妈咪

第26届法罗岛电影节第8个放映日为大家带来主竞赛单元的《妈咪》，下面请看场刊影评人的评价了！

果树多兰的音乐品味一如既往地好，慢镜、MV式的影像语言等个人标签也都还在，但这一次这些元素都没有过度消费的迹象，确实是他目前为止最佳作。

麦麦很喜欢这部电影对情感表达的演绎，很能引起共鸣。

镜头语言也很棒，屏幕拉开的设计真的好棒，那一刻我真的有视觉与情绪的共振。

George虽然浮夸但是很真诚的电影 倒数第二场两女主对峙拍的真好Pincent因为有物理和心理上的监禁，才得以短暂呼吸和释放情感。

属于多兰在情绪描写和人物塑造上的一次强大的发挥，配乐插曲里的“故障音效”也是亮点。

一桶猫1:1画幅、神经质的人物关系、MV风、通俗音乐、咆哮 — 这就是多兰美学Joeyside还好我不是多兰，不然我妈一定打死我，但话又说回来，我妈如果看了这部电影，说不定他会想认多兰作儿子子夜无人对多兰的态度永远矛盾，一边希望他可以保留青春期叙事的小情绪、与世界不妥协的自传体，但另一边又希望他可以在技术上把所有私货处理得更加娴熟，或许这两者之间本就是矛盾的。

就好像在本片中，情感动力甚至比《我杀了我妈妈》更加真诚，但他却是在用一种被驯化后的状态来呈现那个与世界放肆作对的男孩，其实也就等同于，是走到今天已经声名鹊起但有了更多包袱加身的他，在审视当时那个一无所有、却对着空气都能不管不顾尽情挥霍的自己。

Run Erika Run将画幅的变化融入电影的叙事中确实很有创意，1:1的画幅将观众的注意力集中到人物身上，母亲的焦虑矛盾、儿子的多动暴躁、邻居的语言障碍尽收眼底，尽管各有各的难处，他们仍然努力互相去爱、去拯救对方。

两个MV式的蒙太奇段落拍得非常炫酷，男主用手扒开画幅的设计很独特，片中母子互相对峙、互相表达爱的段落有很多打动人心的地方。

建议中小学班会课放泽维尔多兰的《妈咪》，别再放《妈妈再爱我一次》了。

约克纳帕塔法情绪像大海。

我略知她一二肆意的青春不管怎样被禁锢都会溢出磅礴。

#FIFF26#第8日的场刊将于稍后释出，请大家拭目以待了。

影片最开始的时候母亲的签名或许就是个暗示。

男主最后的奔跑是对自由的向往，也是他觉得自己有能力去照顾妈妈。

那是他对妈妈的爱。

相对应的，妈妈对男主的爱也绝对不仅仅表现在容忍他的多动症和古怪的脾气以及他自杀未遂的心上，妈妈说，我对你的爱会越来越多，而你对我的爱只会越来越少，我不否认前面的话，正是因为妈妈对儿子深挚的爱，才会将男主送往医院。

而上面提到的男主对自己能力的信任和对妈妈的思念迫使他想要马上挣脱那个束缚，因为毕竟他是笑着的，也出于对妈妈的偏执而激烈的爱。

而1:1的运用，我只能说多兰是相当大胆的。

不仅是对摄像的挑战，更是对演员的挑战。

在这样狭小的空间里，演员的表演便得到无限的放大，我们可以清楚地去揣摩他们的挣扎和呐喊——想要逃出这样的生活。

第一次开屏的时候被惊呆了。

男主在滑板上用手拉开了整个画面，然后整个色调、音乐等都变得明朗起来。

那才是他们本应有的生活。

第二次是妈妈的沉思。

对美好未来的憧憬，一个正常的孩子就可以享受的生活，直到每个人的脸开始虚化，紧接着整个画面开始虚化，然后又变回了暗色调、低音乐。

之前看布达佩斯的时候就很惊讶于韦斯对镜头的处理和运用，而多兰这里显然赋予了这样的镜头更深层次的含义。

他们是一群市井小民，是社会底层的人物，他们也在挣扎着想要生活，想要更好的生活；然而他们的理想都是不真实的，至少是短暂的。

邻居最后又变回了原来的样子也是一种隐喻吧。

一切都变回了原来的样子，就仿佛他没回来过。

而最后的Merci作为一种既定的默契再次体现出来，邻居的离去也就加深了妈妈的孤独之感。

打雷姐的歌出来的时候，就泪目了

就像旁观者听到自杀的人自杀的理由感到值得吗、真荒谬一样，我无权评价《妈咪》里的妈妈戴安是否真的尽力做好了一个妈妈，她有她的立场，她过她的人生，她有她的感受，别人再怎么想介入也无能为力。

我始终觉得我有必要做一个更好的妈妈，同样的，希望戴安可以收敛一点光芒，像邻居凯拉一样找到和患有多动症的儿子的沟通方式，从而实现儿子上美国茱莉亚音乐学院的梦想和自己在电影末段里幻想儿子顺利毕业结婚生子的想象。

