局部第一季

🌟第七期－绘画的放纵🌟上海的晴天很美，这座城市的雨季多过晴天，从树影中筛出鲜活的光芒，罩住熙熙攘攘的万物。

这样的季节会想到莫奈的《日出.印象》，对于和笔者一样喜爱在户外流连的画家们，他们尽情捕捉良辰美景，若他抓住了那六点钟一瞬的景致，想象着他们提起绘画工具心满意足，也许还哼着欢快的小曲离去。

原创|小孙字典没输字回家路上，八九点的太阳又是另一番景象，画家的笔触凭着拼时间、感觉、才华、阅历和状态开始获得足够的温暖，才会在画布盛放生命的一柱光，后世的一段传奇。

我们能在画布中看到颜料、笔触、涂抹、不断覆盖，这些媒材是把画家的生活活成一场艺术盛宴，目睹着画作许久后它也成全了我们生活的日新月异。

原创|小孙字典没输字再到后来，野兽派的崛起让印象派总存在不适感，从毕加索拆散绘画的角落，各取一端，就有了立体派，也影响到了后来的抽象画。

他们的绘画更加尊重自己的初心，于是作品开始有了生命力，在印象派与野兽派之间，莫奈阅读日出，发现了艺术的日出，毕加索阅读灵感，发现了艺术的潜意识秘密，在印象派与野兽派之间，我们欢迎各种欣赏绘画的观众。

原创|小孙字典没输字毕加索认为，画作配上框子之后就死去了。

画家对画作绞尽脑汁的反复琢磨，在绘画中尽情放纵，这种生命力让它能继续依靠画家决定。

笔者认为观众在欣赏画作的时候，它也以另一种形式活着，带我们领略旧时光的外面风光，满足我们对世界无尽的探索欲，粉碎隔开我们与世界的这道屏障。

🌟第八期 —非正式魅力🌟疫情持续许久，这样膨胀的消息里，看着陈丹青先生交流绘画心得，至少艺术成了生活的冥想点，于是聆听音乐、阅读书籍、了解陈丹青先生讲述的艺术，让碎片生活变得更加连贯起来，不再是飘荡在时间与空间之中。

原创|小孙字典没输字在陈丹青先生的轻柔细语下，那种充满着旧事的胶片质感镜头浮现，在他的语言中勾勒出不一样的文人墨客作画，惬意山水与西方油画相映成趣，更加感受到历代文人墨客的洒脱又极具儒雅韵味，笔尖倾诉在纸张上是行云流水的意境，想必他们是酣畅淋漓地挥笔，真是逸笔草草，尽其妙也。

他们在作画中追求绘画中的一切皆是虚幻的，切莫把绘画当真，画这幅画的心情比较重要，无所谓是否画完。

原创|小孙字典没输字关于对书法的了解，陈先生言简意赅地指出“碑不如告，告不如书”，意思是石刻的碑文不如墨写的文件，墨写的文件却不如私信的草稿。

这也说明在非正式场合的表达往往体现出艺术的魅力，书法离不开随笔而写的一种自在随性的心境，这就是书法的最高境界。

原创|小孙字典没输字只是今人多少是爱怀古的，可是看到至此唯有拙见的笔者不禁有了疑惑，难道只有不断歌颂曾经的艺术成就来一场心灵的文艺复兴，而不去探索与鼓励今人的文字、音乐与绘画等艺术形式继续发扬，笔者惟愿不薄今人爱古人。

🌸第九期 —瓦拉东母子🌟印象派进入了转折时期，陆续出现了毕加索、勃拉克和马蒂斯等人，随着民众对画家更加有包容性后，这时候冒出了“巴黎画派”，那里出现了一位女性画家苏珊.瓦拉东。

原创|小孙字典没输字这次介绍瓦拉东的事迹令人感到十九世纪的巴黎真是一个美妙而奇异的地方，她做过很多工作，服务员、杂技马术演员、洗衣工、模特等工作，在做模特工作期间，她也一直观察这些画家是如何处理工作，仔细聆听他们对艺术的看法。

