘来的垃圾货来卖。

真朋友啊，嘿嘿！

而Roger 和Brian一起最开始是乐队Smile的成员。

在Smile的主唱离开之后，Freddy于1970年加入成为新主唱，并将乐队的名字改成更高调的Queen。

贝斯手John Deacon于1971年加入乐队。

他们四个人性格各异，却能互相激发出各自最大的潜能，可以说是难得的最佳组合。

摇滚青年的花样年华。

他们每个人都不仅是歌星或乐器演奏家，还是词曲创作者，都写出过多首大热歌曲。

比如Freddie创作出Bohemian Rhapsody, Love of My Life（献给女友Mary Austin的）, Crazy Little Thing Called Love, Killer Queen, We Are the Champions, Don’t Stop Me Now, I Was Born to Love You; Roger创作出的Radio Ga Ga（非常好听，也非常热门，Lady Gaga因为喜欢这首歌而给自己起了这个艺名），I Am In Love With My Car（这首歌在皇后乐队的专辑里，是Roger自己唱的，Freddie没有唱过），These Are the Days of Our Lives; Brian May的We Will Rock You, Too Much Love Will Kill You, the Show Must Go On, I Want It All, Hammer to Fall (全部非常好听); John Deacon的Another One Bites the Dust （安静的John写的这首歌非常不安静，动感十足，是大热歌曲）, I Want to Break Free （again, 非常不安静的歌）, You Are My Best Friend, Spread Your Wings and Fly。

他们的大部分歌（我还没听过他们所有的歌，所以说“大部分“）都非常好听，风格多变，听不厌。

他们为歌曲拍的MTV, 过了这么多年，现在来看，还是很有创意。

这么多面的才华，应该很稀有吧！

All I Hear Is Radio Ga Ga. 与电影中为制造冲突，虚构的乐队曾经解体不同，自从1970年成立，现实中皇后乐队的成员虽然都有单独出过专辑、与别人组过乐队演出，但从来没有解体过。

1985年的Live Aid演出前，他们刚刚一起完成了一次巡演，并不是像电影里讲的那样, Freddie单飞后迷途知返， 请求其他成员原谅，重新组合参加的演出。

在他们一起演出、创作、接受采访、开传说中的狂野party的生涯里， 他们以及他们的家人、亲近的朋友一起，留下了很多影像资料。

他们在其中的互动，看起来总是很有爱，经常互相开玩笑、恶作剧、搞怪，每个人看起来都是很率真可爱的人。

他们也说，有时候因为工作，也会吵得不可开交，但最后还是谁都离不开谁，觉得在一起才是最好的。

一起来搞怪。

Freddie的去世，改变了很多事情。

John Deacon在与Roger 和Brian在1997年完成了最后一张Freddy遗作的专辑之后，完全退出了乐坛，也从公众的视线中销声匿迹，他也完全没有参与这部电影的制作。