电影隐晦地暗示了恋母情结？

儿子在和戴安争吵之后亲吻了戴安，戴安什么也没说转身走了。

单亲家庭长大的男孩想要和普通人一样平平凡凡地过日子是不是很难？

电影再没给任何答案。

我在背景资料里看到这样一条：这部电影最大的亮点在于全片采用了1:1的屏显比例以及两次神一样的画幅变化，可惜在我看的版本中并没有显示。

什么意思呢？

简单说，就是用屏幕显示比例的变化烘托人物情绪的变化。

至于1:1的比例，看惯了16:9屏显的我并没觉得有什么不适，就是视觉上感觉像立着的长方形，尽管我特意拿尺子去量了确定是长等于宽的1:1。

又一个开放式结尾，这次我宁愿它不开放，给我一个有点希望的结局。

这是多兰的第五部长片，故事再次回到他一鸣惊人的处女作《我杀了我妈妈》上，与这一张扬而外放的处女作相比，《妈咪》更加成熟、内敛与稳重。

我们能从这部电影里看到导演的成熟，看到那个有着一张俊美脸蛋，才华横溢的年轻导演在电影中从肆无忌惮地释放自己的魅力到如今能沉下来稳定地去讲述一个故事。

，无论是电影那些非常私人、非常MV的拍摄手法还是饱满甚至会耀人眼的色彩，还是感染力十足的配乐，多兰通过自己这五部电影定下了这一识别度很高的风格。

《妈咪》这部新作因为和处女作在很多程度上——无论是故事主题还是探讨的思想——存在相同之处，而通过另外三部电影中或多或少同样提及的，我们能看出处理母与子复杂、纠缠而隔离的关系是多兰的电影主题之一。

多兰的处女作因为其自传性而能让观众从中窥视到他和母亲的关系，或许也正是因为他自身的经历和体验，才使得多兰非常着迷的去探索母与子的关系，并且在多兰的电影中，这二者之间的关系往往都不同平常。

母与子之间总存在着既爱又恨，既冷漠又热烈的纠缠，甚至有很强的俄狄浦斯情节。

从处女作《我杀了我妈妈》中开始，儿子对于母亲的恨和热烈的爱彼此融合。

就如电影的题目，儿子甚至想杀了母亲，但我们却总会从电影中发现这一电影名字中所包含对于母亲的爱，俄狄浦斯那让人不舒服的爱。

在去年《汤姆的农场旅行》中，母与子的关系同样如此。

弗朗西斯对汤姆所坦诚的那一段关于母亲的话，正是多兰几部电影里，当涉及母与子时最好的注解。

弗朗西斯渴望母亲的死，这样自己就能离开农场，到大城市过自己的生活，但他同时他对母亲言听计从。

在多兰模棱两可、充满多重涵义甚至是情色的镜头下，母与子之间的性张力始终存在。

而在《妈咪》中，无论是史蒂夫隔着自己的手背亲吻母亲还是之后在昏暗中亲吻了母亲，存在他们双方之间性张力在多兰的镜头下总是十分浓郁。

在《妈咪》中，故事的几处细节都体现了母与子之间难以隔断的羁绊。

当有人对斯蒂夫施加暴力的时候，黛安会不顾一切的报复他，这是母亲最本能的情感反应；斯蒂夫同样如此，他觉得在父亲死后，自己的首要责任就是保护母亲，所以他始终厌恶无论是母亲还是其他人把他当做小孩看待。

电影中，斯蒂夫的父亲之死触发了他的暴力，但在这里我们完全可以从另外一个层面解读，即父亲的死正是儿子的崛起。

斯蒂夫的暴力所象征的或许就是作为取代父亲的儿子成为母亲的守护者。

黛安和斯蒂夫的关系属于彼此占有，对方都是自己的唯一。

在《汤姆的农场旅行》中，弗朗西斯被母亲占有，他同样占有母亲。

从《我杀死我妈妈》开始，父亲始终处于缺席，有的因为离婚，有的则已经去世。

父亲的缺席，使得儿子崛起，而儿子所取代的不仅仅是父亲之前的位置，还有他自己本身的位置。

即在这一情况下，儿子便融合了双重身份，对于母亲而言，一者是丈夫，一者是儿子。

因此母与子的关系会随着父亲缺席，儿子崛起身份的改变而改变。

这也就让我们明白，为什么多兰镜头下的母与子之间存在性的张力和占有。

俄狄浦斯情节是多兰电影里母与子关系中最重要的组成部分。

从他的处女作《我杀了我妈妈》开始，儿子和母亲争执争吵，彼此攻击和漠视，存在距离与隔阂，难以亲近；但另一方面，时常母与子又是亲密而相互理解的，关爱且坦诚。

他们像面对最讨厌的人一样争吵，毫不留情，但总是一次次复合，原谅与和好如初。

在处女作中，儿子告诉老师自己母亲死掉了，他想象母亲躺在棺材里的模样，妈妈穿着婚纱在森林中奔跑，儿子在后面追。

这些情节以不同的形式存在于多兰的每一次探讨母与子的电影中。

多兰之后的电影，如《幻想之爱》与《双面劳伦斯》所探讨的都是不可能之爱，前者两个朋友都迷恋上一个希腊雕塑般的美男子，双方为此关系激化；后者则是男朋友开始穿女装，女方依旧在努力地维持这段感情。

在某种程度上，母与子这一主题同样属于多兰所感兴趣的“不可能之爱”中。

在多兰电影中的母与子之间，存在超出寻常的爱，并且这些爱因为父亲的缺席，儿子身份的双重性而出现失衡，在这样情况下便会产生一种模棱两可的关于爱的状态处于母与子之间，时常甚至出现性张力。

我们能透过多兰风格化的镜头感受到母与子之间存在的暗流，让人坐立不安。

在这里，母与子的爱不仅仅再是母亲对于儿子的爱，或是儿子对于母亲的爱，而掺杂了更多的东西，使得它超出我们日常的可能。

多兰对于这些不可能之爱的探索，其实是在把人与人之间的相处逼入某种极端，再这样一种状态下，爱时常会出现众多难以想象的状况，牵涉其中的人们也会受其影响，生活从而出现改变，甚至造成蔓延的创伤。