在与他们交流的时候，使她更加无法压抑自己对美的感知，或许这种美也来自于她的身心被痛苦折磨后从混乱的巴黎社会中创造出来的。

原创|小孙字典没输字瓦拉东无意作画得到了德加的认可与鼓励，她就开始继续作画。

她的绘画方式没有像男性目光审视洛丽塔的生命之光、欲念之火，而是出于女性对其他美丽女性的身体投去了欣赏的态度，因此呈现出一种顽强向上的生命力。

她笔下的女性也没有那种甜美、丰腴、高贵和性感的风格，而是充满着野性的味道。

原创|小孙字典没输字瓦拉东曾经是社会边缘人物，她凭借着纯粹强健的生命力，野心勃勃、热烈奔放的心灵使她更加强健，顺着艺术的道路，熟悉自己的研究对象，沿着自己的轨迹安宁地前进，最终演奏了属于自己的命运节奏。

在视频泛滥的时代，想把艺术欣赏节目做出新意，已经不容易了。

很多名作，由于被过多拍摄和过度传播，已经令人产生视觉疲倦。

为了吸引观众，制作者不得不绞尽脑汁，或者杜撰花边奇闻，或者邀请当红演员助阵，以期制造耸动的效果。

这部《局部》却反其道而行之，删繁就简，一人一椅，面对镜头，不紧不慢，絮叨那些打动过他的画或雕塑。

镜头里的那个人，是陈丹青。

2004年，陈丹青因不满国内的美术教育招生制度愤而从清华美院辞职后，逐渐疏离公共媒体。

近年，他偶尔出现在窦文涛主持的《锵锵三人行》上，不料，去年，这档火爆的脱口秀节目也莫名停播了。

最近，看一篇微信介绍《局部》，说第2季有望今年年末播出，我才知道《局部》2015年出过第1季。

陈丹青是个画家，也是一个很会讲故事的人。

如果有一个这样的人做你的老师，你大概不会希望下课铃声响起吧。

陈丹青很喜欢梵高，连续在好几集里讲梵高，他说看到梵高早期学画时期的素描，心里想：“他妈的，这才是真正的绘画！

”而看很多美院考生的素描，他的感觉是：“看得我都想死”。

我搭同事Y的车，在回家的路上，给她讲这一段。

Y听得大笑，说：“为什么？

”我说：这就是问题所在，一个好老师很厉害的地方就在于能引发你的思考。

恰好我也很喜欢梵高，要我看，梵高的画自带动感，画中的一切都有一种呼之欲出的生命力。

照陈丹青的说法，梵高是个很憨的疯子，他笔下的人物都憨憨的，大巧若拙。

陈丹青展示了一幅梵高初学画时的作品，一个没有五官的渔夫，他讲了很久，也没讲清楚这幅画好在哪儿，他只是反复说就是喜欢这幅画。

说到底，一幅画是无法用语言完全描述出来的，语言和画的交集总是有限度。

陈丹青走过世界上很多地方，到过很多美术馆和博物馆，看过很多画家的原作，他讲他和这些作品相遇时的场景和感受。

看到《巴齐耶的画室》，他想到自己的年少岁月，最初特别想有一个画室，等到真的有一个画室，一帮朋友整日在画室里混，简直就是画中的样子。

巴齐耶画出了他内心的幸福时光。

他感叹自己度过那样的日子，却从没想过要画一幅这样的画。

女性如何看待女性的身体？

男性又如何看待男性的身体？

瓦拉东，是那个时代少有的女画家，她画中的女性裸体，更像自己的家人和朋友，在很私密的闺房中，在生活化的场景里。

而巴齐耶，在那个对同性交往讳莫如深的时代，画笔下的男性裸体，看起来是那么的健康和自然。

观众喜欢陈丹青的讲解，说他视角独特，我倒觉得他在做一件回归常识的事，他让人们意识到一个事实：只要你是一个活着的人，只要你有感情，有一双眼睛，就可以去欣赏那些陈列在博物馆的艺术品。