据说，他一直不能从Freddie去世的打击中走出来，认为没有Freddie 的皇后乐队再无法和从前一样，也希望有更多时间陪伴自己的家人，于是选择了全面隐退。

Brian May 和Roger Taylor则选择继续，因为 “the show must go on” （皇后乐队一首歌的名字）。

他们继续以皇后乐队的名义演出，继续推广和维护皇后乐队和Freddy留给世人的艺术遗产， 包括促成了这部电影的产生。

他们的选择，都可以理解。

查了一下，现年72岁的 Brian 和70岁的Roger, 在2019年下半年在美国有很多场演出。

多希望他们会来亚州演出，我一定买票去看传奇。

Freddie去世后，在向他致敬的音乐会上，三位成员与参加演出的Elton John合影。

Brian、Roger与Freddie的母亲合影。

已经相识约50年的Brian和Roger，继续rock you！

如果你有耐心看完了上面的内容，你同不同意我的看法：“皇后乐队是个掉进去就出不来的‘大坑’”呢？

“ 如果你敢于冒险， 那么，咱们”坑“里见！

Bye-bye!（完）


1《波西米亚狂想曲》，不够狂，也不够幻想。

不客气地说，影片就像是有关皇后乐队的影像版维基百科，全面而笼统，处处浅尝辄止。

它能够提供的是人物简介和生平事迹，并运用简单的时间线和因果链穿起人物命运，却无法提供更深度、更复杂的解读空间。

其实我能体会导演的难处，他的面前站着两群人：影迷和乐迷。

他可以选择像鲍勃·迪伦的传记片《我不在场》那样，拍一个纯电影化的作品。

不复刻经典瞬间，也不制造回忆杀，而是试图走进一个传奇人物的内心世界，最终看见芸芸众生的普世烦恼。

也可以像迈克尔·杰克逊的纪录片《就是这样》，做个完全粉丝向的作品，诉诸于真实再现和屏幕前的狂热，以及最终的煽情时刻和完美落幕。

但是很显然，导演想要得更多。

他想同时抓住乐迷和影迷，让他们在同一部影片中各取所需。

这个想法当然不错，可问题在于，他忽略了这两个群体的需求实际有着天然的矛盾。

乐迷要的是朝圣般的体验，是在影像中看见偶像精神的复活。

而影迷要的是真实可信的人物，哪怕是传奇巨星，也无法豁免于人性的幽暗。

这两者就像是一道“是非题”的两端，鲜有中间地带。

而《波西米亚狂想曲》却试图找出第三种答案。

这样的寻找当然是很无力的。

转化为影片中的尴尬就是，导演每每有深入人物内心的企图，却又因为束手束脚而显得局促。

他只有小心翼翼地收起锋芒，对所有可能失控的指摘都点到为止。

比如主唱弗莱迪这个人物的复杂性。

他是个同性恋者，生在传统的宗教家庭，又是移民伦敦的少数族裔。

他在很长时间都无法接纳自己的性向，甚至一度结婚、离婚。

再比如弗莱迪与乐队成员的决裂。

在皇后乐队如日中天之时，弗莱迪选择单飞，很不成功，于是终日沉湎于性爱和毒品。

这两处堪称人物的至暗时刻，极为珍贵。

拍一个无懈可击的人物有什么意思？

传记片要捕捉的就是光环表面的裂缝，那才是真正走进人物内心的机会。

可是影片对此的态度，却显得极为保守，甚至有些想当然。

先是引出父权和宗教的压力，让它们成为笼罩在弗莱迪头顶的第一片乌云。

随后把弗莱迪对妻子玛丽的情感，由起初的懵懂之爱，到坦然出柜，再到后来如“缪斯女神”般的眷恋，完全规避掉了任何可能的道德瑕疵。

至于弗莱迪与乐队的决裂，则干脆把责任全都推在“男宠”保罗的身上，底层逻辑其实与“红颜祸水，女人误国”无异。

如此近乎于“甩锅”的做法，使得弗莱迪这个舞台上的王者，成了生活中彻底的无辜者。

而无辜者的另一个别称，是局外人。

于是我们渴望看到的那个舞台之外真实的弗莱迪，却被“生活局外人”的处境重新逼回了舞台，以至于走近他的所有努力，最终全部落空。

这种尴尬的处境，也反映在影片的剧情脉络上。

前面110分钟，导演以好莱坞经典叙事进入一个前卫人物的内心世界，却不可避免地使得人物的先锋性被很大程度平庸化了。

而后面20分钟，影片以极高的还原度重现了皇后乐队在85年Live Aid上的精彩演出，才像是历尽千帆后，终于寻回了人物的灵魂。

这就是《波西米亚狂想曲》的真实写照，它的好都在舞台和排练室里，而对于人物的生活和内心却始终无力观照。

2一部好的传记片，到底要看什么呢？

我想起2016年的电影《飞鹰艾迪》，也是《波西米亚狂想曲》导演德克斯特·弗莱彻的前作。