在母与子的关系中，多兰在《我杀死我妈妈》中，引用了莫泊桑的一段话：“我们几乎是在不知不觉的爱着自己父母，因为这种爱像人的活着一样自然，只有到了最后分别的时刻，我们才能看到这种感情的根扎得有多深。

”而多兰则始终不停地挖掘着“这种感情”的根，像看看在最隐秘和无人踏足的地方，这种感情会是什么模样？

2015 1. 17 晚上

从另一个角度来探讨问题少年，首先它没有过多纠缠于为什么他会成为问题少年，不同于其他片子会把这归因于父母的不管教或错误管教，其次它还展现了这个问题少年善良的一面，对母亲的爱，甚至是超越其他孩子的。

第二个类似妈妈角色的出现事实上改变了很多，正如那个孩子没有获得足够的认可一样，她事实上也没有，从她家中的几个镜头来看都是她偷偷地在透过窗帘看。

她在他身上获得了认可，他也在她身上获得了成就（他认为口吃的变好归功于他）。

片中的结尾给了很真实，也可能是唯一的处理办法，尽管这很残酷，尤其是和他美好的梦境做对比。

画幅的变化很有趣，全片只有两段用到了长的画幅，其他都是更类似正方形的，而这两段都是心情愉悦的表现，第一段止于那份要求赔偿的信，画面慢慢变窄很有想法，第二段则是最后梦境的美好和结尾被送去的残酷形成非常非常鲜明的对比，可能先扬后抑，会更加压抑。

2022-11-11看

导演、编剧泽维尔·多兰之前拍过一部《我杀了我妈妈》，擅长这类母子相爱相杀的题材。

《我杀了我妈妈》中的少年是一个GAY，《妈咪》中的少年是多动症患者，经常无法自控做出暴力行为。

泽维尔·多兰长着一张偶像剧的面孔，却有一颗不走寻常路的内心，关注的都是少数派人群。

明明可以靠脸蛋混饭吃，却偏偏要靠才华，这次《妈咪》，他甚至都没有参演。

《妈咪》中的妈咪，儿子患病，失去了丈夫，被公司解雇……但被命运如此对待的她，却并没有露出丝毫苦兮兮的面孔——这绝不是催泪的煽情大片。

这个妈咪抽烟喝酒满口飙脏话，性格坚硬，开场不久她就和儿子分享同一支烟……让人同情不起来，当然她也不需要同情。

然而另一方面，她宁愿自己搬去新的地方和儿子一起生活，也不愿将儿子送去拘留中心；为了给儿子请律师，她主动约明显对她有意思的中年律师出来吃饭唱歌，但是那个律师敢冲她儿子吼、甩巴掌，她就立刻甩回律师一巴掌……泽维尔·多兰用了很多细节来表现他们特别的母子关系。

比如他擅长的对骂，甚至对打。

少年买给妈咪的“妈咪”字母项链，前面因为母亲怀疑他偷窃而在争执中散落，后面却一直戴在她的脖子里，直到电影结束。

还有那段厨房中的舞蹈，让人想到王家卫的《春光乍泄》。

泽维尔·多兰的音乐用的一如既往的好，那些流行乐，都镶嵌在它应该出现的地方。

还有画面。

泽维尔·多兰有自己的审美，《我杀了我妈妈》中他喜欢让人物在屏幕右侧出现，每一帧都仿佛是“电脑屏保”。

而《妈咪》，很长时间都是1:1的屏幕，像现在流行的微信朋友圈照片。

然后中间有段，少年在街上玩滑板，玩得开心了，对着银幕打开双手，屏幕也随之打开到正常大小……那一段真是太令人惊艳了。

还有一段惊艳的戏是没有台词的。

在音乐的陪伴下，少年考上一直想去的音乐学校，离开母亲，然后结婚，婚礼上母亲笑着和大家一起打招呼，然后少年当了爸爸，母亲做了奶奶……再然后下一秒，响起少年画外音：“妈咪，绿灯了！

”一切美好戛然而止，原来都只是一场梦而已。

真实。

多兰这一回拍出的是每个人都正在切身体会的生活。

《妈咪》，简单的电影名虽然听起来没有处女作《我杀了我妈妈》博人眼球，但其中却流淌着更为真实的温度。

这个要强、倔强的妈咪是每一个母亲的集合体，她对斯蒂夫的爱背后，有世界上最伟大真挚的情感的影子。

你我不一定是斯蒂夫，但一定都像他一样，是一个不够好的孩子，我们会惹妈咪生气，让她们暴躁、失控、紧张、失望，我们总是不小心就伤到她们的心。

我们的妈咪也会固执地忍住眼泪，也会哭，也会抱怨，偶尔幻想如何才是作为一个母亲的终极幸福。

在我看来电影高潮应当是斯蒂夫反抗医护人员的那一段，他反抗着，吼叫着，那一刻妈咪的心就绞在一起，撕裂般疼痛，却又无可奈何。

我毫无悬念地哭了出来。

果然，真实的命运是不会刻意成全爱的。

人死不会复生，破镜不能重圆。

国内的影视剧讲爱的不在少数，尤其是男女情爱，数不胜数。

古装宫斗、仙侠奇幻、都市职场，不管是在什么环境下，总会有帅气专情的男主，美丽善良的女主，痴心守候的男配，善妒刻薄的女配，一个个脸谱化的角色之间为爱纠缠撕心裂肺，渲染着所谓的虐恋情深。