而有很多专家，实在是把艺术欣赏弄得太复杂了。

《局部》第1季第1集，讲的是《千里江山图》，我看过一篇文章，作者在这幅画上做了非常详细的标注，说明哪个部分代表祖国的哪座山、哪座关隘。

我看了，倒吸一口凉气，觉得自己是个不配看这幅画的白痴，我真的看不出来，一幅抽象的青绿山水画，怎么就能代表具体的地址呢？

陈丹青的讲解就不那么吓人。

他说，这幅画的气魄很大，把每一部分放大，局部也能自成一景，处处好看。

他还特别提到这幅画的作者王希孟只有18岁，唯有年轻人才能对这个世界有着这么大的好奇，才能有这么大的胆量和自信，画出如此大气又精细的作品。

陈丹青说，他做这个节目完全是想到哪里讲到哪里，一集讲完就不知道下一集该讲什么。

但，他手里也是拿讲稿的，而且这个讲稿还被整理出版了，书名是《陌生的经验 陈丹青艺术讲稿》。

所以，有理由相信，他的讲解也并非完全随意，他也是做了一些功课的。

我注意到，陈丹青在讲解一个艺术家时，经常会联系到另外一个绘画主题相似的艺术家，一般都是一个中国艺术家对比一个外国艺术家。

比如，专画穷苦人，中国有王式廓，德国有珂勒惠支；反战题材画，中国有蒋兆和的《爸爸永不回来了》、《流民图》，西班牙有毕加索的《格尔尼卡》；注重场景和细节，中国有清代宫廷画家徐扬，意大利威尼斯有卡帕齐奥；等等。