与《波西》不同，《飞鹰》的主人公艾迪是个彻底的“失败者”，当然这个失败是世俗意义上的失败。

艾迪患有腿疾，却是个天生的梦想家，他很小就立誓要参加奥运会，后来历经常人难以想象的努力，竟然真的参加了1988年冬奥会的高台滑雪项目。

可最终的结果没有奇迹，艾迪排名垫底，以远远落后于其他选手的成绩获得最后一名。

就在艾迪完成最后一跳之前，他在电梯间与世界冠军马蒂相遇。

马蒂说，“你知道吗？

你跳得很烂。

”艾迪不知怎么回答。

马蒂接着说，“不不不，你误会了我的意思。

我是说你之前有过更好的表现。

”实际上，艾迪这次跳了60.5米，比他的最好成绩只少了0.5米，而马蒂刚刚跳出了114.5米。

马蒂接下来的话格外动人，“其实名次啊，输赢啊，这些不过是渺小的人们在乎的游戏。

记住，你的滑道上没有我，我的滑道上也没有你，我们这样的人从来都不是为冠军而起跳的，我们为的是释放灵魂，感受飞翔。

”听到这段话，相信你能瞬间明白一部传记片的意义。

看一部传记片，就是看“特殊”如何走向“一般”。

是从一个刁钻的切口进入，最后走向广阔世界，走向芸芸众生。

尽管屏幕上的人物是传奇巨星、旷世奇才或奇葩loser，但最终在这个特殊的生命身上，我们却看到了更普世的困境和与之反抗的精神。

再比如《艾德·伍德》，讲好莱坞烂片之王艾德·伍德的传奇经历。

他一生拍了无数烂片，一败再败，却从未停止追梦。

这个堂吉诃德式的人物，实在无法提供给我们任何可供借鉴的成功经验。

整个观影过程，也像是看一个中二的奇葩如何一次又一次狼狈亮相并承受观众的臭鸡蛋。

直到影片最后，艾德在一家酒馆偶遇了奥逊·威尔斯。

从谈话中我们恍然明白，原来天才也好，蠢材也好，面临的困难是相似的。

他们同样苦恼于灵感和资金的匮乏，以及蛮横制片的无理要求。

哪怕天才如奥逊·威尔斯，电影同样要从第一个镜头艰难的起步。

最后艾德问道，“你觉得这一切值得吗？

”奥逊·威尔斯回答：“只要电影开拍了，就值得了。

”这场烂片之王和影史最伟大导演之间的对话，为我们拉开了一个时空，把世间一切的追梦人都囊括其中。

它也让我们从一个奇葩身上，看见了自己，看见了那些自以为独特的困境，不过是每个人都在经历的寻常。

于是特殊就此走向了一般。

于是那一次次失败，成了比成功本身还要迷人的“追梦”本质。

这是身为影迷的我，最希望看到的那种传记片。

我当然也乐见于传奇的上演，但那只是开胃菜，不是目的地，我更想绕到传奇的后台去看看。

或者说一个人之所以成为传奇，不是因为他站上舞台的一刻，而是因为他在寻常困境中爆发出的超越常人的能量。

这才是真正的“励志”。

一个天才，理所当然地成功了，我们会为他喝彩。

一个loser，毫无悬念地失败了，但他付出的所有，却构成了一个真正可以挑战世俗“成功”概念的励志榜样。

从这个意义上讲，他也成功了，而且注定更动人。

《波西米亚狂想曲》今天开始在内地上映，在观影前，首先需要知道两条信息。

首先，请务必选择IMAX或杜比等音效更好的放映厅观影。

因为这是一部音乐传记电影。

第二，本片需要看到最后一秒结束，请不要在人物画面结束后就离席，那样你将错过最后一首歌。

最后一首歌名为《The Show Must Go On》，是Freddie在人生最后阶段录制的，这首歌作为单曲发行后的40天，Freddie离世。

歌词中描写一位表演者面对死亡豪情万丈，笑看生死，因此，也经常被认为代表了Freddie当时看待死亡的态度。

作为本片结尾，是最适合不过的Ending。

做好这两点准备后 ，就可以开始尽情欣赏这部电影了。

传记电影并不是纪录片，因此电影中的部分事件并未按照真实发生时间排序，而是根据剧本效果的要求打乱，形成一个相对完整的故事。

影片中一些情节和真实故事也有出入，但电影的呈现获得了QUEEN成员和影片中其他原型人物的认可。

也许有人看出电影后会发出疑问：这到底是主唱Freddie的传记片，还是QUEEN的传记片？

不用怀疑，这部电影就是以Freddie为主，乐队成员都希望以这种充满爱意的方式来纪念Freddie。

QUEEN的档案保管员Greg Brooks、QUEEN成员Brian May和Roger Taylor、Freddie的前女友Mary Austin等最熟悉QUEEN和Freddie的人，全程保驾护航，为这部电影还原QUEEN和Freddie的历程提供了大量帮助。