但这些所谓的“虐”，太过刻意，太不真实，丢进生活的深潭里，激不起哪怕一朵水花，更遑论打动人心。

不信你去对比一下，国产爱情剧中的男女主角黯然神伤三千次，也抵不过接近结尾时被妈咪拼命憋住的眼泪。

这才是真实。

非常欣赏电影中对于画面比例的调整，斯蒂夫用手推开屏幕的那一刻仿佛整片天都亮了。

我简直不想承认看着一开始的小屏幕我还以为是片源有问题。

下面是故事梗概概括联系，全是剧透。

主要是训练一下自己看完之后的情节概括能力，学习多兰小天使的情节编排。

没看过的童鞋请默默退出！

3210故事的主人公是单亲妈妈和她患有多动症以及躁郁症（？

貌似）的儿子。

开场是母亲在街上遭遇一场车祸后接到拘留所电话通知她去领儿子回家，原来儿子斯蒂夫在咖啡馆纵火导致另外一个孩子重度烧伤。

看得出来两人的关系很好，儿子爱母亲，母亲也很爱儿子，回家路上母亲遇到猥琐律师大叔搭讪。

搬进新家后，母亲向对面的另一位女士凯拉打了招呼。

一天，儿子去超市带了一大堆东西回家，包括一只Mommy图案的项链。

妈妈认为他小偷小摸的习惯又犯了，劝他把东西还回去。

儿子不听从，强调“这些都是你的”，由此引发一场争执，斯蒂夫弄伤了自己的腿，凯拉带着工具为他包扎了伤口，三人从此结下情谊。

妈妈被炒了鱿鱼，需要找一份新的工作，所以拜托凯拉照顾儿子，凯拉同意了。

斯蒂夫和凯拉共处一室时斯蒂夫突然犯病，拽掉了凯拉的耳环还在动作上轻薄她，凯拉怒不可遏，责骂威胁了斯蒂夫，把斯蒂夫吓得尿了出来，后来斯蒂夫主动向凯拉道歉，两人共同为求职归来的妈妈准备了惊喜餐点。

有了凯拉的帮助，妈妈如愿以偿找到了理想的工作。

然而，妈妈突然收到先前在咖啡馆被烧伤的孩子的家庭的律师函，向他们索要赔偿。

妈妈因为没钱请律师，也不想把儿子送进医院，所以只好找之前的猥琐律师大叔帮忙，三人一起吃了快餐并且去了一家卡拉OK聊天，斯蒂夫看不惯律师的嘴脸，多次挑衅，并且在唱歌时因为小混混的戏弄与其扭打，三人狼狈回家，期间斯蒂夫直白说出律师只不过是想“操他妈妈”，被律师扇了一巴掌，妈妈也扇了律师一巴掌，律师离开。

妈妈在黑暗中说出了自己的痛苦，告诉斯蒂夫他给她带来了多少的麻烦。

斯蒂夫陷入阴郁，终于在母子二人和凯拉一起逛超市时割腕企图自杀。

三人一起开车出行。

妈妈幻想这次的旅途他们非常开心，儿子被治好后顺利考入大学，毕业，找到女友，工作，结婚，让她得以享受身为一个母亲的最大幸福。

可时斯蒂夫并没有好转，妈妈这次带他出来的目的是把他送入疗养院。

斯蒂夫抵死不从，和安保人员扭打过程中被电击，妈妈后悔了，想要毁约却为时已晚。

斯蒂夫在疗养院给妈妈的手机留言，说自己认识到了错误，“你值得一个更好的儿子，而不是像我这样的垃圾”，此刻斯蒂夫心里对自己已经失去了希望。

凯拉在举家搬家之前和妈妈告别，抒发了她对妈妈放弃斯蒂夫的不满，妈妈表示，她对斯蒂夫仍然抱有希望，把他送进医院是最好的做法。

凯拉走后，妈妈一个人拼命忍住了放声大哭的欲望，她看上去永远是那么坚强。

斯蒂夫在脱掉病服的瞬间冲向医院落地窗，脸上带着微笑和对自由的向往。

文/［法］菲利普·鲁耶 杨·多潘译/ 赛珞璐您在五年内拍摄了五部长片。

您是怎么做到的？

您会同时进行多个项目吗？

是的。

比如在拍《汤姆的农场旅行》时，我还有其他两个已经完备的剧本，但《汤姆的农场旅行》最适合我当时的条件，它是一部能够在短时间内拍完的影片（仅仅用了17天），用手持摄影机和有限的资金，就像对我的第一部长片《我杀了我妈妈》的回顾。

那么《妈咪》也是在那时候写的吗？

不是。

我是在完成《汤姆的农场旅行》之后开始创作《妈咪》的，因为在《汤姆的农场旅行》参加威尼斯电影节之前我有一点时间。

我们没有为戛纳做准备是因为我想要推迟后期制作，以便在一部魁北克电影，丹尼尔·格（Daniel Grou) 的《奇迹》（Miraculum）中饰演一个角色。

我在其中扮演一位耶和华见证人（Jéhovah）教徒，他非常固执和虔诚，宁愿死去也不愿接受能治愈他癌症的输血疗法。

他不是主角，但这个人物让我很感兴趣。

我从四岁开始就做了演员，我也从未真正停下来过。

在电影中，演员的工作是我最热衷的。

我喜欢扮演我自己，我也喜欢引导演员，帮助他们去诠释自己的角色，让他们的表演有所进步。

指导演员这项工作会在拍摄之前完成吗？

当然，对于《妈咪》我们经过了反复排练，大家聚在桌前读了三次剧本，然后在有布景的情况下，对个别较为复杂的场景进行排练，但没有重复很多遍。

况且苏珊娜·克莱蒙（Suzanne Clément）不是一位能让我们和她一起重复排练多次的女演员，但是我们可以讨论。

剧本上的对话允许重新编写。

在片场，我们没有太多即兴发挥，最多也就是在某处加一点个人色彩，尽管我的演员们都非常有创造力。

另一方面，必须完全适应我的这两位女演员，苏珊娜·克莱蒙饰演的邻居凯拉是富有直觉且盲目的，而安妮·杜尔瓦勒（Anne Dorval）饰演的妈妈则是有理由的且能被理解的。