《局部》第1季以杜尚为结尾。

以前，我不能理解这个拿着小便池去参展的艺术家何以能获得那么大的声誉。

现在我明白了，杜尚身体力行的自由精神为后世的艺术家打开了无数条路，举着反传统、反权威的大旗，各种“作”就可以名正言顺了。

有人问晚年的杜尚还画画吗，杜尚答“不会”，又随口说“你又不欠社会一张画”。

是的，画画不能成为对生命的要求和束缚，既成的艺术准则也不应成为艺术家身上的枷锁。

不过，话虽如此说，并不代表我喜欢杜尚的小便池。

我只是惊悟：如果人能够自觉对既定的社会准则保持警惕，审美就不可能变得整齐划一，思想亦如是。

“就是梵高这幅这么小的画，我觉得他好，可是我又说不出它为什么好。

我就想，观众可能会问：‘你等一等，你都不知道它怎么好，凭什么说他好？

’这个问题是对的。

我听到这种问题我就想跳河，就想跳楼、投河。

问题是你跳楼、投河，你也说不清这个道理。

我知道人喜欢有个答案，有了答案呢心里就安全，就放心。

可我的脾气是不在乎答案，我喜欢找问题。

“ 这段话的理解绝不应当是像热评中所说的那样鲁莽，试图通过权威对自我鉴赏能力的缺失进行洗白，这是到了一定专业境界后或是艺术感知力较强的人才能够讲的话。

只能说唯一很确定的是，这是一个习惯简化的，习惯提升又不喜欢卖弄的人习惯讲的话。

很客观的说，我多数时候也会有这种感觉，尤其是在阅片量偏低，并没有补充理论知识的前几年。

毕竟“看电影”这项运动，只占我目前为止人生的18分之2。

但学的越多之后发现好像蛮多东西都是有解的，即使记忆点和打动点却有时很不讲理。

我除非费尽心思去琢磨，为了答案而寻求答案，不然我还是讲不出来一句半句，甚至连感觉都无法描述。

我最自然的表达是像旁观者一般对我眼中所看到的这个作品，进行一番装作公平的评判。

这种答案，我一直认为假如可以再学习进展，将来会是极佳的。

听者也可以从里面，间接看出我的所谓三观和审美趣味。

可好像听我说话的人或比较权威，更多是比较懒。

他们没有细品的可能，只想你把最原始的东西、感情直接的呈现出来，且要适合听众的口味，还不能夸大做作。

我好像一直学不会这种做派，还是说我一直不想屈从于这种直给的“肤浅”。

既然生理基础决定人类有大脑会思考，那么为什么非要在某些场合进行退化，或是自我降级。

当我发觉了这种隔阂后，每当别人突击问我牵连到自我情感感受类的问题，我就会习惯躲闪，（立场问题不会，除非刻意隐瞒，或是实在不了解并不想鲁莽判断。

）因为众口难调，不能满足大部分人的答案，即使一再强调主观也是罪恶的。

或者说，我不想显得那么“自作多情”。

这不应该是个一边倒的问题，不应该过于绝对，这会直接牵扯到生活体验。

大家名人可以这样讲，但无名氏不能，这有些不公平，现状就是这样。

我已经饱受抑制情感表达习惯所带来的不公，以及任性随意所带来的后悔，我很想这么讲话。

所以眼下为了将来能够如此讲话，我亦开始找寻答案。

说实话，我不知道这算喜新厌旧吗。

纯感知事物在找到答案后，大几率魅力不再。

就像没有人会再复习1+1=2。

最近在看陈丹青的《局部》，其中介绍到了瓦拉东母子，之前只是在看关于欧洲美术史的简要介绍，从古希腊，文艺复兴，印象派……之于艺术品对于我大多是知识谈不上动情，看不懂欧洲宫廷，宗教艺术画，就是画风很细致，更看不太懂印象派，如毕加索，马蒂斯，如果有喜欢的，应该是修拉的《大碗饭上的星期天下午》和雷阿诺的的各种市井舞会的系列。

今天听陈丹青讲瓦拉东，也是第一次听说这个人，看到她的画，甚是喜爱，色彩狂热但不混乱，太喜欢了，还有他的儿子郁特里罗的街景画，说不上为什么喜欢，就是看过后会有一丝丝触动