电影名来源于QUEEN于1975年发行的同名歌曲，这首歌在欧美广为人知，虽然繁复，但传唱极广。

电影从2010年开始计划到拍摄完成，历时8年，中间一波三折，最终克服种种困难才得以完成。

在正式拍摄剩余不足三周的时候，导演布莱恩•辛格因疏忽职务被终止导演工作，随后由德克斯特•弗莱彻接任导演一职。

但辛格仍为本片的记名导演，弗莱彻则是执行制片人。

片中Freddie的清唱部分由加拿大歌手Marc Martel演唱，他被认为是现在模唱Freddie最像的歌手。

其他大部分演唱片段是Freddie原声，还有一些他生前未唱过的片段则由Rami、Marc和Freddie的声音合成。

Rami为演好Freddie做了相当多的努力，他和肢体教练一起去研究Freddie所有细小的动作习惯，舞台风采。

他还有口音教练，学习唱歌和钢琴教程。

他在所有的时刻都在练习Freddie的动作，也在研究Freddie本人的内心世界。

要演好Freddie是极难的，他是全世界范围内知名的音乐人，风格鲜明，在舞台下害羞内向，在舞台上奔放热烈，内心世界丰富敏感而饱含热情，加之所处的时代距离我们不遥远，现在的观众对他并不陌生，因此如果Rami的演出有不恰当甚至细微的不合适，都会被观众指出来。

所幸Rami做到了。

他也因此成为了第一个获得奥斯卡最佳男主角奖项的阿拉伯裔演员。

对了，他和饰演Mary Austin的Lucy Boynton也因戏结缘，成为情侣。

饰演Brian May、Roger Taylor和John Deacon的三位演员，Gwilym Lee、Ben Hardy、Joseph Mazzello，也同样付出了巨大的努力。

他们全部在Brian May、Roger Taylor的指导和帮助下自己练习全部演奏部分，剧组为他们准备了手替，但是所有人都没有用，而是自己完成表演。

最后的LIVE AID部分是整部电影最精华的部分。

这是一场现代技术和演员表演带来的完美复刻，堪称史诗级再现。

剧组前期做了充分的准备工作，为了精准再现这场盛事，制作团队把整个舞台复制出来，带到邻近一个机场，搭建团队就是当年的原班人马。

观众由100个群演组成，以技术手段扫描复制，制作出了几万人的大场面，里面的服装和道具则由乐队成员提供或者通过记忆让剧组复制出来。

整场live包括《波西米亚狂想曲》《Radio GaGa》《Hammer To Fall》《Crazy Little Thing Called Love》《We Will Rock You》和《We Are The Champion》，但正式上映时《CLTCL》和《WWRY》被剪去，因此公映版本只有四首歌。

油管上有好几个当年录像和电影的side by side同步比较视频，可以直观的看到这场Live的神级还原水准——无论是演员表演，还是道具再现，观众反应，都细致入微。

而现代技术还为这场Live补充上了全方位的镜头拍摄和无与伦比的震撼音效。

Live Aid这场演出对于QUEEN来说意义非凡。

当时乐队遇到一些小困难，Freddie的嗓子状态也不好，医生建议他不要上台。

他们也是最后才确认参加Live Aid慈善演唱会的乐队，彼时票已经卖光，也就是说现场没有特意冲着QUEEN来的粉丝。

但是他们以一场神级发挥的live征服了所有人，天时地利人和，使这场live在摇滚史上名留青史，也成为QUEEN的粉丝最为津津乐道的现场。

Live中那段万人互动赫赫有名。

也因这场Live，电影上映一段时间后在部分地区曾有“欢唱版”上映，让观众可以在电影院体验演唱会大合唱的效果。

复刻到底有多牛逼，进了电影院亲自体验一回就知道，那是任何家用设备都无法超越的震撼效果。

对许多只能遥望那个时代的年轻歌迷来说，知道自己此生不会有机会看一次四人QUEEN的现场，因此这部电影的最后二十分钟，能在大银幕上看到这样的Live Aid，算是了了一个心愿。