对于苏珊娜，您让她饰演困难重重的结巴……这个人物我在剧本中写得很少，是在片场的时候，我们俩才找到了真正的凯拉。

相比之下，安妮和安托万仅仅是在“念”他们的对话。

为了使凯拉这个人物的结构清晰，您有试着按故事的顺序进行拍摄吗？

从来没有过。

我们必须得适应季节，拍摄场景以及各方面的实际情况。

刚开始，我对次要人物的设置过于或者不够重要感到困扰，最后我们找到了平衡，当我们不再认为凯拉是一个次要人物时，她成为和其他两位演员同样重要的人物。

演员在出场时的站位都很精确，您做了分镜头稿本吗？

我没有做分镜头稿本，但有些场景我画了机位和布光的草图。

我从开始写剧本的时候就思考着这些，因为我在写的时候已经考虑到了剪辑。

之后，我们去看了拍摄场景，发现构思好的一切完全没有可操作性，因此必须得随机应变。

演员们带来了一个我们愿意采纳的提议，我们的剧组在早晨一起排练，这让我们发现过于勉强的创意是不可行的，我们必须再改动。

在拍摄了Indochine乐队的mv《学院男孩》（College Boy）还有《汤姆的农场旅行》后，这已经是您和摄影师安德烈·杜邦（André Turpin）的第三次合作了，您是怎么找到他的呢？

我以前很想跟他一起工作，我觉得他是一个很优秀的人，我欣赏他的才华，我觉得他简单、随和。

那是一次至关重要的相遇。

跟他一起工作您感觉怎么样？

我们一起取舍。

在美国，除了那些大制作的影片，主摄影师也是会负责取景的，而安德烈却很谦虚地把这个位置让给了一位斯坦尼康操作员，由他完成了整部电影的取景。

在片场，我和安德鲁说个不停，我俩都会把拍摄中的问题重新提出来和对方讨论。

他真是了不起。

我喜欢被这样的一群人包围，通过分享我的想法使他们的思维得到拓展。

关于灯光，哪些部分来源于您的想法呢？

我想要一部明亮的、阳光的电影，尤其不要那种阴沉的、抑郁的风格，我们总是把这种调子和这样的人物联系在一起。

我觉得这不仅是品味的问题，更是对这种人物的不尊重，就如同一位在底层人民的生活中“探索”的电影创作者。

这两年我看过太多深思熟虑的电影，自以为这样做对弱势群体是公正的。

对我来说，我想要摄影机平拍这些人物，我们可以和他们对视。

这样的话，您就完全和《汤姆的农场旅行》的那种视觉风格告别了……《汤姆的农场旅行》是关于无的审美,没有解释什么。

在格外令人厌恶的背景当中，我们利用景深来避免它显得过于黏稠。

接近结尾的部分，我们本来拍了一个主角破碎眼镜的很棒的镜头，这副眼镜是他用来观察被那位母亲放在他床下鞋盒里的东西的，我们都对这个镜头感到很满意，但在样片中看到这个镜头时，我们觉得不能保留它了，它已经让人联想到佩金帕（Peckinpah）那部《稻草狗》（StrawDogs）的海报了，而且它太不自然了，完全不能留在电影中。

为了获得《妈咪》中这种阳光的影像，布景师哥伦布·瑞比（Colombe Raby）的工作应该是很重要的吧，她是您从《双面劳伦斯》开始的合作者……当然，把布景从它本来的状态重新布置成我们想要的样子是一项很重要的工作。

我想要一个很昏暗，但又有很多光的客厅，因此我们就用了彩色墙纸，它是以前住户留下的痕迹，就像两位主人公回到了其他人的世界。

母亲在开头就明确指出：她接管了一位老妇人的公寓，她还没有重新装修它，在我们看来，这正是一种不用把彩色墙纸弄得太具有美感的方法。

同样，对于服装必须考虑得周到，我为斯蒂夫选择了一些反时尚（normcore）的服装，这是一种反文化的服装风格，它是对嬉皮士的颠覆。

比如说，我们没有选择Lacoste或者Ralph Lauren品牌的polo衫，我们选择了一个更便宜和不怎么知名的品牌，我会让这些服装看起来像2000年初时那样，这对人物来说更加真实。