瓦拉东

瓦拉东

瓦拉东

瓦拉东

瓦拉东

郁特里罗

1 千里江山图王希孟，千里江山图18岁的天才不要小瞧年轻人唱诗班，那种全神贯注，那种精密和神圣感，是少年人和童子最珍贵的一切。

东晋和隋唐是中国绘画的胚胎萌芽期。

5代时期山水画格局扩大。

千里江山图非常的开阔。

每一个局部都可以是一幅画。

通常成年的老熟的大师，喜欢做减法。

也就是所谓的取舍和概括。

而18岁英年的王希孟忙着做加法，人在18岁的年龄才会有这股子雄心和细心。

一点不乱，不枝蔓，不繁杂，通篇贵气，清秀逼人。

降生于中国山水画的黄金时代。

18岁干的事多半是不自知的。

清明上河图是世俗繁华的史诗。

千里江山图是锦绣河山的颂唱。

东晋顾恺之洛神赋图。

隋朝。

展子虔 游春图。

唐朝李思训李昭道父子。

李思训，江山楼阁图。

李昭道明皇幸蜀图。

五代。

董源，巨然，荆浩，关仝董源，潇湘图卷，龙宿郊民图。

巨然溪山兰花图。

荆浩，匡庐图。

五代李成 晴峦萧寺图。

北宋刘李 江山小景。

马 踏歌图夏圭 溪山清远图元代王振鹏江山揽胜图。

2 死亡的胜利早期的作品两个历史任务开创力与新工具早期的作品都很简单，但是生猛。

都很幼稚，但是天真。

都难免粗糙，但是精力饱满。

艺术顶顶要紧的不是知识，不是熟练。

不是我们现在说的所谓文化教养。

而是直觉而是本能而是那种最最新鲜的感受力。

我甚至觉得就是一种可贵的无知。

可惜我们常常看不起早期作品。

总是盯住盛期的那些著名作品看来看去。

北魏时期的敦煌壁画，文艺复兴早期的绘画博纳米科·布法马可14世纪，乔托的晚期，明早期死亡的胜利。

地狱。

死亡的胜利完成后的几十年发生了黑死病疫情过去后，人们偶然的发现了那幅画大为震惊，就在那幅画旁边狂欢。

你熟悉一个画家，突然有一天站在他的画的面前，那是一种大快乐。

你完全不知道一个画家。

也完全不了解这幅画，忽然给你撞见了。

我觉得更是一种大快乐大惊喜。

好好保留自己的孩子气。

欧洲的湿壁画。

充满了包浆，颜色剥落，岁月的苍茫感。

戈佐里 《博士来拜》位于梅第奇宫的小告解室，是文艺复兴壁画的一个符号。

二战时期轰炸了画了最后晚餐的那个教堂，但是画了最后晚餐的那堵墙，完好无损地立在哪里，而周围一片废墟。

乔托·迪·邦多纳。

安杰利科·马萨乔。

弗兰切斯卡菲利波诺·利皮。

多梅尼哥·基尔兰达约。

戈佐里薄伽丘 十日谈。

3 人民的胜利无论你胜利也好，失败也好，战争最最真实的结果就是无数家庭破碎了。

面对战争不同的立场，国家、民族、个人。

蒋兆和，人道主义画家。

代表作流民图。

大部分青年不喜欢看苦难片。

中国伟大的绘画传统是千里江山，不是死亡苦难。

风车小屋的舞会。

皮埃尔.奥古斯特.雷诺阿。

你会感动于描述苦难的经典，但很难被幸福的画面所感染。

流民图，1943年完成，展览后被日本人没收，53年时在一个仓库中找到，霉烂，半截已经没了，原作30米长。

文革时被定性为反共卖国的大毒草，差点被销毁，文革后又奇迹般地从仓库中找到。

1979年，中央美院报请文化部批准，被认为是爱国主义的现实主义作品。

蒋兆和暮年将其捐给政府，现展览于中国美术馆。

这是一个战胜国对待流民图的态度，憎惧有对日的憎恨，但是不敢面对难民对比格尔尼卡，同样是描绘难民，但是待遇完全不同。

要学会正视苦难4 初学的作品憨，惊讶他有时候这么细，这么聪明憨是一个非常包容，深层的性格难以觉察的内秀中国美术学院，巧手，死路一条？

5 巴黎的青年奥赛美术馆这幅画配的镜框，这个镜框挂在什么房间，这个房间在什么建筑里，这个建筑在什么街道和什么城市里面，一切的一切都会决定这幅画的文化气息展厅还原文物的年代和文化背景。

每一种艺术都有它的诞生时代氛围与文化土壤，一去不复返很少有人能够捕获到那一闪而过的灵光巴齐耶，组织群像，造型，光影6 谁养艺术家印象派在当时是前卫艺术，不被人认可那么现在的各种前卫艺术？？

古代多数的艺术品都是定件，是交易，很少未画完，很少为自己画现代文明，富裕家庭超多，需求变多，画家开始画完后等待客户来买，不仅仅是定件。

画廊画家开始由着自己的性子来梵高，海边的小男孩提香，裸女画哈尔斯，琵琶演奏者安格尔，《让·皮埃尔·吉尔伯特肖像》莫奈，妻子凯米莉和儿子7 未完成的绘画未完成，不完美，有一部在那，非常有意思印象派，光线，色彩，户外，当场画完，不像古典主义一幅画慢慢琢磨，个把月讲究的是才能，经验，状态笔触，颜料，涂抹，覆盖，本身就是美感，不仅仅是为了画出那个要画的对象绘画自由，媒材。