在Live Aid的部分结束后，影片紧接着播放了QUEEN的《Don't Stop Me Now》，代表了影片虽然在Live Aid戛然而止，但QUEEN没有停止自己的脚步，他们依然全速向前，而后接上的《The Show Must Go On》，如上所说，既是最好的结语，也是永不停步的勇气。

QUEEN的歌曲影响范围太广，随便列举几个事例：《We Will Rock You》和《We Are The Champion》大家都知道了，是著名的体育赛事专用歌曲；Lady GaGa的名字来源于《Radio GaGa》；宇多田光第一次大型巡回演唱取名为BOHEMIAN SUMMER 2000，是受到《波西米亚狂想曲》影响；席琳迪翁2008年的世界巡回演唱Taking Chances Tour每场固定演唱《The Show Must Go On》向Queen致敬；林志炫曾在《歌手》中翻唱了《Somebody to love》，翻唱也是神作；詹一美曾说希望自己的葬礼上放《Don't Stop Me Now》；影视作品里用到QUEEN歌曲的也很多：《Love of my life》曾被台版《流星花园》用作插曲；木村拓哉主演的日剧《Pride》以《I Was Born to Love You》作为主题曲。

……太多了。

有相当多的音乐人参与了本片的宣传。

有的完全是自发组织。

很多人都是QUEEN的粉丝。

电影本身就和QUEEN的经历一样励志。

上映前没有人知道它会成为史上最卖座的音乐传记电影，与评论界的反映不同，票房一路逆袭，观众口碑爆棚，在颁奖季也大放异彩，斩获金球奖剧情类最佳电影和最佳男主角，奥斯卡喜提4座小金人，不包含马上要在中国大陆上映的票房，本片的全球票房已经超过8.7亿美元，是2018年全球票房第6位，连连创下记录。

而它最大的海外票仓，就在东亚。

在韩国上映时一再逆行，第四周逆袭登顶，第七周又登顶，观影人次近千万，在日本更是2018票房年榜第一，突破百亿日元大关。

去年11月在香港看时，本以为因其中的LGBT元素大陆无缘上映，但最终还是得以引进。

引进的消息确定之后，最受关注的就是删减问题。

大陆公映版本大概删减了4分钟左右，主要都是LGBT相关的内容。

具体已经有看过点映的博主整理完毕。

关于这个问题，我想说几句。

本片原本上映版本134分钟，定级PG13，12岁以上皆可观看。

影片当中对于Freddie同性恋身份和经历的描写部分已经被一些评论家批评“不够触及”“有意识脱离”，说白了就是对于他认同自己的性向后的感情生活和性经历处理得太隐晦。

其实它没有什么限制级的地方，对于“性”这个部分描绘得非常隐晦。

乐队成员也不希望着重去描绘Freddie的隐私生活，电影中LGBT的部分其实是为了呈现Freddie的迷惘与痛苦，是为了帮助观众去触摸他的内心。

换句话说，是为了塑造人物。

原本乐队成员就希望它是一部PG级电影。

大陆公映版本删减这件事，使这部电影的LGBT元素在这里被放大讨论了。

电影的聚焦点是音乐以及乐队和Freddie的经历，因此无法、也没有想要绕开Freddie的性向这个点。

不谈论这点就无法理解Freddie。

对于这部分的剪辑会引发一些无法避免的问题，比如，人物情感被粗暴对待，情绪无法串联，情节被强行割裂。

坦白说，这是一件非常矛盾的事，任何电影（不包含LGBT题材）在国内上映时做出的删减都不会比这部电影来的无法承受，直接影响了影片主角的核心。

但这部电影的聚焦点和最值得观看的部分又确实是自我认同和音乐。

尽管删减了，但这部电影依然值得去电影院体验。

理由有很多，最直接的一条就是我上面说过的最后那20分钟Live AID。

这部分实在没法用家庭设备电脑音箱或者最贵的耳机替代。

而我也由衷地希望能有更多的人通过这部电影了解QUEEN和他们的音乐，那是世界上最美好的东西之一。

因此，我不同意任何“抵制去电影院看删减版”这种看法。

我认为这部电影的意义就是呈现音乐的魔力、QUEEN的魔力、Freddie的魔力。

电影做到了，做得很好。