母亲戴安的衣服显然都不贵，但更加精心修饰过……她穿得像一个十六岁的青春期少女，有一套自己固定的讲究，即使显得品味很奇怪。

她想要显得性感但还是停留在了穿着舒适的阶段，因为她有很多工作要做。

因此我让她穿那种九十年代末至两千年初的牛仔裤，我们得重做这样的裤子，因为现在已经找不到那样的牛仔裤了，但我还是坚持要做。

对她来说，这个阶段正是她的黄金年龄，她的妆容并不过时。

可能之后她也没有再买衣服。

在片头字幕中，您作为服装师被提到，您为演员们选了服装吗？

服装的选择常常是跟演员联系在一起的，但是我挑选了他们的全部服装，然后他们来试，接受或拒绝这件或那件衣服。

对我来说，给他们挑选服装这项工作和跟他们对台词是差不多的。

这是一种大家一起确定人物的方法。

是的，这时候演员会跟我说他对于角色的想法，他总会为人物构思出其过往经历，我们一起讨论，这比一件服装对他演技的影响更重要。

我记得有一个晚上，我们必须完成一个镜头以结束当天漫长的拍摄日程，这个镜头是要苏珊娜脱掉那双已经把她的脚磨出水泡的鞋。

但她跟我说她更想要穿着它们，因为她饰演的人物凯拉穿着过于小的鞋子感到如此不适，以致于脱掉它们会有影响她演技的风险。

同时，必须注意不能总想要去调整一切不利于视觉协调的东西。

在现实生活中，人们不会在回到餐桌前打电话咨询自己该选哪件衣服的问题，但在我的电影中会这样。

我必须听取演员对于角色服装的所有想法，考虑如何为其他角色设计服装。

对于整体的美学，对您指导摄影起到参考作用的是电影，绘画还是摄影呢？

不是电影！

人们认为我参考大量电影，但没有想想我还很年轻，在我的迷影文化当中还有很大的空白。

我最强烈的灵感是那些没有被人觉察到的事物，就像谣言，它从那边的终点开始，传到这儿的时候它就变成了其他的东西。

对我来说，这就是影响和灵感的不同，影响是种致敬。

我们已经在您的前两部电影中发现了这些影响。

是的，那些和《花样年华》中使用相同音乐的慢镜头……其实，对于《幻想之爱》，人们没有提到伍迪·艾伦《贤伉俪》中那些有说服力的人物，正是这些人物给我片中那些面对摄影机的采访提供了参考。