我画的是画一幅画怎样才算画完，印象派提出的问题一幅画可以无穷无尽地画下去。

前卫艺术家，活在未来，现在不可避免要受委屈。

品味的转变需要几代人塞尚的画通常都是没有画完的，颜料没涂满，还能看到铅笔稿，因为他根本不在乎画完这个概念，永远处于打开的状态。

均衡一幅画，配了框子，挂墙上就死掉了。

没有挂上墙，还能无穷无尽地画下去8非正式的魅力你这幅画画的和我不太像？

太太，你会慢慢的像这幅画。

毕加索每幅画最近完成时，最拿不准的事情，就是他该不该罢手。

他没办法对自己确定这幅画画完了。

希腊人，罗马人，文艺复兴人，都有个规则在那画画，到了梵高开始，每个人必须做自己的太阳。

文人画，态度，绘画中的一切都是假的，不要把绘画当真，你画这幅画的心情要比这幅画重要，无所谓画完不画完，逸笔草草，恰到好处，无穷无尽的一个享受，一个高级的游戏。

高贵的闲人，把生活态度生活方式带进了绘画中。

所有的的非正式，未完成，都属于天才。

普通人的只是拙劣

去年开始接触画册，期间越来越觉得各个学科的内容是相通的，自己太孤陋寡闻。

开始接触了解后，发现天地真是如此浩大，同志还需努力。

有网友评论陈老师的见解有个人喜好的倾向，我倒觉得，无所谓，或者很正常，想想我们的老师们或者周围人的言谈举止不也是带走个人偏见的么，这或许才是我们观照世界的合理方式。

别忘了，公共知识分子们都是带着自成体系的观点看待社会的，因为这是他们认识、解剖、建构生活或者说自我的渠道。

对风格不喜的前辈不妄加评判，对喜爱的画家画作那掩藏不住的雀跃兴奋，对知识学术的严谨负责，对被忽视轻看的艺术存在的尊重与捡拾，对大众的友善而温厚，对艺术的敬畏和玩味，陈先生的拙雅，让人欢喜感动。

每看一集，知趣，安然。

＊E1《千里江山图》王希孟现藏 故宫博物院陈丹青评价这幅画中提到“通常成年的老熟的大师，喜欢做减法。

也就是所谓取舍和概括。

可十八岁英年的王希孟呢，他是忙着做加法。

人在十八岁年纪，才会有这股子雄心和细心。

”所谓雄心，是和千里江山的壮阔一脉相承的，在年轻的时候，在自信和激情的加持下，呈现出的东西总是充满生机和力量的。

陈在第二集《死亡的胜利》中提到“各种艺术的成熟壮大，根子全部在早期。

”“早期作品都很简单，但是生猛。

都很幼稚，但是天真。

都难免粗糙，但是精力饱满。

用中国的古画就是元气淋漓。

” 因为元气和内在的欣喜，王希孟挥笔成就这样一幅酣畅淋漓的画。

本集末尾陈丹青如是说“十八岁干的事，多半是不自知的。

他好也好在不自知。

在《千里江山图》中，我分明看见一位美少年，他不可能老。

他正好十八岁。

长几岁，小几岁，不会有《千里江山图》。

他好像知道。

过几年就死了。

”

《菜根谭》言 “涉世浅，点染亦浅；历事深，机械亦深。

故君子与其练达，不若朴鲁；与其曲谨，不若疏狂”。

我追崇那份赤子之心。

在浮躁的社会中，不论社会怎么加诸于现实的残酷与不安，只惟愿对艺术与美的激情永不消减。

另外这一集中关于绘画创作，陈认为“绘画是手绘的，手艺第一。

手艺之上，又是眼光第一。

这个眼光，分两层。

一是观察之眼，一个是指一边画着，一边你怎么判断自己这幅画，属于经验范畴，是不可学不可教，所谓天份，实指这个。

”作为一个庸庸无为的欣赏者，我可以理解为我一贯很喜欢的一种状态，即“既置身其中，又处身事外。

”置身其中，意味着全神贯注地投入，物我合一。

处身事外，即所谓对作品的判断。

要成就艺术，须有独特的艺术眼光，在艺术史的洪流中，能够被记住的人，既是传承者更是开拓者和引领者。

一味临摹，是匠人；发挥自身的才气，实现美感的创新，才是艺术家。

＊E2《死亡的胜利》布法马可现位于 意大利圣墓园（比萨斜塔旁边）

gorgeous：欧洲湿壁画（教堂里）& 魏晋唐宋·工笔重彩画

▲斯宾格勒《西方的没落》：各文明、各种文化都有一个春夏秋冬、生老病死，那么每个画家，每个画派，也都有自己的早期、中期、盛期、晚期，然后没落，然后死亡。

▲关注早期的作品北魏的敦煌壁画——元气淋漓，动人，想象力eg：无名作者《舍身饲虎图》云岗石窟compare with 龙门石窟：前者的雄大气魄甚于后者▲艺术顶顶要紧的，不是知识、不是熟练，也不是所谓的文化教养，而是直觉、本能和最最新鲜的感受力。

美感是需要导引和学习的。

——贡布里希

＃绘画内容：关于死亡，棺材，尸体，屠杀（西方经常出现的主题）The corpse is alive,as corpse:it is the living image of a dead thing.尸体作为尸体，是活生生的。

——罗兰·巴特中国人少画棺材和尸体compare：透露出不同国家关于死亡的认知和其中显现出的差异。

＊E3 人民的胜利· 蒋兆和《流民图》1943 展于北京太庙 现藏于中国美术馆＊E4 初习的作品·《海边的渔夫》1883 梵高阿姆斯特丹市中心·梵高博物馆阿姆斯特丹乡下 席勒·姆勒博物馆 梵高初期作品

朋友因我之前吐槽一本关于影视欣赏的教科书而推荐了陈丹青讲述的《局部》，是2015年梁文道策划制作的视频脱口秀节目“看理想”的一个部分。

《局部》共16集，每集大概20分钟，主要讲绘画艺术的欣赏，也聊到其他艺术形式。

陈丹青没有按正统美术史讲法（时间，流派，代表画家和作品），而是以点发散，关注的是大历史里的小细节（比如他会挑梵高一幅画不下去的练笔画来展开好几个话题，用蒋兆和《流民图》来聊不同的文化传统对同类作品的评价差异），和这些小细节带给他本人的审美感动，所以我觉得节目名字“局部”太贴切了。

我是艺术尤其绘画的门外汉，小时候学校里美术课勉强及格那种，所以无法评论他观点的正确性，只有被科普的份，但有几点却触动了我。

一、元气满满。

这是陈丹青评价王希孟“千里江山图”时的话，后来他又在多处使用，比如瓦拉东作品，梵高早期习作，以及古希腊雕塑等。

他解释何为“元气”使用了木心的说法“孩子气”，也就是孩子似的不管不顾，青春的朝气、勇敢，以及原始野性之美。

这种美怎样从画里看出来我真不知道，但日常中倒是喜欢那些还葆有这些特质的人，大概“元气”这种东西都是先天带来，随着世俗成熟慢慢都会被消耗掉，所以犹为稀缺可贵。

有“元气”的人不一定周全，但一定真诚；不一定稳妥，但一定奋进。

这种真实而朝阳的人，有趣。

二、讯息与景别。

这是其中某集的标题，在这集里陈丹青花了很大篇幅讲电影的镜头和场景调动，来对比解读绘画里的群像以及场景安排。

相信朋友是因为这集而推荐我看的。

我固然被里面的技术解读震撼，但却想到红楼梦里刘姥姥二进大观园时贾母让惜春把大观园画出来，姑娘们聚在一起商量给惜春多长假期，其中宝钗的一大段道理真是把场景安排的难度说了个透“非离了肚子里头有些丘壑的，如何成画？