人们引用了很多阿莫多瓦，因为他拍高跟鞋，而且他是gay，像我一样，但相似之处也仅此而已。

但在电影之外，您会从摄影和绘画当中获得一些灵感吗？

当然。

最简单就是给您看我的look book。

（采访中断，因为他去宾馆房间拿他的look book）这是一份能让我回忆起所有圈内大师和演员的档案，我将它装订好然后选择纸张，此外，我非常喜欢制作这些东西。

我按主题制作了词条，比如，所有关系到人物死亡的图片。

这是朱丽娅·罗伯茨在《永不妥协》中发型的照片，这不是我们决定采用的发型，但这也许能带给我们些灵感。

还有这些纹身，我们已经模仿了这头狮子的纹身。

可能还有星座符号，指甲或者鞋子……这些照片是哪儿来的？

您从网上找到它们吗？

不是，我买了好几吨的摄影画册还有一些杂志。

我把我感兴趣的人物，布景，和所有电影相关领域的部份都剪下来，尤其是那些背景。

比如说？

这张南·高登(Nan Goldin)的照片《剃须的托马斯》(Thomas Shaving)正是凯拉教史蒂夫自己刮胡子那个场景的灵感源泉。

看那个，我模仿它做了浴帘。

这儿，一张格斯·范·桑特《心灵捕手》中的照片，镜头中他在黑暗中给他的妈妈打电话。

还有那儿，我们在室内重新发现的橙色的光，还有最后一组镜头中带点蓝色的光。

我们有印象，您在那些最痛苦的瞬间保留了这些带点蓝色的光，比如唱卡拉ok还有最后在停车场……是这样，但我不知道是不是有意识的。

停车场那场戏是在白天，天一直阴着。

我们在那儿拍摄了两天，第一天，天气晴朗还有朵朵白云，但我们知道第二天要下一整天雨。

当史蒂夫坐在汽车里看到雨快来的时候，我开始在汽车上方制造雨滴，我们衔接了这一瞬间，然后就真的开始下雨了。

可以确定的是，对于这个场景，我想要一种光的断裂。

必须是一种中断，我们在别处。

我们觉得您在每个镜头的场面调度中都有不同的构思……对我来说，《妈咪》在美学上是具有统一性的，即使每个镜头都各有特点。

比如说，在拍第一次晚餐时我用了正反打镜头作为画面的开端，在开始介绍这些人物之前先使他们相互孤立，这样做是为了加强私密的感觉。

我们在他们背后拍的时候，他们会更专注地听别人在说什么。

这都是一些常用的经典拍摄方式，但很有效。

当我们一直在装饰相同的室内时，构图的多变也是一种防止观众疲劳厌倦的考虑吗？

当然，必须得避免无聊和重复，尤其是构图，它必须为叙事服务。

一种构图区别于其他构图的意义正是它的美，我可以欣赏其他的但我不想让它们出现在我的电影里。

就好比黑白片。

在我仅有的一次经验，拍了Indochine的MV《学院男孩》后，我很想再做黑白画面，但我必须得找到剧作上使它成立的理由。

在拍《汤姆的农场旅行》时，我养成了对每一个镜头发问的习惯。

我用这样的构图和色彩讲了什么故事？

它会对观众产生什么效果？

这一刻他会有怎样的感受？

在《汤姆的农场旅行》中我们充分感受到了这种严密。

这部电影不意味着您电影作品中的一个转折点吗？

从情节的角度来看《汤姆的农场旅行》已经离我很远了，但是这部电影让我明白了很多电影之外的事情，它们存在于我们生活当中的方方面面。

因此，是的，这部电影对我来说是一个转折点，它让我有所提高。

在其中出演某个角色对您来说重要吗？

在观察了一年《双面劳伦斯》中的演员后，我在其中出演就是为了丰富它。

在《妈咪》中，我本来想要扮演安托万-奥利弗·波尼安的角色，这个人物就是我。

这点也可以在我对他表演风格的指导中看出来。

您是怎么指导他的呢？

安托万是一位非常出色的演员，他无拘无束，理解力强，早熟。

因为我自己也是演员，所以我有时候会把他的戏先自己演出来，而且我也很乐意和安妮还有苏珊娜配合。

无论如何，当我开始一场戏，在我思考要怎样拍摄之前我都会考虑我想要他怎样表演，然后我观察这些演员，我告诉他们如何做。

为了引导他们，在拍摄过程中我会继续说下去，我说个不停。

因此在后期录音时，清除我的声音就成为一项很繁重的工作！

但是在表演中，这就产生了一些纯粹自发性的瞬间，演员必须放弃所有他之前已经准备好的情绪才能回应我的要求。

我不太知道演员如何反应，他们在心里思量着小把戏：“我要用我的眼睛完成这个拿手好戏，我要拿我的耳环开玩笑！

”不过，会突然有人跟他们说话，然后改变了他们在镜头中所有的表现。

在您的电影或者您的表演中，这是不同的。

您必须指挥团队内部……当然。

在拍摄的过程中我不能给出我的指示。

但是在《幻想之爱》中，我想出了解决的办法来指挥主摄影师的运动，就是在画面外拉动他的羊毛衫，就像是一部纪录片。

因为有些东西不总是能在片场重现：当魔力在那儿，必须要利用它。

您拍了很多镜头吗？

看情况。

我与苏珊娜和安妮长期以来的默契为我们节省了时间。

我保留了《妈咪》中许多第一次拍摄的镜头。

但是对于那些感情丰富的场景必须得多拍几遍。

为什么选择了1:1这种奇怪的正方形画面比例？

真的是正方形，画面似乎把我们拉长了？

画面的确是完美的、由电脑计算好的正方形。

在我拍摄短片《学院男孩》时，我明白了它不是一种强制性的，既受限又朴实无华的画幅比例。

对于人像来说，这是理想的比例，因为观众只能看到人物，画面中除此之外什么也没有。

在电影中间拉开画幅的主意是从写剧本的时候就想到的吗？

在《汤姆的农场旅行》中我们已经对你缩小画面的方式留下很深的印象了……是的，在那些感到呼吸困难的时候。

这次正相反，他们活得很开心，他们的视野也宽广。

这次不同的是，人物直接参与进来推开了画幅的限制。

是电影中的人物改变了语言，他也因此掌握了电影的命运。

第二次画幅拉开也是一样，当他们出发去旅行；然后画幅缩小到画面中只有母亲，当现实再次夺走她的权利时。

为什么您觉得有必要为问题青少年群体虚构出这项法律，这是您在一开始构思阶段就想要表达的吗？

这项法律和黛安的命运联系在一起，它也是剧情当中设置的一枚定时炸弹。

我们会和剧中人物一起开心欢笑，但我们知道未来的某一时刻这位母亲将会履行这条法律，而且，这项法律也为影片提供了政治背景，从而解释了剧作中那些站不住脚的部份。

在现实生活中，拘留所不会将一位已经纵火的年轻人送回家。

为了维护社会安全，他只是被委托给国家看管。

跟往常一样，配乐方面，您列出了一份众星云集的歌单。

这次不同的是，这些歌曲都是剧中人物当时在听的，不再是导演选择的了，这些歌曲都来自男主角父亲在死之前录的一张歌曲合集，这会让观众很感动，因为正是这些歌证明了他在故事当中的存在，推动情节的发展直到最后，当他们在搬家时听那首席琳·迪翁的歌，我们听到那饱满的嗓音……即使到最后的时刻，史蒂夫还在拍手，这段完美的音色继续着电影配乐的风格。

一般来说，您选用一些Noia的原创歌曲，他是谁呢？

一个年轻的秘鲁人，非常有才华，他给《双面劳伦斯》配乐45分钟。

给《妈咪》只配了25分钟，但我们还是都买下来了。

我们并不总是能感受到这些配乐，但我把这些原创音乐放在我的电影中。

而《汤姆的农场旅行》，我想跳过这些配乐，用无声来为心理惊悚片伴奏会更有效，但对于剪辑，配乐的作用占90%！

所以我也明白自己错在哪儿了。

那《妈咪》您剪辑了很多吗？

第一次剪辑完是2小时35分钟，本来还要多二十来分钟，在我看来，这太长了，我本来想要剪掉更多，但那样的话，电影就变样了。

绝不应该强迫影片维持下去，否则影片就会受到严重损害。

一个过于快的场景，有时会让它变得过于长。

您剪掉了一些完整的场景还是一些小的片段？

我去掉了很多场景当中幽默但有点跑题的部份，还去掉了那些啰嗦重复的部份！

尤其是一个在史蒂夫刚被关进拘留中心后，两位女士在咖啡馆的场景。

对演员来说，这个场景是令人十分满意的，对人物结构绝对是有帮助的，但是它削减了我更喜欢的一个镜头的力量，就是最后凯拉和戴安摊牌：这个场景很长，我也很喜欢它；感受到它的不易就好。