”（原文好长一段，有兴趣的参看四十二回的最后几页）。

现实里胸中有丘壑的人，也是能看到别人看不到的讯息，用于构建自己的画卷，绚烂或淡泊的随画卷生活。

这种看世界的视角独特而大气的人，有趣。

三、打开的作品（openwork）。

这是陈丹青讲到自印象派开始，绘画的成品变得没有明确的定义，是否画完，没有公认的依据，而全凭画家自己判断。

所以称其为打开的，是针对印象派之前的画，有明确的完成标准，是个封闭系统。

开放性带来的好处是绘画自由了，“一幅画可以永远画下去”。

画家们最头疼的就变成了不知道啥时候算画完了，陈丹青也终于明白了吴作人给他们上课时说的“应当知道什么时候停下来，要知道画，也要知道不画”。

我瞬间想到了“知止”。

《大学》第二句“知止而后有定，定而后能静，静而后能安，安而后能虑，虑而后能得”。

南怀瑾曾解读过 “知止”的一层含义是认清自己征服自己，深以为然。

人能做到的总比自己以为的多，而比自己想要的少，所以各种迷茫和焦虑。

但总有些人，不疾不徐，走在自己的时间点，一会儿慢，一会儿快，但清醒而坚定，因为知道要去何方。

这种“知，止，定”的人，同样有趣。

王尔德有句话“人不应该分为好人坏人，应该分为有趣和无趣”，既然无法判断好坏，那努力做个有趣的人总是件有趣的事吧。

拿着剧中局部的词句发散出我自己觉得有趣的想法，也算对《局部》的致敬。

这一年，一门心思想成为代表性画家的杜尚参加了立体派的展览，潜心创造了著名的油画《下楼的裸女》，其实这幅画的动感非常有韵律感，只是对于评委而言这个作品就完全是不符合他们的审美，他们要求杜尚更改作品，杜尚没想到自诩倡导自由的先锋派竟然也 说是立体主义的极端表现。

原创/小孙字典没输字幸好杜尚没有人云亦云，他凭着自己独立思考的能力，思想和情感没有受到群体的感染，变得颓唐和放弃。

之后他凭着《泉》和独白成为了当代艺术的传奇，他又彻底颠覆了传统，神秘的蒙娜丽莎加了胡子后变成《L.H.O.O.Q》。

原创/小孙字典没输字杜尚抱着玩的态度去工作和享受人生，他一边创作艺术，一边沉醉下棋，顺便结识了一批狂热的国际象棋爱好者，国际象棋夺走了他全部的注意力，甚至一度对画画的兴趣也淡漠许多。

也许在他下棋博弈的时候获得了难得的宁静，完全没有对艺术品的嘈杂评论。

原创/小孙字典没输字杜尚在颠覆性的艺术行为中宣泄了他的人生态度，抨击了传统的西方艺术内涵，也颠覆了观众对艺术的认知。

他的一生也像自己的艺术充满着荒诞的黑色与有趣的灰色。

01 王希孟《千里江山图》绘画是手绘的，手艺第一，手艺之上呢，又是眼光第一，眼光分两层，一是指观察之眼，一是指一边画着，一边你怎么判断自己这幅画，属于经验范畴。

而观察之眼不可学不可教，所谓天份，实际上指的是这个。

十八岁的感知功能是全息的。

千里江山画的开阔，开阔得非常具体，每个局部都可以是一幅画，隋唐五代，包括北宋的大家，找不出一幅画能够收纳这么多自成格局的景别，而每一个景别有这么多详确动人的细节，通常成年的老熟的大师喜欢做减法，也就是所谓取舍和概括，可是十八岁的王希孟忙着做加法，人在十八岁才会有这股子雄心和细心，一点不乱，不枝蔓，不繁杂，通篇贵气，清秀逼人。

十八岁做的事，多半是不自知的，好也好在不自知。

《清明上河图》是世俗繁华的史诗，《千里江山图》则是锦绣江山的颂唱，两件伟大作品成于北宋末年，看不出亡国之兆。

我们在想象中国古典画家的时候，都是白胡子老人，明清文人画确立了山水画中的老人符号，晚清明初的齐白石/张大千又坐实了这类符号的单一想象，在《千里江山图》中分明看到一位美少年，他不可能老，他正好十八岁，长几岁，小几岁，不会有《千》，他好像知道，过了几年就死了。

02 《死亡的胜利》《地狱》博纳米科·布法马可戈佐利《博士来拜》湿壁画斯宾格勒《西方的没落》早期的作品要面对两个历史的机会，一个是新的主题，第二个是工具，两者互为因果，早期作品都很简单，但是生猛，都很幼稚，但是天真，都难免粗糙，但是精力饱满，用中国的古话，就是元气淋漓。

河南省的龙门石窟是唐代武则天时期，山西云冈石窟是在魏晋时代。

艺术顶顶要紧的不是知识，不是熟练，不是我们所说的文化教养，而是直觉，而是本能，而是最最新鲜的感受力，一种可贵的无知，可是我们往往看不起早期作品，而是盯住盛期的那些著名作品看来看去。

尸体作为尸体，是活生生的。

——罗兰·巴特