让电影即有英语字幕又有法语字幕，这真的是您自己想出来的吗？

是的，为了让观众能更好的理解影片，这是很有必要的，依然是我决定要这么做的。

《汤姆的农场旅行》中有些场景我没有加字幕，但《妈咪》全部都有字幕。

必须要说，在这部电影中，我的这些人物都说若阿尔语（le joual），就像英语中的俚语或者法语中的方言。

这是一种有些魁北克人也同样理解不了的语言！

我最喜欢的看电影状态，是对电影一无所知。

总觉得这样看完感受才是纯粹的，原创的，真实的。

今晚看MOMMY之前，这样的盼望早已被打破。

首先，她去年在戛纳集天下宠爱于一身，各路评论天天都在刷我的屏。

其次她有个极大的噱头，就是导演是个天才美少年，拍到这第五部作品了也不过年仅25岁。

最后，就在上周，一起打工的姑娘提起这片子就浑身哆嗦，一副欲言又止的模样。

我用各种眼神威胁她，要她闭嘴。

最终她憋了半天还是说，好吧，我只说一件事，那就是这部电影有一个镜头一定会让你吃惊的。

即使作为一个剧透洁癖者，我也没有生气。

她多动症似的预告丝毫没有局限我的观感，这一切的印象也丝毫没有影响我对这部电影的爱。

我当然爱上了她。

我找到了她，像是空气清新的雨后海滩捡到一块未经雕琢的玉石，在冲破云层的单薄阳光里发着微弱的光，细看颜色各有不同。

有着无法忽视的凹凸棱角；湿淋淋的，却染得一手温润；你不会想去打凿开拓。

她只是这一天你得到的宝物，你会心满意足地把她和雨水的气味，海浪的翻涌咆哮存在一起，最终放回原地。

据IMDB资料显示，本片里多兰改变画幅的壮举前无古人。

然而让我吃惊的不是这一壮举本身，而是导演这一选择背后，所展现的存在感和原生态。

多兰拍这片子时二十四五，他的这种展现方式，关键情节使用的音乐，摄影的色调变化…一切都在高高兴兴地宣布自己的阅历和眼界，没有保留和掩盖。

既不故作高深，也没巧言令色。

所有修饰手法本身都是坦白。

在恰到好处的节奏和迷人的剪辑下，就连力道不足和柔软有余都不惹人遗憾和厌烦。

有了希望，人们撕扯开眼前的世界。

世间的一切都可以进来，包括幻觉。

当状况直转急下，镜头里的他们重回四方围地，擎着心中那一小束烈焰，继续挣搏。

影片的最后，男孩视线里的世界戛然而止，画幅始终没再拉开，但希望延续了下去，和男孩嘴角挂着的笑容一起。

我太喜欢这个结局，浑然天成，毫不造作。

和我最爱的一部电影[大象]一样， 不断在我眼前晃动着的是片子里的一抹鲜黄和一次亲吻。

亲吻自不必说，和大象里的那个一样，被直接放进了海报；而鲜黄是我每次回想起男孩第一次从超市带回食物的那段镜头时，脑中出现的唯一颜色。

我所有的眼泪几乎都撒在戴安和卡拉两家之间这条小路上，斯蒂夫滑着滑板，斯蒂夫滑着推车。

戴安袋子破裂，戴安站在原地。

卡拉踌躇止步，卡拉眨眼微笑。

三个人骑车撒野，三个人最后旅行。

豆大的雨点落下，勇敢、爱意和挣扎溅上了我们的眼角，再流淌下来。

还有音乐！

啊，音乐也同样恰如其分。

89年生的多兰肯定会把Dido放进2014年的电影里。

肯定会再次抓住唱着法语的Celine Dion。

肯定会找到一首完美的ludovico einaudi，用来展现他最温柔的畅想。

总之，我一开始就失去了最纯粹原始的看片状态，却依然得到了比想象中更多更多。

这部电影像在撒一场野，完满地记录了多兰的当下。

她属于1989年生的他，属于安妮·杜尔瓦勒，属于他的爱将安托万。

这个男孩呀，这一场人形暴风雨。

他的每一次嘴角上扬都能点亮整个世界。

跟导演的处女作如出一辙，描述母亲与儿子之间又爱又恨的矛盾关系。

发现只要导演没有亲身上阵，自恋程度立即会下降不少，客观地说这部也是我看过的Xavier Dolan这么多部里面最好看最深刻的一部。

最吸引眼球的莫过于画面比例。

大部分场景将人物的面孔和动作死死地限制在1比1的小方块里，让观众目不转睛地留意着演员们的演技发挥，母亲与儿子的对戏最为耀眼：语言、肢体、情感冲突不断的场面比比皆是，女主角Anne Dorval的演技实力让人惊讶。

同时这种小画框的设计也暗中对应着这对母子的命运，注定是一场无法自由舒展的悲剧。

明显地，两次画面变形拉长的场景都是主人公心理变化的契机描绘，第一次儿子推着购物车在大街上伴随着Oasis的Wonderwall，淋漓尽致地展现出他欣喜若狂的心境，如在电影院看的话，这一幕必定全场欢呼不断；另一场则是接近全片高潮，母亲在车里幻想儿子不断成长过程中的幸福片段，也是让人唏嘘不已的一幕。

在打破电影常规形式方面，Dolan实在具有天才般的创造力。

不过，影片的缺点和优点同样明显。

首先是节奏很有问题，感觉很多场景不够精炼，反复啰嗦的对白砍掉三分之一效果会更棒。

留白的空间欠缺，令大部分情节沉浸在狗血般的吵闹和对骂里。

其次则是见仁见智的音乐了，尽管相比起过往的几部作品已有所收敛，不过歌曲部分仍觉得太满，令部分段落看起来像是MV，这无疑令影片的整体连贯性大打折扣。

话说回来，Dolan的音乐口味实在令人无话可说，很多歌曲都让我听得津津有味，除了刚才提到的Wonderwall，还有Dido的White Flag、Celine Dion的On ne change pas和结尾的Born to Die。

提到结尾这场，不得不说，这是我最近几年来看到最震撼的电影结局。

当Born to Die的乐声一响起，男主角挣脱掉医院护工，飞奔的慢动作招牌场景一出现，画面就立即黑屏，整个悲剧的力度再次提升，让观众为人物唏嘘的同时，也不得不钦佩这位天才导演的想象力。